PRURITO DE PUETA

Jugo poético

2011-02-09T11:27:00.000-08:00

Yax Kin Melchy

Nació en una provincia de la Ciudad de México
Anotó en un cuaderno de la secundaria un libro que se llama el Nuevo Mundo y que le gustaría que algún día viajara en una nave espacial, lleva escrito: El Nuevo Mundo (2008), y El Sol verde a la fecha (2010).
Hay un libro satélite en órbita que se llama Los poemas que vi por un telescopio.
...Ha hecho esténciles en las calles y trabajado como editor y diseñador de publicaciones cartoneras y basureras: “Santa Muerte Cartonera” junto con el poeta Héctor Hernández Montecinos y jóvenes poetas mexicanos. Ahora en el proyecto “editorial 2.0.1.2”
Ha sido publicado y autorreplicado entre numerosos fanzines, PDFs, fotocopias y libros en ediciones basureras: Nada en contra, Las pequeñas galaxias y ADN Digital. Ha participado como editor nómada de la revista “trifulca” y como coordinador del portal de poetas, libros y movimientos culturales emergentes: http://reddelospoetassalvajes.blogspot.com/ desde la Ex Ciudad de México.
Tiene el siguiente blog diario y abecedario: http://destruccionmasiva.blogspot.com/.

Citizen Welles by Orson Welles

2011-01-31T21:55:00.000-08:00

A la historia del cine le habría faltado un tomo importante si no hubiera existido Orson Welles. Es más, el arte no habría completado su séptimo hito y habría sido como un adolescente atribulado caminando al filo de una cornisa. Tanto genio creó Welles que Hollywood, acostumbrado a lo perecedero y lo inmutable, decidió desterrarlo, abriéndole espontáneamente las puertas de Europa, continente donde el joven director demostraría una vez más su inexplicable capacidad para hacerlo todo tan sencillo y bello.

La primera aparición de Welles fue a los dieciséis años, representando en Broadway un papel en la obra Romeo y Julieta; pero el verdadero comienzo del mito Welles fue la célebre trasmisión radiofónica de The War of the Worlds, donde una ingenua ciudad de New Jersey, sensible a la época de entreguerras, creyó ser invadida y destruida por extraterrestres. La audacia, que bien le provoco tener que pedir disculpas públicas, por otro lado le valió al joven director ser contratado de inmediato por la RKO, quien además de ofrecerle el mejor sueldo de la industria por aquellos años, le dio carta libre para hacer lo que al joven Welles se le antojara. De ese antojo nació Citizen Kane, considerada por muchos la mejor película de la historia.

Pero hay que decirlo, este gran film, el primero en ser estrenado por Welles, no fue el producto de un golpe de suerte juvenil o un certero brochazo de pura genialidad, para ello estuvo antes Heart of Darkness, una de los dos largometrajes por las cuales firmó el millonario contrato con la RKO, y mucho antes su experiencia adquirida en el Mercury Theatre, compañía en la cual realizó sus primeros trabajos sobre las tablas y en donde ya evidenciaba su llameante genio. De la experiencia recogida en esos anteriores trabajos, pero en especial de Heart of Darkness, la primera de muchas películas inacabadas en su vida, se logró capitalizar lo mejor del mundo Welles, porque, también hay que decirlo, el estadounidense era un mundo en constante sinergia, donde no sólo se ceñía a dirigir, sino que además fungía de productor, guionista y, cómo no, de actor. “Es un trabajo gigantesco —diría Stroheim, uno de los más reconocidos cineastas de la época, refiriéndose a la increíble capacidad que Orson Welles desplegada en la filmación—. De hecho, el productor Welles ha permitido sin protestar al director Welles realizar el proyecto del guionista Welles, y hacer lo que quería el actor Welles»

Entonces Welles era el mundo. Creaba, ordenaba y controlaba todos los elementos puestos en el plató. Nada en la grabación de Citizen Kane quedó fuera de lo previsto. El guion, los decorados, las imágenes en clarooscuro, la utilización de reflejos, la profundidad de campo, los planos secuencia; todo estaba articulado de una manera asombrosa en el genio de Welles. De hecho, algo de ello se ve representado en el trágico Charles Foster Kane, protagonista de la película que lo llevó al estrellato, pero que también le provocó sus primeras desavenencias con la industria de Hollywood. Luego de grabado el largometraje, el director, ya considerado todo un prodigio, diría a la prensa “Mis problemas con Hollywood empezaron antes de que yo llegara allí.”

Pero muy a pesar de ello su nombre, apenas a sus 25 años, era ya sinónimo de admiración, otra vez como Charles Foster Kane, quien dueño de una impresionante fortuna y una peculiar inteligencia practica, no duda ni un segundo en hacer lo que su ego le indica. “Una sola persona decide qué voy a hacer: soy yo” dice Kane, mientras es chantajeado por su primera esposa y su rival político para que desista de su inminente victoria en las elecciones para gobernador. Esa solvencia y seguridad también se encuentra en Orson Welles, en sus películas, en sus flamantes actuaciones, en su vida misma. Dirá alguna vez “Un día el presidente Roosevelt me di¡o: "Usted y yo somos los dos mejores actores del mundo; sólo que usted está mejor pagado que yo".

Se nota la arrogancia, pero cuando ésta se sustenta en el genio nada puede echarla abajo, sólo apenas tratar de ignorarla, como lo hizo la industria de Hollywood en su momento. Por ello Orson Welles preferió caminar orondo a paso de gigante por España, gozando del vino la comida y los toros. Filmando durante largos periodos las películas que él dictaba. Y apenas 25 años después de su muerte la gloria aún le persigue en la penumbra. El niño prodigio murió solo en su casa de Los Angeles, otra vez como Charles Foster Kane en su palacio Xanadú; quién sabe si pronunciando alguna enigmática palabra diluida en un recuerdo lejano.

Espíritu de vanguardia: La poesía peruana

2010-08-16T12:53:00.000-07:00

El texto más importante de la vanguardia poética peruana es Trilce (1922) de Cesar Vallejo, pero a él lo antecedió Panoplia lírica al emperador de Alemania (1916) del joven Alberto Hidalgo. Así, como quien tira una piedra sin pensar nada, una de las ciudades más castizas de la república se hizo cuna de la vanguardia peruana.

Fue en la tipografía de los hermanos Quiroz que en el año 1916 se prensaron los primeros ejemplares del texto que dio inicio a la poesía peruana de vanguardia; y aunque mucho se imagine que la Arequipa de esa época era más bien una ciudad conservadora y claustral, lo cierto es que en sus calles o reunidos en casonas coloniales, una ardua y adelantada labor cultural se venía tejiendo. De ello dan cuenta los tempranos grupúsculos formados por poetas como Percy Gibson o Cesar Atahualpa Rodríguez, cabezas visibles de la revista El Aquelarre, en cuya obra poética se respira evidentemente el aroma modernista dejado por Rubén Darío.

Pero si pensamos estrictamente en la vanguardia peruana, fue Alberto Hidalgo —lo acompañó Miguel Ángel Urquieta y posteriormente Alberto Guillen en la revista Anunciación— quien lanzó esa primera piedra a la sensibilidad y a la propia poesía de la época. La definición, la consigna de la vanguardia —término bélico— era deshacer lo viejo y renovar el arte y este caso la poesía. Un espíritu nuevo se reclamaba y en pos de ése impulso el primer poemario de Hidalgo, Arenga lírica al emperador de Alemania, encuentra en el futurismo anunciado por Marinetti el campo llano para el beligerante y joven verso del poeta arequipeño, que en palabras de Urquieta era un “[e]namorado sin examen de la arenga futurista […] que proclama a toda voz estentórea la guerra como única higiene del mundo”.

Así, ególatra y estrepitosa la poesía de vanguardia vio las primeras luces. Primeras, pero no únicas, ni tampoco las mejores, porque el texto por antonomasia que define la vanguardia peruana es Trilce de Cesar Vallejo. En él no pesan las influencias de manifiestos extranjeros, como en el caso del primer y segundo libro de Hidalgo, ni tampoco los evidentes rezagos de la prosodia modernista y, hasta en algunos momentos, la estética romántica. La renovación de la poesía que tanto buscaban los jóvenes poetas de ciudades como Arequipa, Lima o Trujillo, encuentra tierra fecunda y pilar eterno en este libro que nos entrega al más humano, al más universal, al más Cesarísimo de los poetas de nuestro suelo.

La búsqueda de la nueva expresividad en Vallejo es un acto único y por supuesto nuevo. En él, muy lejanas resuenan las detonaciones de los ismos europeos de posguerra y, en cambio, como anota Ricardo Gonzáles Vigil, “experiencias vitales como la muerte de su madre, sus complejas relaciones amorosas o la reclusión en la cárcel de Trujillo” le replantean todo y agudizan su vocación por alcanzar una “expresión poética de absoluta autenticidad”.

Esa vocación vallejiana por una poética renovadora, alejada de los afanes de la moda euro-norteamericana, no encontró en Lima a un lector favorable. La propuesta de Trilce tardará mucho en calar en la poesía peruana y entonces alguna reseca pena invadirá al poeta que en elocuente carta dirigida a Antenor Orrego, lamenta la situación con un rotundo y personal “No han comprendido nada”. Pero muy aparte de la incomprensión de la época, que en algunos casos se extiende hasta el día de hoy, queda claro, bajo la paciente lectura, que Trilce es el libro más importante de la poesía de vanguardia en el Perú, pero no el único.

Lo demás no es copia ni consecuencia, es desarrollo. Los poetas ulteriores publicarán textos que, sin duda, irán delineando una vanguardia sólida, menos impregnada por las modas y más acorde a la necesidad de cambio no sólo expresivo sino también social. José Carlos Mariategui, sin ser precisamente un poeta como los anteriores, es parte integrante de la vanguardia peruana en tanto que sus ideas progresistas llenan un espacio en la reflexión de los nuevos caminos a tomar en la poesía y la sociedad peruana de entre guerras. Y es precisamente en ese periodo que se publica la mayor cantidad de libros entendidos como vanguardistas en el Perú.

Allí están los hermanos Arturo y Alejandro Peralta, que dirigieron el grupo Orkopata y el Boletín Titicaca, la publicación vanguardista sur-peruana de mayor alcance internacional. Este último publicó Ande (1926) el poemario mejor logrado del llamado “indigenismo de vanguardia”. Otro texto importante es 5 metros de poemas de Carlos Oquendo de Amat, libro síntesis de la vanguardia, gracias a que como han anotado varios críticos, reúne la inquietud poética de la época.

Sin duda queda mucha tela por cortar cuando se habla de la vanguardia. Las aristas por donde reflexionar éste campo son infinitas y en la medida que los textos sigan siendo actuales, como lo son casi todos los mencionados, las tesis, ensayos y artículos serán también infinitos

Los beneficios de la tercera edad

2010-06-30T09:32:00.000-07:00

El tiempo, que todo lo decanta, empieza a colocar su testa bifronte muy cerca de los poetas del 60. A los unos como Javier Heraud y Luis Hernández, que muy jóvenes se los hubo llevados, ahora los recuerda, a los otros, como Arturo Corcuera, Rodolfo Hinostroza o Antonio Cisneros, a quienes les colocó una vida larga, cabellera cana, panza ancha y vibrante poesía, ahora los premia.

Antonio Cisneros (1942), recién vacunado contra la neumonía, contesta el celular mientras maneja su auto por la Av. Salaverry. Luego de cruzar unas palabras con un ministro muy importante se da por enterado que a partir de ese preciso momento es el nuevo galardonado con el Premio Iberoamericano de Poesía Pablo Neruda, el más importante concedido por la República de Chile. Al reconocimiento se suma una modesta prima de 30 mil dólares, un apretón de manos con el presidente Sebastián Piñera y la tranquilidad de saberse otra vez vivo siendo poeta. Pero obviamente este no es el primero, ni mucho menos, esperamos, el último.

Fue el extinto Premio Nacional de Poesía el primero que se le concedió el año 1965 por Comentarios Reales (1964), su tercer libro publicado. En él la escritura en verdad es una reescritura, es la construcción de un pasado poético que cuestiona la historia oficial del país. La actitud de Cisneros es marcadamente frontal, ácida e irónica, (Después en el Perú, nadie fue dueño/ de mover sus zapatos por la casa/ sin pisar a los muertos) y encuentra en cada uno de sus protagonistas la forma perfecta para mostrarse a sí mismo a través de un lenguaje lúcido donde la tradición castellana de la escritura no sirve para reafirmar una identidad, sino, todo lo contrario, para cuestionarla.

Tres años después Canto Ceremonial Contra un Oso Hormiguero (1968) le valió el segundo y seguramente, el más importante galardón recibido. El prestigioso Casa de las Américas, entonces reconocía en Cisneros a una de las voces jóvenes más importantes de Latinoamérica. Memorable es el texto Crónica de Lima. Se trata de un poema largo que introduce la ciudad como un espacio vital y fundamental en la construcción del sujeto, que mucho nos recuerda al propio Cisneros (Aquí están escritos mi nacimiento y matrimonio, y el día de la muerte del abuelo Cisneros, el abuelo Campoy) La cotidianidad, el discurso coloquial y biográfico en este y en varios poemas se encuentran apuntalados por la madurez poética alcanzada a su corta edad. Antonio Cisneros no sólo es, como se ha pretendido, un insigne lector y deslumbrado de la poesía de Ezra Pound y Thomas Stearns Eliot (mucho se habla de la influencia anglosajona del poeta a partir de su estadía en Londres), sino que el poeta peruano, asimilando, entre otras cosas, los giros verbales propios del acerbo cultural urbano de la ciudad y reinterpretando la poesía anglosajona para el medio, le otorga un hálito barroco a sus poemas que, sin duda, forjan una de la voces más sólidas y peculiares de la época. De ello darán cuenta muchas de las generaciones posteriores a Cisneros, no sólo los lectores, sino en especial los poetas, quienes continuarán con esa brecha de la posmodernidad abierta por Cisneros y compañía.

Luego siguieron viniendo los libros y en consecuencia también los premios, pero estos dos primeros, sin duda, son los más emblemáticos, porque premian el ímpetu, la exploración, la osadía, la desfachatez para decir las cosas tal cual uno quiere decirlas, sin temor al ridículo o el fracaso. Tanto en Comentarios Reales como en Canto Ceremonial... el poema contiene una evidente conciencia política, no programática ni mucho menos estratégica, pero de hecho incisiva en sus cuestionamientos al Status Quo, al poder y la represión.

Crónicas del Niño Jesús de Chilca (1981) marca el último libro premiado (Premio Rubén Darío de 1980) aunque este no sea precisamente un libro emblemático. La voz deja de ser individual y autobiográfica y ahora se confronta en un nosotros comunal; se pierde la ciudad y en cambio aparece un espacio pre-urbano que trae para el poema una mística honesta, inmanente en el lenguaje coloquial del campo.

Los demás premios, como la Condecoración al Mérito Cultural de la República de Hungría o el Premio Interamericano de Cultura "Gabriela Mistral" o el nombramiento como Caballero de la Orden de Artes y Letras del Gobierno Francés o este último, el Premio Iberoamericano de Poesía “Pablo Neruda” son laureles a la trayectoria, reconocimientos a la labor cumplida, al poema extenso que es la propia vida. Por eso a Antonio Cisneros no le queda otra que decir que estos son los beneficios de la tercera edad.

Los Rivero o la infinita serie de efectos

2010-06-10T22:42:00.000-07:00

No se puede decir que Julio Ortega sea un heresiarca al haber insinuado que “Los Rivero” pudo haber sido la novela nunca escrita por el maestro; pero posiblemente el profesor de Brown University sea sólo una prefiguración en la biblioteca (que otros llaman El Universo) de Borges, una biblioteca esférica que tiene su centro en todas partes y su circunferencia en ningún lugar.

Como quien llega a un templo, pasando el fango sagrado, dejando atrás las ruinas de otro templo, corriendo por el laberinto de una enciclopedia, huyendo del reflejo monstruoso de un espejo para llegar nuevamente a un templo, así, de esa manera cada vez distinta se llega a Borges. O siendo conspicuo, buscando algo más que irrealidad, que ficción, como el reconocido escritor y crítico peruano Julio Ortega, quien ubicó en algún anaquel de la biblioteca de la Universidad de Austin (Texas) los manuscritos olvidados de un texto inconcluso. Dicen que sólo le basto ver las minúsculas grafías —indicio de la avanzada ceguera— en el espacio infinito de la hoja para reconocer la autoría de Jorge Luis Borges.
El texto, almacenado en el Harry Ranson Center, con el apócrifo de “Los Rivero”, narra la vida de los descendientes de uno de los héroes de la Independencia argentina, el coronel Rivero. En palabras de Ortega el manuscrito “Confirma y matiza el trato de Borges con la historia patria. Los héroes fundaron la república, pero sus hijos ya la han perdido en manos de los políticos, de los poderosos de turno. A ellos sólo les queda un pedazo de la lanza que usó en las batallas el coronel Rivero, el abuelo de estos herederos condenados a la melancolía del bien perdido”
Pero muy a pesar de la erudición, éste es un texto incompleto desde sus infinitos lados, pues incluso el género es una total incógnita. Su autor denominó al texto como una crónica; “tiene, en efecto, de la crónica, dice Julio Ortega en la introducción, el estilo enumerativo, incluso cierta distancia ante los hechos narrados”. Él mismo, su descubridor, lo considera un relato que bien pudo ser una novela, porque el tema requería de una extensión mucho más amplia que la de un cuento, y de todos es sabido que Borges aborrecía la novela precisamente por su extensión y tal fue la repulsa en este caso que lo desanimó a continuar con su escritura. Para otros sólo será la especulación de un antiguo pasaje de la historia, un juego sesudo y premeditado —como todo en Borges—, un advenimiento que se retoza con la historia y que es recreada en clave de ficción, de técnica y artilugio literario.

Lo cierto es que para el universo (que algunos llaman biblioteca) de Borges, estas divisiones entre historia, crónica, cuento y novela pierden sus límites, agregándose el uno sobre el otro, no para provocar un hibrido con limitaciones, sino para ganar con la opción de la contundencia de todos sus elementos conjugados. Es una metáfora de la historia, diría Borges, una flor que atraviesa un sueño y se inserta en la realidad, un poema infinito que abarca a todos los poetas del pasado, el presente y el futuro.

Quizá por ello, por la difícil ubicación genérica del texto, por las varias décadas que lleva oculto a los ojos vehementes de sus lectores, por la cantidad incomprensible de posibilidades que embargan al libro, o por el solo hecho de ser un texto inédito de Borges, el hombre nacido en pleno centro de Buenos Aires, en la calle Tucumán, entre Suipacha y Esmeralda, el creador y único observador de El Aleph, quizá por eso la edición que salió publicada hace pocos días, en conmemoración al bicentenario de la independencia argentina, solo tenga 100 ejemplares numerados, en una edición de lujo, que incluye las ilustraciones del reconocido pintor, dibujante y grabador argentino Carlos Alonso.

Una observación última. Lejos de que la edición tenga un tiraje tan corto, es muy difícil creer que pronto no habrá en manos de los adoradores un ejemplar de “Los Rivero”. Porque Borges tiene esa monstruosa cualidad de seducir solo a los fanáticos, a los que por momentos creen firmemente que en su sótano habita un Aleph; sólo a los que han leído tantas veces sus cuentos y ensayos que pronto terminan incluso escribiendo tal cual él. Yo me defiendo con el propio Borges: “no hay acto que no sea coronación de una infinita serie de causas y manantial de una infinita serie de efectos”

Canto de lucha: la esperanza en Yuri Vásquez

2010-05-24T22:48:00.000-07:00

Durante algunas décadas que ya parecen lejanas, el Perú vivió entre el ir y venir de la violencia y la muerte. Era la época en que la consigna política tenía zumbido de bala y temple de amenaza. La vida entonces era verdaderamente luz vital y única, en cualquier momento, no importaba dónde ni cómo, ésta podía caer dura y metálica como una torre.

Cortometraje es un libro que tiene, me parece, tres elementos constantes y que en cierta manera lo autodefinen, en especial con respecto a la temática. Estas son para mí el poder, la violencia y muerte y la descomposición social. Hay que entender que este libro como esta dicho en la primera página, trata de recrear una época determinada…

(La época es precisamente la del 80 y 90. La del más crudo radicalismo terrorista. La época en que para la población limeña quedarse de un momento a otro en la total oscuridad era algo que poco a poco se hacía cotidiano. La época en que un atentado ya no era algo que tocaba sólo a la serranía del Perú, sino que esta había bajado al llano, a la costa, a la capital, para ponerla en jaque. Esa cotidianeidad de la bomba, del apagón se encuentra representada en Cortometraje (Cascahuesos Edit, 2010) primer libro publicado por Yuri Vázquez. Pero además de esos elementos inmersos en la obra hay otros más ligeros que forman también un eje vital en la constitución del libro: Lima y el jazz.)

¿Porqué siendo tú un escritor arequipeño, en tu libro encontramos una relación tan constante con Lima?

…lima era necesaria en la medida que para desarrollar esta idea de recrear, de reflejar las condiciones de esa época, se configuraba para mí como una ciudad emblemática.

El tema que has mencionado de la violencia, efectivamente se engarza muy bien a la época, pero aun así, me queda la duda de que como un arequipeño logra imprimir en los textos esa angustia, consecuencia, por ejemplo, de los apagones. ¿Cómo tu vives la violencia, sabiendo que a Arequipa nunca le toco episodios trágicos como en Lima?

Yo la experimenté para el libro desde un punto de vista muy personal. Una palabra clave en este asunto es la angustia. Yo sentía como individuo, como escritor, una suerte de angustia con respecto a la situación del país. Eso facilito llevar a cabo los cuentos.

Otra constante es el jazz….

Sí. En cuanto al jazz, es un elemento que recorre el libro y que tiene que ver con una relación vital. En esa época me interesaba el jazz y eso me sirvió como un mecanismo de inspiración. Muchos de los cuentos llevan nombres de temas de jazz. Esos temas perfilaron las historias que escribía. En fin, fue un mecanismo de motivación que daba como resultado la propia ficción.

El primer cuento del libro es una metáfora de la civilización y la barbarie latente en nuestra sociedad. ¿El Perú de esa época era eso, un juego constante entre lo primitivo y lo moderno?

Sí, dentro de lo que se vivía en esa época, es esa la situación. Ahora, hay que tener en cuenta que La tribu de los Ichipawa es un cuento que continua desarrollándose en el último cuento, que es Canto de lucha haitiana. Allí se recoge la esperanza. “La tribu…” parece representar un círculo que se cierra, una especia de fatalidad, de decadencia última en la que al parecer no hay mayor solución. En “Canto de lucha…”, hay un esfuerzo creativo, intelectual por pensar que el país podía desarrollarse mejor. De esa manera dejo sentado la esperanza a través de los personajes de los niños. Los niños vienen a ser el símbolo de la bondad, de lo bueno, de lo rescatable que podía haber en esa época. Entonces los niños son aquellos los que en el cuento toman conciencia de la realidad y en vez de sustraerse a ella, con todo lo que significa ser un niño, quieren enfrentare a lo malo, a lo decadente de esta sociedad.

¿Este hecho abre una posibilidad en los libros que tienes escritos?

Naturalmente.

No Plath, sino Hughes

2010-05-12T22:18:00.000-07:00

Sylvia Plath conoció a Ted Hughes en una reunión que él y su grupo de amigos poetas organizaban luego de la publicación de St. Botolph's Review. Ella, delgada, hermosa, se les acercó para conocerlos. Era febrero de 1956 y cuatro meses después, en una furtiva boda en la cual solo hubo una invitada, Plath y Hughes estaban casados.

Luego de aquel otro febrero en que la atormentada Plath se desvaneció a voluntad propia en una nube de gas; luego de que Hughes —desgraciado esposo— tuviera que encargarse de todo aquella basta poética de la derrota y la canción putesca para convertirla en la sentencia del premio Pulitzer; luego de que su acto de muerte se convirtiera en todo lo contrario y su enterrada figura se levantara sobre los brazos de miles de “poetisas” resignadas; luego de todo eso, Silvia estaba más viva que nunca; y Ted, el joven poeta nacido en Yorkshire, que había conseguido reconocimiento con sus primeros textos, que había paseado su altura por la universidad de Cambridge como uno de los nuevos baluartes de la época, como un renovador de la antigua poesía inglesa, ese Ted Hughes repitió uno tras otros sus pasos detrás de la muerte. Ya no fue ex-marido, sino la “Beté Noire” que arrinconó a Sylvia hacia la desesperación y el suicidio, el que la traicionó y la dejó abandonada en la vieja casa del condado de Devon, varada en el medio de la impotencia y la rabia. La crítica, en especial la feminista, se ensaño tanto con él que pronto su obra quedó relegada a un segundo plano, en silencio, como la propia actitud de Hughes ante la prensa, un silencio de muerte, un silencio que tenía como fondo la propia poesía de Sylvia.

Y en ese estado de cosas, en las cuales nadie sabe quien está vivo o quien está muerto las ofrendas se hacen necesarias y son como capillas ardientes sobre la mesa donde el té reposa para nunca más ser bebido. Y la ofrenda de Ted fue la más justa, a él se le escapo de las manos Birthdays Letters, el último, el principal, el poemario que todos esperaban no sólo para saber un poco más de la mañoseada vida de Sylvia, sino también para saber qué tenía oculto Hughes en el silencio. Y es cierto, este poemario, aparecido en otoño de 1998, fue su último acto de silencio, la crepitación de su muerte.

Aquí en Birthdays Letters el poeta es mayor, su palabra se hace solida y deslumbra, su pensamiento pierde toda gravedad y, a través de un estilo enraizadamente conversacional, logra colocar en lo alto toda su poesía con la utilización de simples y bellas alegorías que recuerdan la mejor tradición poética inglesa y que en este caso hacen del poemario un verdadero diario intimo de la compleja vida junto a su ex-esposa, Sylvia, pero esposa como todas las demás. Todo esto no solo para de alguna forma librarse de las críticas que por años le llovieron, ni de expresar su profunda culpa y su profundo amor por Sylvia —eso solo es parte de la anécdota—, sino ante todo, lejos de apasionamientos, la de expresar su magnitud poética.

Las ofrendas entonces se materializan en sueño, el sueño en poesía, la poesía en un poema: Llevabas sólo dos meses de muerta,/ y estabas otra vez súbitamente ahí, a mi alcance./ Tomé la Northern Line en Leicester Square,/ me senté y ahí estabas. Y ahí/ comenzó el sueño que no era ningún sueño. Así se muestra el Yo poético en el poema, incapaz de reconocer los límites entre la vigilia y el sueño, entre la vida y la muerte. ¿Qué hace un difunto en Leicester Square? El mundo creado por Ted Hughes es uno donde habitan los miedos, el dolor, la culpa de algo sobre lo cual no se tiene dominio, tanto que se unen al mundo real, en el que todo habitamos. Estos espectros acompañan al poeta y no puede ignorarlos, más ellos sí: Tu papel en el sueño era ignorarme. Y así lo hace, no importa si es Sylvia Plath, la archiconocida poeta, importa que es la mujer con quién en su momento todo lo compartía. Y el poema entonces es un acto ritual donde cada palabra intenta resucitarla y observar su rostro un poco más viejo, un poco más amarillento, para limpiarle las afrentas.

Ted Hughes, muerto en octubre de 1998, descansa su memoria en el rincón de los poetas de la Abadía londinense de Westminster, junto a Tennyson, Wordsworth, T.S. Eliot o W.H. Auden, y su último libro, como toda su vasta obra, lejana de nuestra lengua castellana, quedará como una ofrenda, como un triste sucedáneo que la muerte nos devuelve.

Acid Girls

2010-02-08T10:33:00.001-08:00

Acid Girls - The Numbers Song from IHEARTCOMIX Records on Vimeo.

Cosas infames de Oswaldo Chanove

2010-01-13T18:48:00.000-08:00

…y te digo que este libro es la primera parte de un proyecto mayor que trataba de ser una novela acerca de Arequipa, pero me di cuenta que lo mío no es tanto esa cosa que tienen los narradores natos, el flujo.

Es cierto, lo suyo no tiene nada que ver con el flujo. Con Oswaldo Chanove, reconocido poeta de los 80`s, las preguntas y respuestas parecen un hilo de agua limpia que recorre un camino de piedras. Es como entrevistar a un presuroso capitán de caballería que dedica canciones de amor a una prostituta pelirroja. Todo se hace como tumultuoso y cuando responde alguna pregunta lo hace de tal manera que parece que está respondiendo la anterior y al mismo tiempo adelantando la siguiente respuesta. Por eso creo en él cuando dice que rompe los flujos. …lo mío parte de una actitud mas bien de poeta —aclara y hace hincapié en esas inquietudes propia de ellos—. Me di cuenta que no podía hacer una novela a la manera de Vargas Llosa o de García Márquez, en que empiezan a fluir situaciones mágicas y etc., sino que a mi me interesan los fragmentos…”

Así es, su último libro de relatos Cosas infames (estruendomudo, 2009) es un libro fragmentario, hecho como de retazos de tela tartán, a la manera de un collage íntimo que desde alguna lectura puede remitirnos a la nostalgia. “…en realidad te diría que no —Chanove niega una pregunta mal terminada— hay algunos textos, en especial los primeros, que son recuerdos supuestamente del narrador pero los demás no son tanto eso.” Descartado en su parcialidad el móvil de la nostalgia, Chanove propone otro mucho más exquisito “…yo diría que el móvil principal de este libro es una idea que siempre me ha parecido la verdadera razón del arte contemporáneo, que es la onda del contexto. El artista no se inventa un universo y lo pone dentro del real, sino simplemente mira y escoge algunos elementos del mundo y al decidir que eso es arte se produce una milagrosa transformación que, al final de cuentas, es el misterio de la poesía”.

Y la entrevista que empezó como una canción difícil de explicar de The Strokes, ahora se dirige lenta como hacia una primera balada para piano de Chopin, en el cual sumisas variaciones del sonido acercan pequeñas exactitudes a la conciencia.

Hay un personaje que recorre algunos relatos en Cosas intimas llamado Vicente Hidalgo, que dice que a la realidad hay que yuxtaponerle otra realidad. Y esa es la siguiente pregunta que Oswaldo en primera instancia no llega a contestar. Por supuesto, insisto. “…te preguntaba acerca de cómo afrontas tú mismo la vida, si lo haces al igual que este Vicente Hidalgo…”.

Oswaldo interrumpe con una afirmación que es como una venia para que la balada tome brío. Su rostro jovenzuelo se aleja. El aire de la sala se embota y cada respuesta a partir de ahora tendrá que ser doblemente escuchada. “Ah claro, por supuesto. Yo no creo que uno se planteé como meta hacer eso, sino que lo hace. Osea, la vida de cualquier persona es una máquina que interpreta la realidad. En esa medida yuxtapone una realidad sobre la supuesta verdadera realidad. De tal forma, el artista se profesionaliza en esa situación y empieza a crear universos mucho más laboriosos y más sofisticados que, de alguna manera, intentan un poco escapar de esa situación terrible del ser humano que es la confusión. La confusión —explica— es el estado natural de los seres humanos que a la larga produce angustia. Entonces los artistas tratan de interpretarla y por supuesto no lo logran, pero es una búsqueda; una búsqueda casi heroica…
Las palabras de Oswaldo parece que llegan a un clímax que yo me propongo interceptar. Digo “Es una búsqueda casi heroica y que tiene algo de evasión, no?”.

“Si —contesta el poeta, mientras mira un punto lejano en el ventanal— en realidad es evasión, pero evasión del vacío— Oswaldo me exige ahora que me de cuenta—, llega el momento en que tu no entiendes nada y dices: Estoy en la vida. Todo lo que pasa me pasa y yo no lo entiendo —Prosigue, pero sus palabras han sido tan contundentes que me he repetido esa frase dos veces—. Entonces el artista trata de interpretarlo y trata de evadirse de esa situación que, básicamente, es la situación natural del ser humano, de cierto nivel de inconciencia. El gran desafío de los artistas es atreverse a la conciencia, a decir: Yo quiero mirar lo que pasa. La gente mas bien trata de librarse de la angustia y de la desesperación del mundo sometiéndose a la rutina que crea, precisamente, inconciencia. El artista sí entiende un poco más, no te diría que saben lo que es la realidad, pero por lo menos exploran y ese es su gran heroísmo y un gran atrevimiento.

La balada cesa. Los atrevimientos han terminado. Para concluir, algunas justificaciones, inquisiciones a dios, graciosas anécdotas, algunas fotos que presagien en su mirada las cosas infames que pronto escribirá. Unas preguntas bastan de muestra, las demás a la camisa.

A Sandro, sin sentido

2010-01-05T14:48:00.000-08:00

Recuerdo alguna lejana infancia en que la vieja radio azul se prendía muy de mañana en el cuarto donde habitaba la cocina. En cada amanecer el ritual de levantarme de la cama y esperar a que Madre viniera a recogerme era necesario. Todos nuestros pactos de amor se reafirmaban en ese primer abrazo y esas suaves palabras que sonaban como el primer buenos días hijo de toda mi vida. Luego, ya confortado, ya alejado del sueño, ella me llevaba al lugar donde la radio inundaba de recuerdos su voz que tarareaba bajito cada melodía para no despertar suspicacias entre los otros. Allí, sentado, esperando a que el conjuro del desayuno fuera hecho, mi mente cogía cada una de las voces salidas de los parlantes negros de la radio. Muy cerca del lugar donde estaba colocada, había un cuaderno forrado con papel de regalo que Madre quería más que a todas las cosas inertes del gran cuarto. En el medio había siempre un lapicero. Hacia ese matojo de hojas corría cada que esa radio azul repetía alguna canción que ella anhelaba. Entonces su mano era la más veloz del mundo. Escribía con la misma intensidad con la que el viento hacía remover las raíces de la verde higuera que vegetaba con nosotros en la huerta de la casa y con la misma finura con la que el mismo viento se escurría por entre las rendijas como palabra helada hacia el interior de la casa. Recuerdo muy bien que una de esas canciones que le costo mucho terminar fue una de Sandro. Tantas veces fue Madre al cuaderno que, para evitarle la fatiga, yo quise aprendérmela de memoria para cantársela y no tener que esperar al antojo de la vieja radio azul que resonaba. Ahora la recuerdo y la canto con voz grave como lo haría Sandro. La canto o talvez la repito sin sentido en mis actos o tal vez la recito como un poema viejo, como el primer poema que escuchaba algunas mañanas en el momento preciso del abrazo con Madre. Tal vez la recito para Madre, para la mujer que es mi Madre o talvez para la mujer que suceda a mi madre, la única mujer, alguna mujer que entienda que algunas cosas siempre deben quedarse sin sentido.

Los límites de la ficción

2009-12-27T11:09:00.000-08:00

¿Qué pasa cuando la ficción literaria se entromete en lo real? ¿Qué cuando ésta coge el timón y hace giro hacia lo histórico? ¿Qué pasa si este rumbo es parte de una perpetuidad?. Para la teoría, la ficción se mantiene muda, no contesta a nadie más que a sí misma. En Latinoamérica las cosas a veces parecen ser distintas, la ficción tiene algo de qué hablar.

Fue por las décadas del 70 y 80 que se promovió la actitud intelectual más coherente y cohesionada de la historia de la crítica literaria de esta parte del mundo. Con nombres como Antonio Cornejo Polar, Roberto Fernández Retamar, Ángel Rama, entre otros se construyó una trinchera de estudios literarios de corte marxista que intentaba ser respuesta al gran contingente de estudios producidos y importados desde la academia europea y norteamericana.

Aunque muchas de las propuestas, de lo que se convino en llamar la Critica Literaria Latinoamericana fueron debatidas, muchas con justa razón, algunas de sus principales inquietudes y postulados se mantuvieron en los pasillos de las escuelas de literatura de toda Latinoamérica. Dichas inquietudes asaltan cuando de pronto aparecen momentos literarios engarzados a procesos socioculturales peculiares, por ejemplo, como los que antecedieron a la penúltima narrativa nacional.

Penúltima narrativa nacional

Para nadie es un secreto que luego de la caída del regimen de Alberto Fujimori y la consecuente publicación el año 2003 del Informe Final de la Comisión de la Verdad y Reconciliación, hubo un periodo de fecunda producción literaria que manoseaba el tema de la violencia interna en el Perú. Libros, antologías y estudios fueron llenando el escaparate de la literatura nacional y así, bajo este doloroso rubro, se consolidaron varios nuevos escritores en el país.

Pero no sólo los nuevos se lanzaron al tema de la violencia a través de ficciones, algunas de ellas inverisímiles, sino que algún que otro narrador con años de experiencia encima hizo lo mismo obteniendo iguales y fructíferos resultados. La Hora Azul de Alonso Cueto ganó el año 2006 el Premio Herralde de novela y marcó, junto con Santiago Roncagliolo, premio alfaguara, el cenit de esta época.

Alonso Cueto, que nunca ha sido un narrador estupendo, encuentra una historia ambientada entre Lima y Ayacucho la excusa perfecta para entrometerse, con su mirada siempre capitalina, en los sucesos y efectos de la violencia política interna vivida en la década del 80 en el Perú. Y aquí las primeras complicaciones con los estatutos de la ficción.

El personaje, Adrián Ormache, es el hijo de un militar destacado en la sierra que ha cometido una serie de delitos contra los derechos humanos en su lucha contra el terrorismo; entre ellos, el de haber violado a una adolescente huantina, que ahora él, su hijo, un abogado prospero miembro de la más alta clase social limeña, ha decidido buscar, provocando sentimientos encontrados en el protagonista quien de manera previsible termina por enamorarse de la mujer que años atrás fue víctima de su padre.

El resarcimiento simbólico se hace evidente y entonces este personaje, que representa al mundo criollo, asume su función restabilizadora de un mundo al cual no pertenece, el ande, reinstanciando una vieja critica argüida por el arequipeño Antonio Cornejo Polar a propósito de la literatura indigenista.

Cornejo Polar decía, resumiendo, que la literatura indigenista era trunca en la medida que quienes enunciaban los textos (los escritores) no pertenecían a ese espacio andino e indígena, es decir, escribían desde su posición criolla dominante acerca de algo tan ajeno culturalmente como el mundo andino, perpetuando, esta vez a nivel literario y simbólico, la dominación. A ello Cornejo Polar llamaba heterogeneidad.

De la misma forma se entiende la escritura de Alonso Cueto y los demás. Su posición cultural dominante ha sido motivo de escarnio durante la época inmediata a la publicación de la novela que pretende inmiscuirse en asuntos tan delicados como son los del periodo de terrorismo en el Perú. Pero se dirá que sólo es ficción, que no representa de ninguna manera a la realidad, que es fingimiento lúdico compartido; pues, es cierto, las circunstancias de estas novelas no son la realidad, como de ninguna otra novela en el mundo, pero lo que si es que en la lectura, en su relación real con el lector si interviene en la imaginaria construcción de la realidad.

De allí que en este parte del mundo la ficción sí tenga algo de que hablar, porque como lo entiende Fernandez Retamar y el mismo Cornejo Polar "no parece posible comprender la literatura al margen del proceso social del que emerge y sobre el cual revierte".

Rodolfo Hinostroza dijo NO

2009-12-17T07:15:00.000-08:00

Av. Javier Prado con Petit Thouars. Poco más de las diez de la noche. Rodolfo Hinostroza está sentado a mi mano izquierda. Su voz grave sube por el aire húmedo del Superba para luego caer de sus altos anaqueles con una conciencia nueva. Este cano poeta ríe, cuenta, se acerca y convence a los convidados en esta mesa que pronto la única certeza de occidente emanará de la astrología.

Para quienes no han oído hablar de él, Rodolfo Hinostroza es uno de los poetas más importantes y lúcidos de la literatura Hispanoamericana. Allá por el año 1971 su complicadísimo poemario Contranatura (1971) obtuvo el premio “Moldoror” otorgado por la casa Seix Barral de España. Ahora, sentado en este bar, con una copa de ron en la mano y la acuciosa necesidad de prender otro cigarrillo en la otra, su persona no me parece ser tan complicada como su escritura; más bien se comporta sencillo, alborozado y conversador.

La mesa se ha llenado de grandes amigos del poeta. A unas cuantas sillas está José Pancorvo. Frente al autor de Apocalipsis de una noche de verano, Vladimir Herrera, con similar copa de ron en la mano, con el infaltable sombrero de paño puesto. Éste le recuerda de rato en rato las anécdotas vividas en Paris y Barcelona. Hay risas entre ellos mientras se recuerda a la mujer que uno le envío al otro y que dio inicio a un final inesperado.

La conversación, aunque alegre, atañe ciertas nostalgias; por los años, por la juventud, por el desborde en poesía, por esa Europa de luces a la cual todo escritor latinoamericano soñaba llegar para poner los pies y las letras encima. Ahora se habla de los caídos, de los enfermos, de los que ya no tienen muchos días en su futuro. El mismo Hinostroza pasea por la ciudad de los reyes con un marcapaso en el pecho, y es que las cosas avanzan a un ritmo propio y el suyo necesita de un poco de ayuda. Pero eso no es impedimento para la algarabía. Su risa grave y ronca abruma los sentidos.

Hinostroza sigue contando anécdotas acerca de pintores, encuentros casi olvidados con mujeres extremadamente bellas, largas conversaciones con poetas celebrados y su voz grave y la risa ronca reanima la mesa mientras se toma un respiro y se trae a la memoria nuevos recuerdos para concluir nuevamente en la risa grave y ronca, en su rostro de potro desbocado.
Pero lejos de dedicarse sólo a la literatura, este hombre de casi 70 años ha publicado sendos libros de gastronomía y astrología.

De la primera vocación ha hecho todo un culto. Su paladar no es grave, sino agudo. Varias columnas en distintos medios impresos lo han catapultado como uno de los tridentes de la cocina nacional. Su libro Primicias de la cocina peruana fue declarado finalista del premio al mejor libro gastronómico del año 2005 por la Academia Española de Gastronomía y el suyo es un primer esfuerzo de lo que hoy ya está casi consolidado.

Pero la cocina la ha dejado de lado. Ahora antiguas preocupaciones lo inquietan. La astrología, sin duda, es una de ellas. Esta excéntrica vocación suya la ha retomado ahora que ha podido terminar un libro que pensó que nunca acabaría y, además, debido a que se encuentra en la manufactura de un poemario acerca de dioses que ya tiene ocho años de labor. A partir de este momento Hinostroza combina en cada sorbo de ron una aproximación a los planetas, a la rara contingencia que hay entre los astros y nosotros.

Así, yendo y viniendo tras un tema nos hace la confesión. Se trata de un libro acerca de las relaciones humanas inspirado en un trabajo fracasado de Jung acerca del amor. “Yo retomé la investigación hace ya más de veinte años y conseguí lo que él no pudo conseguir” Sus palabras tienen resonancia de arcano y todos en la mesa lo escuchan. Se han alejado las risas de su voz, ahora sus ojos lo ven todo como nuevo, con deslumbramiento, como un niño que ha descubierto una nueva forma para escapar de clases. Quizás sea la conjunción de un signo y una propia estrella lo que me hace estar acá, presente en el momento de esta revelación. "Es sencillo —dice— el error estuvo en el computo, yo lo rehice y salió".

Y este poeta peruano luego de varias décadas ha encontrado el sistema para predecir las relaciones humanas. Lo ha corregido durante veinte largos años y tiene listo todas sus aproximaciones astrológicas. La mesa queda por unos segundos perpleja hasta que alguien pregunta si se publicará con su actual editor. No, dice el poeta.

Entonces, embebido en un bar de bohemia limeña el nombre de Rodolfo Hinostroza me resuena cada vez con más fuerza en la cabeza, la imagen del texto, de las diagramaciones y portadas se acumulan y van haciendo caldo común con sus aproximaciones, con sus aciertos y desaciertos. ¿Acaso habrá una respuesta para todos en ese libro? y ¿Si ese libro se publicara en Arequipa, acaso estaríamos más cerca de la verdad, alguna verdad?. Toda la argamasa fermenta en una propuesta. Se duda un segundo y al siguiente se intenta. El astrólogo me mira y me dice NO.

sólo interesa un libro, un autor

2009-12-14T08:25:00.000-08:00

—Lo que tienes que entender, gordito —me dijo el viejo poeta— es que de Hora Zero sólo interesa un libro y un autor, lo demás es consecuencia, la repetición de ese momento.

No recuerdo si esas fueron las palabras exactas que mencionó el poeta, pero si no son me basta y sobra con imaginarlas. Lo que sí recuerdo es el bar en el que estábamos. Barranco siempre es un buen lugar para este tipo de infidencias que tienen ese regusto a masonería y que pueden malinterpretarse como conspiración.

—¿Y los infrarrealistas? —interrumpí, mientras dejaba mi vaso en la mesa y el otro poeta sentado a mi lado ensayaba una sonrisa maliciosa.

—No pues gordo. A ellos nunca les interesó lo que hacían estos. Una vez reuní en mi casa a Enrique Verástegui y Roberto Bolaño en una fiesta con varios amigos más. Apenas creo que se saludaron —mi rostro de iniciado en esta masonería se llenaba de asombro—. Tu crees, gordo, que si hubiera habido una relación personal y poética entre ellos habrían estado así. No seas terco, el único que interesa aquí es Juan Ramírez Ruiz.

ENCUENTRO CON EL TERROR

A ti te conozco terror, te conozco:
tú preguntabas por mí, hurgando en mis ojos
con una luna chueca; y yo a ti te encontré
mirando suelo y cielo, solo,
buscando mi error con las dos manos.

Tú querías matarme con astros bizcos,
tú columpiabas mi mente expelida por un golpe:
a ti te conozco terror, te conozco.

Pero si oscuro va el bosque,
lo que ocultas (¡aquí está!) va más oscuro todavía:
¡remolino de hechos que vomita
un incendio antropomórfico, mi cuerpo
como látigo se agitaba contra mí
con el peso del ojo en la mirada!

Te conozco, a ti te conozco terror;
tú ya no puedes mi mente columpiar.

ATENCIÓN, ÉSTE ES EL JÚBILO, ÉSTE ES EL JÚBILO

Atención, éste es el júbilo, éste es el júbilo
huyendo del silencio, viene, viene, se queda,
limpia, éste es el júbilo, el silencio le huye.
Elfina tu decías no, pero está conmigo
tómalo en mis ojos, en mis manos. Elfina
deja la tarde en la calle, avisa y que vengan,
que se alejen de las ofensas, que descuiden la
acechanza, el improperio, la alevosía,
aviso, dilo y abandona las oficinas,
corre, ven con todos, corre, separa tus dedos
de las máquinas sumadoras, cierra, cierra,
los libros, los llaveros, los insultos, éste es el júbilo,
éste es el júbilo, reconócelo Elfina, éste es el júbilo.
Este que se aleja de la redondez del cuatro,
de la punta involuntaria del cinco
o del alambre que sigue al viento. Este es el júbilo,
éste es el júbilo, este viento cargado
con sonidos de vidrios verdes, éste es el júbilo,
y conmigo está mirando la tarde. Entro en los pechos,
en las frescas canciones, entro, éste es el júbilo,
esa música, esa abundancia, ese relumbre
que dejó caer sin recogerlo, éste es el júbilo,
reconócelo Elfina, éste es el júbilo.

Lázaro o la eterna vida de Ciro Alegría

2009-12-03T17:38:00.000-08:00

Lázaro, libro póstumo de Ciro Alegría, tenía avanzados ya 15 capítulos. Era, según el propio autor, la más amplia, la más ambiciosa de sus novelas. Un día dejó de escribirse. Otras preocupaciones apremiaron al vate, otros proyectos pequeños tuvieron que iniciarse para propósitos aun más grandes.

Dolor y esperanza

Es extraño. Desde que en el año 1949 una editorial mexicana dejó de entregarle a Ciro Alegría la suma correspondiente por los derechos de autor de El mundo es ancho y ajeno, éste tuvo que resignar, no sin pesadumbre, la escritura de uno de sus proyectos literarios más ambiciosos. La tranquilidad económica necesaria se había esfumado y con ella, también —ahora lo sabemos—, la posibilidad de tener en nuestras manos la novela quizás más importante de la literatura peruana. Entonces, en esos momentos se cae en la certeza de que la vida siempre ha sido y será una valija de amargas sorpresas que cargamos a todos lados. No se escatima en que la tenemos tan cerca y su presencia se hace cotidiana. Pierde color en nuestro espectro y de pronto es una camisa o un sombrero que se detiene en nuestro cuerpo y nos acompaña. Y es extraño porque, a pesar de todo, Ciro Alegría siguió hasta el final soñando, esperando que lleguen mejores días y manteniendo la esperanza en culminar Lázaro, es decir, en ponerle ese punto final que le otorgara a su obra ese hálito de eternidad.

Lucha y agonía

Los 15 capítulos publicados de Lázaro el año 1973 por la Editorial Lozada de Argentina, son un trazo más en el gran cuadro que el escritor nacido hace un siglo pretendía hacer de la realidad peruana. Su escritura, por tanto, mostraba la tesón creativa y política que Ciro Alegría mostró desde temprano con novelas como Los Perros Hambrientos(1939) y El Mundo Es Ancho y Ajeno(1941).

La trunca historia narra las luchas sindicales en el pueblo de Lares, un paraje costeño rodeado de grandes extensiones de caña en donde se asienta un ingenio azucarero que a grandes rasgos —en la relación entre dominado y dominante— se hace una metáfora histórica de la realidad del Perú de esa época, de sus clases sociales, de la segregación cuatro siglos montada en el anda, de la injusticia y la sempiterna dictadura. En ese punto la literatura, en su posibilidad, no anula la agonía de la vida, pero, por breves segundos, la amilana o la sublimiza en un placer superior que consiste en encontrar sentido al dolor que cargamos en nuestras manos. Precisamente esa es la actitud de escritores como Alegría que, abiertamente político, apuntaba a la gran revolución ya no sólo peruana, sino americana y no una revolución armada, como todo en esa época, sino una de índole netamente cultural.

Por eso Lázaro no es el proyecto de un simple pasquín, en él hay una estética depurada. La técnica narrativa, aunque no asume grandes innovaciones, cumple una función vital para la perfecta construcción de la obra. Nuevamente el lenguaje, como en las anteriores novelas, se hace puro y la utilización de giros lingüísticos son precisos. Y también hay pasión en la novela. El amor entre Anselmo —joven luchador de clase humilde— y Mila —hija del acomodado Remigio Garmendia, cabeza visible de los sindicalistas— le dan eso que todo lector busca, esa necesidad de saberse correspondido y hasta quizás representado en la propia historia.

Y cuando la novela empieza a accionar sus resortes narrativos y su autor nos introduce en el meollo del asunto, provocándonos el ansia de poder proseguir la historia, es en ese preciso momento que la lectura agoniza, porque el capítulo 15 abruptamente termina.

Muerte y resurrección

Es extraño. La novela concluye cuando el amor de Anselmo y Mila está casi consumado, cuando este mismo se prepara con Chamorro para la lucha, en fin, cuando las cosas decisivas empiezan a desanudarse. Al terminar es inevitable unos minutos de silencio. Entonces se entiende con certeza que la vida es una valija de amargas sorpresas que se carga a diario. Y es extraño porque aún así la inconclusa novela deja la sensación de haber cumplido todo su monumental cometido.

Lázaro, que no puede obviar su correspondiente bíblico, al cerrarse acciona un resorte más no previsto por Ciro Alegría, es un ejercicio casi inevitable. Luego de los minutos de silencio el lector deja volar su imaginación y construye un final seguramente no tan prolijo como el imaginado por el escritor, pero que a él le da sensación de haber sacado de la muerte a todos sus personajes y hasta al mismo escritor y haberlos llevado a ese punto final que le otorga a toda buena literatura ese halito de eternidad. Eternidad que en sus cien años de vida Ciro Alegría ha podido construir en la literatura peruana.

Tu voz Juan Gonzalo Rose

2009-11-23T23:22:00.000-08:00

Desde que Don Felipe Pinglo Alva colocara las cimientes de lo que hoy convenimos en llamar música criolla, los poetas, pintores y artistas en general siempre se han mostrado cercanos a ella. Quizá por las noches de bohemia y las inacabables jaranas ensalzadas y, luego, ahogadas en vasos de alcohol o, también, quizá, por sus letras sencillas y profundas que, otra vez, nos anegan en vasos de alcohol.

Ha de haberse sentido solo y triste el poeta. La memoria parece a veces engañarnos, su dibujo no pertenecer al pasado, sino al preciso momento en el cual se existe con todas las cosas que rodean el cuarto y que se encaraman sobre la mesa vacía. Las sombras se proyectan en una luna encendida y el cuadro sobre papel, que el poeta con afecto ha presentido, se consuma. Entonces su voz existe, se abre un camino de luz en cada objeto que adiciona su íntima vibración al espacio, conjugando luego un solo y débil sonido que persiste y que se resiste al olvido. “Tu voz/ tu voz/ tu voz existe”, escribe Juan Gonzalo “Tu voz, tu dulce voz, tu voz persiste” y la repetición, como un veloz canto rodado sobre la superficie del agua, es sincera, es un acto ritual en donde de tanto nombrar la palabra se vuelve cierta.

Pero queda la sospecha de que Juan Gonzalo Rose permanecerá en la memoria popular no por su labor poética, apuntalada por excelentes libros de poesía —12 en total—, sino por sus contados valses llevados por magnéticas ondas hasta recintos extraños donde nuevamente se ve renacer su sombra serena.

Juan Gonzalo, poeta, comunista, bebedor y solitario no nació en Tacna, sino en Barrios Altos, cuna del criollismo limeño que alguna vez se imagino como la suma de las identidades en el Perú. Juan Gonzalo, tierno niño tacneño —porque vivió allí sus años de infancia, los mejores, lo decía con orgullo— había vuelto a lima para terminar sus estudios y así lo hizo. Ingresó a la Facultad de Letras de San Marcos y, como todo joven por aquella época, tomó posición política. Eran tiempos de posguerra, de luchas contra el fascismo, tiempos del general Manuel Apolinario Odría, a quien los intelectuales le causaban urticaria y que, pronto, ardido su abultado cuerpo, exilió a un gran grupo de librepensadores hacia tierras mexicanas. Allí Juan Gonzalo estuvo con Gustavo Valcárcel entre otros camaradas peruanos, conoció a Fidel Castro y el Che Guevara, con quienes estuvo apunto de embarcarse en el yate Granma, ese que en 1956 desembarcó e inició la revolución cubana. César Lévano, amigo del poeta, recuerda que en una conferencia éste dijo “fracasado como guerrillero me dediqué a bohemio” y así lo hizo, porque se ha de saber que cuando un poeta dice algo, lo hace de inmediato.

Y Juan Gonzalo de puro bohemio, de puro triste y romántico se hizo involuntariamente una imagen de trágico, depresivo, oculto en el silencio de su cuarto. No debiera hablarte de estas cosas. / Debería decirte: / La mañana es bella. / La tarde es bella. / La noche es bella. / Y al escucharme, / tú sonreirías;…”. pero nadie sonríe viendo tanto dolor tallado en un solo hombre. Lo comprueba con creces Cesar Hildebrandt quien en 1980 lo entrevista. Duele cada pregunta y respuesta. ¿Alguna vez usted ha sido feliz, Juan Gonzalo? pregunta Hildebrandt. No, no he conocido lo que es la verdadera felicidad. Y entonces segundos se pierden en el aire; pero no importa.

No obstante, su labor como compositor era otra “… yo quiero que mis valses los cante el pueblo.” había dicho. Y en el canto popular siempre habrá algo de algarabía, de vulgar desborde, innato en la música criolla; por eso es jarana, por eso vibra la guitarra, traquetea el cajón y se canta, la gente canta. Más de 25 años después de su muerte, los valses de Juan Gonzalo Rose permanecen inalterables en el imaginario del pueblo. Tu voz, tema interpretado en un principio por Tania Libertad, cónyuge estacionaria del poeta y llevado a la sensiblería popular a través de la siempre joven Lucha Reyes, es un himno para el solitario, para quien puede en la soledad oír voces.

Juan Gonzalo triste, sirviéndose en el más criollo de los rincones una copa de cerveza. Cuantos veces el Bar Palermo o El Juanito lo habrá visto caer ebrio de tanto dolor, de tanta poesía inacabada estallándole en los ojos. Cuantas veces recordaremos su nombre, su voz, su dulce voz que ahora existe, porque se ha de saber que cuando un poeta dice algo, ese algo, de inmediato, existe.

La Feria del Libro en números

2009-11-13T07:34:00.000-08:00

Luego de la campaña, los hombres regresan al centro de mando con los números y resultados de su acometida. Los balances esta vez son positivos, pues cuando se trata de una primera FIL todo número y cifra se verán desde abajo.

Si el día 2 de octubre alguien llegó después de las 19:30 horas al parque libertad de expresión en Umacollo, entonces ese alguien no pudo ver directamente a Jaime Bayly, el invitado estelar de esa fecha y, sin lugar a dudas, de toda la Feria. El recinto empezaba a colmarse de gente desde tempranas horas de la tarde y para cuando dió inicio su anhelada performance —una suerte de nuevo episodio de El francotirador, pero en vivo—, algunos tuvieron que conformarse con escuchar desde lejos sus graciosas palabras. Dieciséis mil setecientas personas asistieron a su presentación y marcaron el record de asistencia de la primera Feria Internacional del Libro de Arequipa que en sus casi dos semanas de duración albergó a ochentaidos mil almas arequipeñas.

Otro tanto fue la presentación del libro Cesar Hildebrandt, que atrajo los oídos de diez mil asistentes que escucharon con atención política los cambios de palabras de este gran pequeño.

Luego estuvieron los enemigos íntimos Beto Ortiz y Aldo Miyashiro que, con la sabida irreverencia y chacotería de su programa, entretuvo a 7 mil personas. Entre ellos, como no podía faltar, decenas de barristas de la “U”, que de rato en rato procuraban enaltecer algún pérfido canto pero que encontraba siempre la silbatina de la gente.

Toda esa masa deambulante del libro pudo visitar 33 stands de editoriales nacionales e internacionales, ver y ojear miles de títulos de los más variados temas y autores. Entre los mas visitados estuvieron Santillana (Diez mil visitantes) el Grupo Editorial Norma (Ocho mil quinientos visitantes) Special Book Service (siete mil quinientos visitantes) entre otros.

En cuanto a la venta de títulos por autor, debemos nuevamente volver a las presentaciones más concurridas, porque en ellas, como era de esperarse, se registró los números más alto de ventas. En este punto, de alguna manera debemos sentirnos todos satisfechos, pues estas cifras superan en algunas centenas a las que hubieron en la FIL de Lima este mismo año, donde la capacidad y la concurrencia de público es muchas veces mayor que la que hubo en nuestra ciudad. En la de Lima el libro de mayor venta superó los setecientos ejemplares y fue el de Aldo Miyashiro. Para el caso de Arequipa otra vez mi terrible Bayly fue quien se llevó la flor al vender novecientos ejemplares de su bizarra novela El cojo y el loco. Tan bizarra fue la venta que Jaime tuvo que quedarse hasta aproximadamente las dos de la mañana firmando cada uno de sus ejemplares, sin duda un gesto que quedará grabado en sus posibles próximos electores.

Poco menos que esa cantidad estuvo el libro Cambio de palabras de Cesar Hildebrandt, quien no aguanto pulgas y sin ton ni son rubricaba los libros con una sola firma. Cuentan que una bella joven no quiso aceptar esa firma y que luego de alguna misteriosa palabra, Hildebrandt se le quedó mirando unos segundos para luego decir en tono cansino: Disculpa, estoy muy cansado.
Pero el cansancio no es algo permitido en una feria. Por algo lleva el nombre de “feria” y entonces el entretenimiento es un punto álgido en ellas. Así, la de Arequipa aseguro que sus decenas de miles de asistentes estuvieran regocijados con ciento setenta y seis espectáculos musicales, doscientos dieciséis talleres infantiles, dieciocho presentaciones teatrales, veintinueve presentaciones estelares y cuatro homenajes.

Así, maratónica, llena de actividades, de autores y de libros ha sido esta primera Feria Internacional del Libro de Arequipa, que en números y cifras a veces parece desbordarnos. Cómo no si aproximadamente movió la friolera suma de medio millón de soles. Una cifra grande que sin duda tendrá que ser superada en los siguientes años. Arequipa esta en la verdadera posibilidad de ser la Feria de mayor prestigio en nuestro país, así lo ha demostrado la gente. dos datos fecundan esta hermosa idea: Recuérdese que la Feria más importante del mundo es la Frankfurt que como todos saben no es la capital de Alemania y que la más importante de Latinoamérica es la de Guadalajara que tampoco es la capital de México. El reto está lanzado. Depende de nosotros, de todos los interesados en el libro, la literatura, la cultura, alcanzarlo.

El paisaje de los desposeídos

2009-11-03T22:02:00.000-08:00

La noche antes de declararse al nuevo acreedor de los 10 millones de coronas (casi un millón de euros) que el Premio Nóbel de literatura entrega, las casas de apuestas en Estocolmo registraron un sospechoso e inesperado viro. Herta Müller paso del puesto cincuenta al quinto. Las primeras voces se acallaban, una sorda confusión debió rondar algunos pasillos.

Fue su poética y franca descripción del paisaje de los desposeídos lo que supuestamente pesó en la decisión final de la Academia Sueca. Adivino que esta centenaria institución, heredera de la fortuna más fulminante del mundo, nuevamente hizo entrever sus preludios políticos en esta última decisión, porque Herta Müller es una poeta, novelista y ensayista de ascendencia alemana, que vivió en la Rumania azolada por la tiranía del dictador Ceaucescu. Nacida el año 1953 en Nitzkydorf, estudio literatura rumana y alemana en la universidad del oeste de Timisoara. Su literatura, colijo de entre líneas, conversa con la opresión, con el destierro, con el ser martirizado por el comunismo salvaje, con esa fina tela política que durante varios años la Academia viene precisamente a ensalzar.

Y nuevamente se han tejido telarañas en el vértice del premio. La prensa se ha encargado de lanzar como esquirlas las primeras críticas. ¿Porqué dejar atrás a Mario Vargas Llosa, Amoz Oz, Carlos Fuentes, Milan Kundera, Philip Roth, Don Delillo y elegir a esta mujer de aun poca trascendencia en la literatura mundial? ¿Es que acaso la Academia pretende cimentar esta magra tradición de dejar al lado del camino a escritores que en verdad debieron obtener el Nóbel? Allí reposan en el pasaje de los desposeidos el cholo Vallejo, que de muy poco le sirvió ser humano, Julio Cortazar perdido en su propia rayuela, derramado en el camino Jack Kerouac, pendiente de las nínfulas Vladimir Navokov, y fue con usura que no se eligió a Ezra Pound, ni a Franz Kafka, ni a Marcel Proust que sigue levitando en busca del tiempo perdido.

En cambio Herta Müller, desconocida para la gran mayoría, traducidos apenas cuatro de sus títulos al español, se ha quedado muda; ha dicho que no hablará hasta el 10 de diciembre en que se le entregue el preciado galardón. Y en ese momento, cuando ella despliegue algún viejo discurso donde exponga sus viejos recuerdos alemanes de Rumania, cuando lance sin prerrogativa su ética literaria en contra del comunismo, la dictadura y la opresión, entonces nuevamente el silencio rondara el pasillo de algunos condenados. Puedo empezar a creer que no les importa, que el premio es sólo un premio y que no es síntoma de nada, que, sin problemas y hasta con regusto, se sumarán a la larga lista de desposeídos por la Academia y que creerán que esa lista es mas gentil que la oficial. Pero sé con malévola persistencia que sí les importa, que sí lo desean para sus abultados folios, que el dinero, aunque ya lo tengan, mueve el cuerpo y que el reconocimiento, aunque les sobre, alborota el espíritu.

Pese a todo, la parafernalia crítica puede ser injusta. Así lo entienden, por ejemplo, algunos lectores peruanos de Herta Müller. Columnistas y fieles amigas que han levantado la voz en defensa de aquella ignota mujer que arribó al Perú para un encuentro internacional de escritoras hace diez años. Su participación, como el de todas, radicó en torno a viejas discusiones del segundo sexo, el feminismo abierto recién arribado al Perú cucufato y conservador. Fueron 43 invitadas de todas las nacionalidades, y entre tantas paso desapercibida, ella, que, diez años despues de Günter Grass, se llevaría nuevamente el premio Nóbel para Alemania, lugar donde se exilió en 1987 con su marido, el también escritor Richard Wagner, luego de la agobiante persecución de Ceaucescu.

No se pretende decir que es una mala escritora, ni que sus novelas no tienen calidad literaria, eso sería brutalmente injusto. Se cuestiona la verdadera trascendencia mundial del escritor, a la academia por postergar a escritores que desde hace tiempo merecen el galardón, se cuestiona las últimas elecciones, como la de Le Clezio, Doris Lessing, o, como en otras ramas, el premio Nóbel de la paz concedido a Barak Obama, que por la paz no ha movido un miserable dedo y que al contrario sigue erigiendo nuevos paisajes para más desposeídos.

Seguramente dentro de poco los escaparates de librerías se llenarán de libros de Herta Müller y recién al fin podremos tener la certeza de si la elección fue justa o no. Por mientras nos quedará eterna la espina que nos solidariza con otros escritores mucho más cercanos a nosotros. Y si las cosas siguen así, Zavalita ya no preguntará por quien jodio al Perú, sino por quién jodió a su padre, Mario Vargas llosa.

Mayda Colón: Dosis de poesía portorriqueña

2009-10-27T08:09:00.000-07:00

A nuestra ciudad llego la poeta portorriqueña Mayda Colón ( San Juan, Puerto Rico, 1975 ). La trajo la amistad, la poesía, las ganas de escapar del trabajo, el deseo irreprimible de que el celular no suene, pequeñas grandes cosas que nos transforman en engranajes de este aburrido sistema. También —esto sólo lo supongo— vino para acabar con algunos días, desperdiciarlos en un país ultramarino recitando de esa peculiar forma su poesía.

¿Cómo estuvo el recital que diste y qué tal la recepción de la gente?
Muy bien, entiendo que muy bien, y la apertura que tuvo la gente, aun cuando me hacían comentarios de que quizá no estaban acostumbrados al tipo de poesía que realizo, fue positiva.

Una poesía que es performática, por cierto...
De cierta forma. En Puerto Rico, se me asocia con ser una poeta performera, pero yo creo que mas bien lo performero lleva un poco más allá la palabra, en el sentido de que es una dramatización. Yo pienso diferente, creo que uno puede transmitir lo que escribe mientras lee, y que cuando lees, no necesariamente las enunciaciones de voz tienen algo que ver con lo que crees que estas diciendo.

Pero siempre hay un plus, una doble relación cuando hay ese tipo de lectura...
Claro, porque el poema te es cercano, entiendes. A ti, que lo escribiste, probablemente en la voz le puedas dar otra dimensión que la persona no tienen sobre el papel que es frió.

Sin duda. Aquí no puedo imprimir las variaciones de su voz, el swin con que responde las preguntas, la sonrisa que se abre como un abrigo para la sesión de fotos, sus ojos azules explorando con avidez todo lo que encuentra, su cuerpo delgado, la cabellera rojiza. “La mucha belleza me hace siempre perverso” escribe Watanabe. Vienen de lejos más poetas peruanos y parece que pregunto.

¿Cual ha sido tu relación con la poesía peruana, que has leído?
En realidad no mucha, conosco a (Cesar) Vallejo. Se estudia en la universidad y en las escuelas de Puerto Rico como un poeta esencial y entiendo que lo es. Reniego de que los vínculos no existan, no hay un mercado que permita hacer accesible los libros de unos y otros.

Y claro, si la pregunta hubiera sido dirigida hacia mi y acerca de la poesía portorriqueña, hubiera tenido que quedarme en vergonzoso silencio, quizá reírme y renegar con más ahínco por la falta de vínculos literarios entre dos países hispanos. Pero por suerte están los amigos. A ella llegó un ejemplar de 5 metros de poemas de Carlos Oquendo de Amat y…

…yo quedé volada de la cabeza. Luego busqué la biografía de Oquendo hecha por Rodolfo Milla y me doy cuenta que este hombre es contemporáneo de Vallejo. Porqué un poeta que es contemporáneo no sale del Perú y se da a conocer siendo bastante vanguardista. Versos que vuelan, versos que dan vueltas, que pueden subir como elevadores y tu dices ¡wow! Osea, si no hubiera leído esta literatura, yo me hubiera perdido a este gran poeta.

Hubieras perdido un libro-objeto como el que tú tienes
No hubiera existido.

Dosis, único libro publicado de Mayda Colón, vio la luz el año pasado y, según entiendo, es el primero en su género en Puerto Rico. Se trata de un pomo de pastillas que en su interior trae un rollo con poemas de muy buena factura.

Háblanos acerca de Dosis y la propuesta enfrascada en ella.
Empecé a escribir esos poemas hace tiempo. Poco a poco les di forma, colocándole lo que me sugería el mismo libro. Los ordené y descubrí que no quería los poemas planos de siempre y así empecé a hilarlos. Luego una compañera poeta me sugirió que jugara con el formato, y bueno, poco a poco, jugando llegamos al pote de pastillas.

Tesis, antítesis y síntesis de Oswaldo Reynoso

2009-10-20T20:45:00.000-07:00

Tenía que ser esta la ocasión para hacer la mejor entrevista a Oswaldo Reynoso, pero Oswaldo no tuvo o no quiso tener el tiempo para contestar cuatro preguntas. En cambio llamó a un par de amigos y nos llevó a tomar unas cervezas. Ahora sé que ninguna entrevista hubiera podido sacarle lo que en esa noche dijo.

El taxi parte de la FIL 2009 y se dirige hacia los brazos siempre abiertos de San Francisco. Oswaldo huele a terno antiguo, a terno gris sobre camisa blanca, huele a mañana, a tarde y a noche. Se divierte contando alguna anécdota mientras avanzamos por Av La Marina. Su cabello es de blanca y cremosa leche. Estamos en Alvarez Thomas y recuerdo en un segundo todos mis deberes: preguntarle a Oswaldo que tan difícil es seguir siendo un escritor ideológico y político en una sociedad sin política e ideología coherente.

Tesis
Oswaldo es coherente política e ideológicamente y lo refleja en sus textos. En él todavía actúa la dialéctica hegeliana, aquella madre parturienta del marxismo, de la trasformación revolucionaria. Revolución no como la de Pekín y la plaza Tian`anmen, sino como la llevada a cabo en Los eunucos inmortales, a través de la escritura. No con violencia, sino con ideas. En eso si Oswaldo es camisa roja, no camisa amarilla.
Es coherente hasta para tomar una bebida. Dice. A mi me gusta tomar en un vaso porque tengo un ritmo. Su voz no es vieja, pero carga con bastantes años. Toma un sorbo y continua. A veces en el Queirolo yo voy a las nueve de la noche y me retiro a las seis de la mañana y saco promociones de borrachos. La sonrisa es unánime. Explica el proceso del alcohol y cómo sabe controlarlo y en ese momento algún cara de ángel, más hombre que nunca, se dibuja en el rostro de Oswaldo.

Antitesis
Pero su rotunda y solapada presencia en la fil 2009 a estado marcada por una resistencia. A él no lo visitaron miles de lectores; cuando entramos al bar nadie le levanto una mirada, ni le brindo una sonrisa. Oswaldo a estado en una feria del libro con escritores frívolos (lo dije en una nota pasada). Ha sido el único invitado por la organización que no ha marchado en el bando de los llamados mediáticos. Pero la convivencia es cierta y es inevitable hablar sobre ellos. Por eso dice de Jaime baily que solo una de sus novelas es buena (Los últimos días de la prensa) y que los demás son tópicos. Tópicos mal llevados que desembocan en el falseamiento, porque Oswaldo considera que el amor homosexual representado por bayli no es cierto. Nos dice pónganle un nombre de mujer a uno de los personajes y verán que funciona. el amor homosexual es distinto. Pero muy a pesar de todo Oswaldo se da muy bien cuenta que esto (lo de bayli) es mercado, y que no se da a la gente lo que ella quiere, sino lo que uno mismo crea.

Síntesis
Y luego de varias horas de conversación, luego de seguir hablando de algunos escritores y personas relacionadas con el quehacer literario, de decir que alguno e ellos son una mierda, luego de dictarnos esa eterna cátedra aprendida con los años, de recomendar la única lectura valida, la de las grandes novelas, Balzac, Dostoievski, Sthendal, Proust, entonces mi pregunta imaginaria parece tener respuesta. Oswaldo es un escritor completamente comprometido, mantiene el interés constante por la literatura, entendida ésta como un acto de social. La dialéctica de su literatura persiste, ejerce resistencia proporcional al desinterés mostrado por otros. Simplemente dice, no los leo y cambia de tema.

Oswaldo ya se siente cansado, ha conversado y respondido a las preguntas inquisitorias de uno de sus discípulos. Se para y se despide de todos. No quiere que lo acompañen, algo estará tramando, algo en su última aventura privada en Arequipa.

Profana Trinidad

2009-10-15T18:58:00.000-07:00

La sotana no hace al monje y los mass media no tendrían porque convertir en impíos a estos tres escritores que presentarán sus libros en la FIL 2009. Las editoriales seguramente agotaran cajas de libros el día de la presentación y la gente pugnará por tener la firma del autor de turno en su ejemplar. Porque el libro, para algunos, es sólo un vestigio que servirá para acreditar que se tuvo contacto real con una estrella. Nosotros no creemos ni nos interesa las estrellas, nos interesa su capacidad.

Cambio de palabras
Aunque no se trata de un libro recientemente editado, la segunda edición de Cambio de palabras (Tierra Nueva Editores, 2008) de Cesar Hildebrandt podría ser considerado el libro con mayor expectativa a presentarse en la FIL 2009.

Veinticinco entrevistas a los personajes más importantes de la política y la intelectualidad de su época —un panteón de próceres, diría el mismo Hildebrandt— más un apéndice catedrático, docto, puntual, son suficientes para hundirnos la negra tipografía en los ojos y saber que se trata de un libro de culto para el periodismo nacional

Las entrevistas reunidas no son recipientes vacíos, indiferentes morteros de la nada, no caen en lo bajo, no muestran la puya sin sentido, no arrojan el verbo cual secreción infecunda. Congregan, en altisonantes preguntas, las inquietudes de una generación de intelectuales ávida de respuestas; quizá la última intelligentsia naciente que pueda recordar el Perú. Allí resuenan las voces de Pablo Macera, Aníbal Quijano, Julio Cotler, Manuel Scorza, entre otros.

No son ejercicios de un joven e irreverente periodista. Lo que se tiene entre las manos, lo que se confunde con el cuerpo y el pensamiento es el preludio político, ideológico y social de lo que hoy estamos viviendo. Por eso, a pesar de los veintisiete años transcurridos, este libro tiene vigencia.
Y tiene belleza, porque no sólo levanta el polvo, sino que lo observa y lo aquilata en entrevistas con Julio Cortazar, el triste de Juan Gonzalo Rose, el lento y visco de Jorge Luis Borges.

Por favor, no me beses
Sin duda, muy aparte del escándalo, de su sonrisa malidiciente, de su tono provocador, de su facha desvariada, Beto Ortiz es un cronista que merece la atenta mirada del lector. Por favor, no me beses (Planeta , 2009) libro último de este conspicuo conductor, es un despliegue de mano libre sobre el teclado, un vientito agradable que sube entre las piernas.

Las crónicas reunidas nos narran lo divertido y peligroso que puede ser el oficio de meterse en la vida de la gente, de escudriñar entre sus ropas sucias, meterse en sus abismos, ahondarse en sus cuevas y, como en un desenlace borgiano, encontrar la salida en uno mismo, porque este libro es la salida/entrada a la cueva del hijo, del amante, del escritor y excelente cronista Beto Ortiz. Umbral a su lugar oscuro, a la calle donde no quisiera volver porque lo espera esa turba dispuesta a quemarle el quiosco. Son sus miedos esperando una madriguera de luz junto a un flete en el parque Kennedy.

Es él, naciente humano, también tierno, también enamorado, también gay —porque todo es gay— que nos mira al rostro y sabe que la amistad, aún con el lector, es una pasajera alianza entre traidores. Porque al final de la lectura se dirá, sí, es gay; y sabe que le tememos, que nos alejamos de la belleza de su escritura, porque parece que los peruanos hemos decido olvidar que por más horribles que sean las cosas siempre existe esa frase bella con que describirlas, como este cronistas que te pide por favor que no lo beses.

El cojo y el loco
Resulta que cuando se empieza a leer esta novela, uno no cree que sea el mismo Bayly de antes. Me explico. En esta por fin se encuentra algo que definitivamente la gente no querrá ni podrá vincular con la biografía de su autor. No habrá más escándalo si es que tal personaje ficticio representa a alguien real y/o conocido, o si tal situación ocurrió efectivamente en un lugar y tiempo determinado. Bayly al fin experimenta con una historia que abunda en ramplonería, vulgaridad e inverosimilitud. El intento del autor de El cojo y el loco (Alfaguara , 2009) por un lado linda con el pantagruélico trabajo de Rabaleis —carnavalesco, brutal, trastocador del orden—, claro, pero sin la sutil sapiencia y erudición del autor de los cinco libros que conforman Gargantua y Pantagruel; y por el otro, con el Marqués de Sade —exquisitamente hiriente cuando de cosas contranatura se trata—, pero Bayly no cuenta con la finura erótica dispuesta en la depravada escritura del Marqués.

Es un gran mosaico de la alta sociedad limeña. Sus vicios, sus debilidades, sus prejuicios en brochadas estridentes y grotescas, sin punto de encuentro, y que bien podrá causar la ternura y la algarabía de niños terribles y maleducados como el propio Bayly.

Trabajador de la escritura

2009-10-04T09:22:00.000-07:00

Confieso que con Javier Arévalo uno podría quedarse toda la tarde arrimando botellitas de amable bebida alcohólica sobre la mesa; conversando sobre casi todos los temas sin siquiera rozar el aburrimiento. Pero también confieso que en esta entrevista solo dos o tres son las preguntas que interesan, lo demás es cháchara, divagaciones que se pierden en la trascripción.

Cuando venia hacia acá me preguntaba con quién conversar, con Javier Arévalo promotor de lectura o con Javier Arévalo escritor. ¿Para ti con quién es mas cómodo hablar?
No tengo la menor idea, porque todas esas esquizofrenias me las he cargado siempre. Yo soy fotógrafo, editor, antes fui profesor, soy ahora un empresario, un gestor cultural. Hay temas que me llevan para diferentes lugares, pero siempre pienso que básicamente soy un escritor; solo he querido escribir.
Entonces vamos a tomar tu elección y hablaremos con el escritor. ¿Cuándo y cual fue tu primer libro?
Bueno, mi primer libro nunca se publicó, se llamaba La Ironía. Lo escribí cuando tenía 15 años. Era una novela sobre un mercado que era desalojado, creo que era medio realismo social (risas). Pero el primer libro que publiqué se llamó Una trampa para el comandante, que fueron cuentos. Yo trabajaba en la revista Sí de Cesar Hildebrandt, que me despidió porque era un periodista bruto. Nunca he querido ser periodista, lo he sido, pero nunca quise serlo y me despidieron. Me fui a mi casa. Estaba terminando mi libro, y lo presente a los últimos resoplidos del CONCITEC. Uno de esos días llegó esos papeles donde te informaban que te habían dado la donación. Me dieron un huevo de plata para publicar 1000 ejemplares. Yo publiqué como 3000, se los di a una distribuidora y al siguiente mes fui a recoger mi cheque. Fue la primera vez que me sentí un escritor profesional.
Uno se hace profesional cuando entra en este mundillo de la distribución, del marketeo o ¿cuándo se hace profesional?
Hay dos momentos. El escritor es escritor cuando está escribiendo. Ese es el único momento en que uno es un escritor de verdad para si mismo, en el momento de la cocina, de la escritura, de la emoción. Lo que se publica es el residuo de esa experiencia. Lo que leen las personas después, cuando está publicado, es un fenómeno de mercado. La literatura vuelve a nacer cuando hay un lector que recrea lo que tú has escrito, que recrea tus pobres palabras y que incluso cree que esa cosa es maravillosa
Pero me refería a la profesionalización ¿Crees en la profesionalización del escritor?
Te decía que hay el otro espacio, en el que los escritores se convierten en personas que empiezan a vivir, que empiezan a tener trabajo por esa profesion. Entonces cuando yo decidí escribir, imaginé, como un niño que imagina que va a vivir de ser dentista, que iba a vivir de escribir y vender mis libros. De tal forma cuando me llegó mi primer cheque de ventas de libros sentí que una de mis aspiraciones se había producido.
Además esto tiene que ver algo muy concreto. Yo soy hijo de un obrero y de un ama de casa y mi visión del mundo era trabajar; y escribir era trabajar, vender los libros era parte de mi trabajo, de lo que me correspondía. Nunca tuve otra visión de las cosas. Yo aprendí lo que es la literatura hablando con literatos. Esa cosa no me la enseñaron ni en el colegio ni nadie, para mi ser escritor era ser un trabajador que hace libros.

Feria de frivolidades

2009-09-27T08:28:00.000-07:00

Las estadísticas son duras pero ciertas. En el Perú la gente prefiere acercarse a la bodega para comprar una caja de cerveza, que visitar una librería y comprar por lo menos un libro en todo un año.

Nadie sabe cómo ni cuándo paso. Lo cierto es que en Arequipa la relación del lector con el libro, como en las relaciones extramaritales, se vino abajo. Allá lejos quedó la imagen de una ciudad letrada. Fueron desapareciendo los espacios de culto, las librerías, los cafés de bohemia, incluso, los mismos escritores. La librería Trilce, de José Ruiz Rosas, ahora parece sólo un ensueño, un habitáculo mítico e irreal que sólo se concretiza en la desaforada nostalgia de algunos poetas ya casi muertos. El Aquelarre es sólo una sombra, un punto cardinal olvidado, una vena con escasez de leucocitos. Y hoy que la ciudad se ha desbordado encontramos que para casi un millón de habitantes sólo existe una biblioteca pública, cuatro o cinco librerías y un pequeño puñado de editoriales. El crecimiento de la cadena del libro no ha sido proporcional al crecimiento de Arequipa y eso conlleva lo que todos ya sabemos y nos hemos cansado de escuchar: cero lectura, cero capacidad de comprensión. La cadena actualmente tiene caminos extraños. Ya no se rige por la misma lógica. De tal forma aparecieron débiles como animales invertebrados las primeras industrias piratas. Folletines, manuales, libros de autores no precisamente estupendos fueron ganando espacio en las calles. Hoy, su industria, es casi un Leviatán de siete cabezas que, muy a pesar de algunos, es la encargada, en muchos niveles sociales, de sustentar el ralo consumo del libro a nivel nacional. Quién no tiene un ejemplar de Tolkien, J.K Rowling, el último hit de Pablo Coehlo o, para los más exquisitos, algún grueso calibre de José Saramago o Mario Vargas Llosa. Pero aún así, con piratería y libros de segundo uso, nuestra situación no parece del todo favorable. La mala educación impartida en nuestras escuelas y sus nocivas consecuencias, de las cuales todos parecemos afectados de guerra, es un pan seco el cual tenemos que tragar cada día. Y cada día parece que quedamos más flacos, como menos humanos, porque, eso sí, la lectura es ante todo un acto de vitalidad humana.

Vitalidad del libro
Cuando el sol quema es necesario ponerse bajo la sombra y cuando la situación del libro tiene índices tan preocupantes es imprescindible hacer un esfuerzo y tomar acciones concretas. De esa manera lo entienden los organizadores de la primera Feria Internacional del Libro de Arequipa. De lo que se trata, nos dice Freddy Tito, es de incentivar los hábitos lectores, introducir en el imaginario del ciudadano joven arequipeño el libro, en tanto objeto de intercambio cultural y comercial. Engranar la cadena y acortar las distancias simbólicas entre autor, editor, distribuidor, crítico y lector. En suma, dar vitalidad al libro. Una vitalidad que ya se siente, que en los últimos años a introducido libros de animación de lectura por cientos de miles en nuestro país. Que se entienda, me dice Javier Arévalo, impulsador del plan lector nacional, que el libro es un vacilón, que divierte, que apasiona, que entretiene.

Y eso último parece ser un objetivo mas bien sesgado de la FIL 2009. Acercar al público de forma divertida al escritor, hacerlo real y concreto, no un ser de culto que se encuentra en algún lugar de su torre de marfil. Que el joven pueda verlo, pueda tocarlo, pueda entretenerse leyendo sus libros. El éxito en ese álgido y discutido punto parece asegurado. Cómo no lograrlo si en la lista están escritores considerados de entretenimiento y/o mediáticos, por ejemplo, César Hildebrandt, Jaime Bayli, Beto Ortiz, Aldo Miyashiro o Renato Cisneros. Ellos, como todos los demás invitados, son ante todo escritores, algunos mejores que otros, pero sin duda importantes para lograr que el común y campestre arequipeño se acerque al libro. Parece frívolo decirlo, pero una feria es precisamente eso, me remarca Javier Arévalo, es mercado y contenido, frivolidad e intelectualidad.

Homenaje a la frivolidad
Volverá Oswaldo Reynoso, una ves más, esta ves un poco más viejo, un poco más nostálgico, pero esta vez será el centro de atención. No pasará con sus libros desapercibido, no se quedará tomando una cerveza con un grupo de inocentes muchachos, sino que asumirá su responsabilidad, estará en la mesa siendo homenajeado y no se tratará, por ser de una feria que dicen frívola, de un homenaje frívolo, sino de un homenaje justo y necesario. Con la venia de Mario Vargas Llosa, Oswaldo Reynoso es el narrador arequipeño más importante y prolijo de nuestra literatura nacional y si eso es frívolo, entonces homenajeemos a la frivolidad.

Circo Blog

2009-09-15T07:25:00.001-07:00

Host, web, weblog, link, post, template, blogroll, feeds, twit y usted, usuario, señor blogger, naviero de la bloggosfera, alimentador de la Web 2.0, de los Wikis, de las redes sociales en Facebook, este parece ser el día o, mejor, el blogday.

Debido a la coyuntura parece que todos estos términos pronto encontraran diccionario en papel y entonces, para los apocalípticos, el inicio del fin se habrá consumado. Una vez más miles de códigos eludirán la barrera de la virtualidad y caerán en la nuestra, más dura, más sucia, más real.

El Blog

Los primeros blogs se registran desde la lejana década del 90 y en nuestro siglo se cuentan por millones. Dentro de sus presupuestos —y supuestos— parecen actualizar todo lo que la revolución francesa, dos siglos atrás, propugnaba; es decir, libertad, igualdad y fraternidad. A decir verdad, hay de todo y para todos, para chicos y grandes, dulces y agrios, a la moda y huachafos, sobrios y sordidos pero ante todo, según ellos, libres de expresión. Tim O’relly, uno de los primeros bloggers en el mundo, menciona que los weblogs simbolizan la evolución hacia una “nueva sociedad más transparente y abierta” y pueda que sea verdadero, pero hay que anotar también que simbolizan el alud más grande de información en la era humana y que ésta no es precisamente la mejor. Una mancha siempre correrá por su velo y es que la libertad se hace libertinaje y la igualdad ilusión.

Volviendo al ejercicio de la comparación, tampoco fue de la mejor la información que regó un tal Jean-Paul Marat en la Francia del Terror. A él lo asesino una bella joven aristócrata precisamente por ser causante de la primera masacre democrática de la historia moderna. Caer en su panfleto L'Ami du peuple era motivo suficiente para que a uno le cayera la guillotina. Y ese peligro también se actualiza ahora, es decir, la ligereza en la información. Claro que no habrá bella joven que los asesine, sino, en el extremo de los casos, sólo un anónimo usuario o administrador que los censure.

Las comparaciones usadas resultan odiosas y hasta quizás jalada de los cabellos, pero es que hay cierta perversa glotonería en creer que los blogs son parte de una revolución cultural y social lo bastante fuerte como para marcar un cambio fundamental en la vida humana. Es un cambio, sí, pero no pasa por cualitativo, sino sólo por lo cuantitativo. Se trata — y permítaseme apelar a una última comparación— de millones de voces atiborradas en un mega circo romano, voces que pretenden validar sus discursos hablándole y convenciéndole de cosas extrañas al de al lado; ruidos, gritos y llantos que se enfrentan a la lamentable situación de que nunca serán escuchados por todos los demás. Mientras tanto, el gladiador combatirá en la arena y el Cesar en el palco seguirá disfrutando de la baraúnda y ignorancia de su pueblo.

Circo Blog Arequipa

Pero dejando los virtuales peligros y creencias de lado, siempre se puede perder una mañana entera entrando en ellos, comentando los post o en todo caso posteando algo en el propio blog. O mejor aún, conocerlos, saber quienes están detrás de esas plantillas bien llevadas y de toda esa información que a diario nos bombardea. Así, bajo esa premisa y necesidad, esta última semana se realizó la primera reunión de blogueros en Arequipa. Se trató de una nutrida masonería donde abundó el buen trato, las sonrisas y los ofrecimientos. Allí estuvo Sieteesquinas, el espacio de información cultural más visitado en nuestra ciudad, Ladominatriz, regio portal de moda urbana, Cámara de gas, ese tipo de blogs que tienen un poco de todo pero que se parece a todos, el infaltable blog del Grupo Editorial Dragostea, que gracias a sus miles de visitas y rajes es el más entretenido que hay. También estuvieron Escalera al sótano, Lady Lariens, El Observador, etc, etc, etc, todos dispuestos a compartir un poco de lo que se vive y cree frente a un computador.
Pero a pesar de todo —la tardanza, la escasez de bebidas— las cosas al final terminaron bien. Este tipo de reuniones, como la realizada por los bloggers arequipeños, borran esa torpe forma de socializar. Las buenas conversaciones se dan frente a una persona que nos mira, nos siente, nos huele y tiene al lado una taza de café o un vaso lleno de cerveza, y llegada la noche, frente a su escritorio, se sienta para escribir la experiencia de esa verdadera red social para luego publicarla en su blog.

Desde hace mucho preparo un libro de poesía que aún no existe, no existe, no existirá.

2009-09-08T20:04:00.000-07:00

Se trata de reanudar el camino Se trata de algún camino Se trata de retomar la hoja Se trata de ponerse en la oscuridad frente a la vida Se trata de abrir la clavija Se trata de arrojarse por la ventana Se trata de quedarse quieto Se trata de engañar a la mañana Se trata de recordar otra vez el viejo camino Se trata de encontrar el mismo árbol Se trata de descansar Pero es mejor caminar cinco kilómetros sobre la tierra Se trata de sentir la tierra Se trata de que la tierra nos queme Se trata de cerrar los ojos Se trata de soñar Se trata de soñar el mar Se trata de llegar al mar Se trata de tirarse sobre la arena Se trata de imaginar el día en que alguien como una ola nos deje el cuerpo frío y salado tirado sobre la arena Se trata de que esa ola sea única Se trata de que en su cresta se logre distinguir una sonrisa premeditada Se trata de que nos revuelque Se trata de ti Se trata del mar Se trata de quitarse las algas Se trata de subirse a las peñas Se trata de extraer un molusco Se trata de no dejar el suyo Se trata de comerlo Se trata de eso De reanudar el camino Se trata de reabrir la vida Se trata de salir por la ventana Se trata de no olvidar las cosas Se trata de siempre llevarlas Se trata de escribirlas Se trata de acompasarlas Se trata Se trata Se trata Se trata pero no se puede Se trata de ti

El suelo de Arequipa convertido en… ¿averno?

2009-09-02T18:14:00.000-07:00

Es larga la tradición literaria en la cual el suelo de Arequipa se presenta como un espacio propicio para su leonina identidad. La ciudad, o lo que era ella, acogía a sus poetas y simbólicamente los enlazaba con el Misti y, dígame usted quién no se siente alagado de emparentarse con alguien que mide 5 825 m.s.n.m. Entre dientes la ultima poesía arequipeña parece decir Yo.

Entrañable Arequipa
“Arequipa, soleada lejanía del alma, aldea de la ternura”. Así la encuentra Guillermo Mercado, así la escribe en su libro “Ausencia de Arequipa”. Y como este hay infinidad de poetas que le cantan a la verde campiña, al azul cielo, a la blanca ciudad. Los colores llenan el campo semántico de belleza y nostalgia y sin duda la Arequipa que vivió Guillermo Mercado y que compartió con poetas mayores como Percy Gibson, Cesar Atahualpa Rodríguez, entre otros, era bella y nostálgica, era una mediana urbe que podría entenderse como aldea o pueblo pero no como ciudad. La fuerza de la vanguardia, del cosmopolitismo de esa época removió el anquilosamiento formal de poetas pasados, pero no pudo con el sentimiento hacia Arequipa como espacio entrañable y vital —Quizá la única excepción sea, como no, Alberto Hidalgo—. Casi todos los demás encuentran un espacio perfecto y entrañable al cual contemplar. La identidad crece y se mantiene fuerte, firme como su arquitectura andaluza. Y es que la identidad sin epicentro, sin espacio, no es real.

Decenas de años después el poeta Alberto Vega nos da el síntoma que a pesar que Arequipa se encontraba en crecimiento, que en el mundo sucedieron dramáticos cambios, la condición de pueblo o aldea aún no se había alejado del imaginario popular. “Por el alto cielo de mi pueblo las aves vuelan hacia el norte,/ y yo derribando con las alas rotas/ días eternos me paso contemplando el cielo”. Es cierto que algunos apuntan que la suya se trataba de una generación más universal pero, como anota Jorge Cornejo Polar, no hay “una renuncia a la condición arequipeña muy clara en el pensar, en el sentir y en el actuar de estos escritores aunque no figure explícitamente en sus textos”.

Ya en el ochenta, abrumada Arequipa por la primeras migraciones, el trato poético generacional con este nuevo espacio —por momentos caótico, por momentos extraño— no cambia. Arequipa sigue tal cual en el imaginario popular. Pareciera que apenas un poco más de gente se había sumado a la ciudad que ya se encontraba en los cientos de miles de habitantes. No es necesario encontrar un poema de Oswaldo Chanove, José Gabriel Valdivia o Luzgardo Medina que lo verifique. La producción total de esa generación es la mejor prueba. Se constata que ninguna de las poéticas mira ese nuevo fenómeno llamado “migración”, que nadie nota el cambio. Incluso, aun peor, que los inmigrantes tampoco crearon un discurso para reconocer este nuevo espacio. Sus preocupaciones son nimias con respecto a ella. Lolo Palza es uno de ellos, nacido en Puno y formado en Arequipa, su poesía no construye un discurso acerca de la identidad a partir de la concepción de su nuevo espacio vital. No destruye Arequipa —como sí hacen los inmigrantes en Lima—, la conserva en el silencio de sus preocupaciones poéticas.

El Averno
Casi un millón de habitantes, miles de combis, cientos de ambulantes, un clima desgarrado, decenas de delincuentes. Esto en comparación a lo que nos describen los poetas pasados es el Averno.

Y en el averno ha crecido la ultima generación de poetas. Los malestares por supuesto no son evidentes en todos, pero podemos mencionar ahora a Fischer Heredia, Oscar Saldívar y José Córdova. Este último escribe: “Y así,/ en medio de esta jungla de cemento/ hollo este camino de alquitrán/ y fósil voy trashumando/ incapacitado…” La ciudad es una jungla, ya no el espacio idílico para la contemplación. La posmodernidad lo sucede todo en planos paranoicos y la incapacidad del sujeto es una condición del interactuar con el espacio en que se ha convertido Arequipa. Otro ejemplo nos lo da el poemario Tzolkin de Fischer Heredia. Leemos: “Vacuidad esquina/combis/calles/postes/ […] camino yendo/la ciudad mental Kioscos/afiches/bancos/ De nuevo el puente y rojo Nada” Cada elemento urbano abruma, corroe la estructura poema como también la identidad, para luego de ese transito terminar precisamente en Nada.

Como vemos Arequipa ya no es la misma, de su suelo convertido en cielo por Ventura Travada y Córdova ya queda poco y sus poetas empiezan ya ha notarlo. Pero seguramente serán ellos mismos los que de alguna manera crearán la forma de seguir cantando a las verdes urbanizaciones, a su cielo ultravioleta, a su blanca, siempre blanca y desbordada ciudad.

Íntimo Villalba

2009-08-17T08:57:00.000-07:00

A David Villalba le brota un trazo y un color por la mirada. El mundo no parece ser tan íntimo y sencillos como sus cuadros. A este artículo, por ejemplo, le falta una barca apostada en su margen y al paisaje deshojado de Arequipa un poco de lejanía y altura.

Temeroso debió ser el rostro de David cuando su padre descubrió que estudiaba dos carreras costosísimas para el humilde bolsillo de la familia, cuando tajante le dijo que decidiera entre Publicidad o Artes Plásticas (carrera de fumones, homosexuales, hippies, borrachos y drogadictos, le dijo). David sonríe con nostalgia al recordar esas palabras. Alguna satisfacción ahora debe recorrer su cuerpo, algún agradecimiento profundo hacia sus padres que de alguna u otra manera costearon esa perversa vocación suya. Terminó sus estudios el año 91 en la Escuela de Artes “Carlos Baca Flor” y luego de largos viajes ahora se encuentra temporalmente asentado en un departamento de calle Consuelo. Digo temporalmente, porque quién sabe que ciudad aún lo espera para llenar sus salas de exposición con su creatividad y pintura y colmar sus calles con su peruana y silenciosa alegría.
Nos recibe en su taller y me dirige emocionado hacia al ambiente donde guarda envueltos en papel crepé la mayoría de trabajos que conserva. Luego de alguna explicación descubre la esquina de un cuadro muy grande. Me anticipa que es de lo último que estuvo haciendo. La sola parte del gran cuadro me deja un tanto pequeño, como reducido sin previo aviso ante su arte. De esa torpe manera voy cobrando conciencia del lugar donde me encuentro. Este taller es la matriz de uno de los mejores artistas arequipeños de la época.
Pero David no siempre fue tan innovador como lo es ahora. Como buen seminarista de la pintura se inició en la más consolidada de las tradiciones pictóricas de Arequipa. Hizo acuarela convencional, con el mero afán de buscar mercado, como él mismo me lo confiesa. El artista no vive del aire y los comienzos siempre son difíciles. Los paisajes costumbristas, las fachadas de iglesia barroca pintada al detalle junto con otros motivos formaron parte de ese comienzo. La buena mano sin duda es algo que siempre prevalece.
Gracias a esa mano se fue a Colombia para pintar acuarela. Tras su regreso decidé que sus trabajos deben ser enviados a cuanto concurso se le presente; no tanto por los premios, sino por la exigencia a su propia creación. Luego vino lo fundamental. Tras arribar de su segundo viaje a Colombia: la duda, la inquietud por nuevas técnicas y conceptos, la experimentación vanguardista o la comodidad formal de la tradición. “Había ya visto a Botero y Caballero” me dice. Fueron viniendo los premios y con ello la interacción con otros artistas nacionales. Visualmente nutrido, tras esos años, David decide darle seriedad a su carrera como artista.
Y los dividendos de esa seriedad ahora son propicios. Ese gran cuadro que me hubo mostrado fue parte de su exposición del 2005 en el CCPN. La gente, me cuenta, quedo asombrada, nunca creyeron que él —acuarelista convencional— presentara tal tipo de trabajo. En los cuadros aparece, entre la letanía de sus nombres, la imagen de sus padres. Pincel tímido y respetuoso sobre sus cuerpos. El minimalismo con el que están ejecutados concentran en un solo punto la fuerza de lo intimo, de lo familiar. “Para mi fue la primera exposición que me hizo sentir feliz, porque mi madre aun estaba viva y la exposición estaba dedicada a ella” musita con ternura. La exposición se fue a Lima, Cusco, Trujillo, Washington. Esta intimidad volcada sobre estos cuadros le ha traído el, hasta ahora, mejor de sus triunfos. David es el ganador del primer concurso nacional de pintura del Banco Central del Perú. El premio lo ha obtenido precisamente con un cuadro titulado “Retrato de familia” y presumo que se trata de cuadros emparentados con esos últimos. Digo presumo, porque ni el mismo David tiene una imagen. “…no tuve tiempo siquiera para tomarle una foto” dice.
Así, sencillo y reilón este arequipeño se ha hecho a punta de pincel y perseverancia un nombre en la pintura nacional. Su inquietud lo sigue llevando por el único camino que asegura un fin respetable. El camino de la belleza y la sencillez No cabe sino agradecer la intimidad de sus cuadros, la intimidad puesta en la conversión, la intimidad de este David Villalba.

Gamaliel Churata: El insurgente silencio

2009-08-02T07:49:00.000-07:00

Hay una correspondencia extraña que se repite en ciertos sucesos subjetivamente trascendentales. Nudos o tensiones equidistantes adosadas sobre planos verticales que observamos con cierta desconfianza. Coincidencias atadas por algún numen primitivo, proteico y delirante o, en el entendimiento de Pascal y la repetición metafórica de Jorge Luís Borges, por una esfera “cuyo centro está en todas partes y la circunferencia en ninguna”

De tal forma se configura la obra de Gamaliel Churata, llena de esas extrañas coincidencias que pueden provocar raras o previsibles actitudes y que ahora, para la extravagancia, resumo en dos; ambas distintas pero complementariamente necesarias dentro de la realización de un mito subterráneo en la literatura nacional. Por un lado, el amplio espacio del desconocimiento y la desidia alimentado desde un foso de desgracia, y por el otro, angosto y reducido, la teodicea hacia un escritor que es el principio y fin de la estética más antisistema y vanguardista de nuestro país.

El Pez de Oro, cuyo autor nació en nuestra ciudad un 19 de junio de 1897, texto que fue quemado en su primera versión por una célula fascista en Puno el año 1927 cuando al país le brotaba purulentos los designios del Castellanísimo Augusto B. Leguía y Salcedo, encontró el año 1957 al fin el papel y tipografía que redimieran a su tallador como excelente narrador, poeta, ensayista, pensador, político y militante. Treinta años después —y vaya usted sacando su cuenta— la municipalidad de la ciudad de Puno, ciudad cede de la más alta vanguardia sur-andina, reedito el texto en una edición que ahora es inhallable.

Ese velo que se cierne sobre esta obra —30 años entre nudo y nudo—, su actual condición de inhallable, el silencio típico de la crítica centralista, no la dejo de atribuir persistentemente a esa esfera espantosa de la cual habla Pascal y Borges. Y es que algo sobrehumano y sin lógica llueve y humedece la obra de Churata, algo que excede en forma los parámetros de lo permisible occidental. Entiendo, con Agustín de Hipona, que lo divino no se encentra fuera, sino en el propio ser que lo contiene. Y El Pez de Oro, es descabelladamente divino, es el gran mito del todo absoluto que está en las raíces antropológicas de la cultura. Es en sí mismo un absoluto porque su tallador la genera a partir de su mundo andino vegetativo. Utiliza lo que encuentra a su alrededor y pronto lo hace instrumento. Lo que sigue es la mitologización del instrumento, del texto, es decir, en palabras del propio Churata, “del fruto artificial, y ello aunque absurdo y paradojal aparentemente, es posible, en sus consecuencias, el de mitologización es un proceso de diferenciación y de síntesis, por tanto de utilidad, y [el texto] es aquel episodio sensorial en que el hombre ha materializado sus entelequias. Por este camino el hombre se encamina a la formación del hombre”.

A partir de esta posición ética, estética, ideológica y política es que Churata se va haciendo terriblemente lejano. Es más, pierde su individualidad. Muy temprano deja de llamarse Arturo Peralta Miranda (nombre asentado por sus padres y que lo emparientan con Alejandro Peralta, otro de los hitos de la vanguardia puneña y con quien forma el grupo Orkopata ) para tomar el nombre con el cual místicamente hoy le conocemos. El destierro es físico y pronto coloca su pensamiento bajo Bolivia. Del Perú lo aleja la dictadura de Sánchez Cerro, el militarismo civilista de Oscar Benavides. Lo aleja, me animo a decir, la segregación cultural, el desprecio por el indio y todo lo que lo conforma. Ya en Bolivia su labor se hace más beligerante a través del periodismo. A su vuelta los planos son distintos y entonces su obra se cubre de silencio. ¿Quién podría comprender el absoluto de El Pez de oro? Apenas algunas aproximaciones se ven en la escena, pero como indígena, aborigen y salvaje es su propuesta, Churata asusta y nadie se le acerca.

Hay una correspondencia extraña entre la obra de Gamaliel Churata y el silencio, una correspondencia que se proyecta en planos infinitos hacia la razón de quien han entrado en el vértigo de su escritura, de su pensamiento y política. Porque ante el absoluto no nos queda otra cosa que el insurgente silencio.

Ennemie de la déclamation

2009-07-27T08:45:00.000-07:00

En un recital de poesía no todos los espacios de la sala se llenan. Siempre habrá algún lugar guardado para ese espectador único al cual nosotros esperamos; quizá una madre, una enamorada o simplemente un amigo al cual le dedicamos pequeñas estas palabras.

Hay que estar realmente desesperado para asistir a un recital de poesía. Sentarse entre ese cúmulo de gente y escuchar la voz ajustada de poetas seguramente desconocidos, atenderles con estoicismo a sus cantos, escarnios, plegarias y traumas. Asistir a un recital de poesía en nuestro tiempo y en nuestra ciudad, es un acto desesperado, pero también, para la mayoría, un acto retrogrado e inútil.
Fue Homero, ficcionador del asedio a Troya y el martirio a Ulises, el primer inútil registrado por la historia de la literatura. Llegaba de pueblo en pueblo recitando sus obras y quizá recibiendo una moneda o una copa de vino por ello. En su tiempo se les llamaba Rapsodas, pero si estuviera en el nuestro su gracia no sería tanta y la gente, sin lugar a dudas, rebautizaría al mito con el apelativo de vagabundo y limosnero.
Muchos siglos después estuvieron los poetas malditos. "Ennemie de l'enseignement, la déclamation, la fausse sensibilité, la description objective" No leían pero sin duda en su formación disidente asistían a los recitales de le crème française, con el único afán de molestar a quienes se devaneaban en el público con sus poemas. Se cuenta que alguna vez Arthur Rimbaud miccionó en una de esas alcurniadas sesiones y que en otra hirió con el bastón-espada de Verlaine a Cajat, quien reclamaba silencio para su compañero poeta que en esos momentos declamaba. Entonces, además de todo lo anterior anotado, en un recital de poesía encontramos indecentes y problemáticos.
Luego al norte estuvieron los Beats con mucho alcohol, sexo y drogas sobre el escenario y demasiada sinceridad puesta en la hoja. Y en el Perú, los Hora Zero, generación mucha más bohemia y mucho más oculta que la norteamericana, pero ambas llenas de desborde poético.
Y todos ellos estuvieron desesperados. De otra forma no se puede entender esta actitud en los hombres. Plantarse ante un público corrosivo o, del otro lado, sentarse frente al poeta, es estar desesperado. Cree la gente que este es ejercicio retrogrado porque no se ha aprendido nada, e inútil porque nunca se aprenderá nada. El asunto es que la retrogracidad y la inutilidad de ello permite abrir puertas fundamentales hacia la comprensión del otro, y por tanto la comprensión de uno mismo. Es volver al principio, a las bases, a la comunicación primigenia. No se trata de cualquier mensaje, el suyo es un mensaje ritual, religioso, casi chamánico que viene cargado de algo que a ambos lados del ambiente pesa. Entonces no es inútil y retrogrado, sino vital y vigente.

Confesión de parte
Pero claro, no siempre habrá esto. Alguna vez toparemos con los aburridas y sanguinolentas lecturas de poetas casi muertos. Absurdas reuniones en las cuales ni una monja de clausura aguanta despierta más de veinte minutos. Recitales obligatorios como los organizados en la escuela y levante usted la mano repite el profesor a su alumno. Firmes, descanso, atención y da comienzo el recital por el día de la bandera. Qué clase de recitales son esos, bajo el sol molesto de la mañana, parados todos, aún con sueño, siendo amenazados con la mirada por los auxiliares. Con razón la mayoría los consideran inútiles y retrógrados; y la comprensión del otro, la comunicación base queda totalmente de lado. Todo lo contrario, terminamos callados y con ganas de arrancarle la lengua al profesor, al auxiliar, al otro.
Pero los hay verdaderos, grandes como el del poeta Antonio Cisneros o humildes y entrañables como los del Colectivo Demetrio Caicho. Uno tenía que soplarse algún mal poema, pero siempre había dos que te causaban total ternura. Y entonces todo estaba saldado. La ternura es invaluable.
Y aunque nunca la gente ha ido, salvo los de siempre, aunque ellos no varíen su opinión respeto a ellos, a quienes participan, a quienes leen, no importa, porque en verdad, que rico es comportarse como un retrogrado, inútil, vagabundo, indecente, problemático, alcohólico y al final seguir siendo tierno, siempre tierno.

CRóNICA: Paso inmortal

2009-07-21T19:25:00.000-07:00

Loor y gloria a la I. Luego de como un cuarto de hora de viaje distingo en la mano izquierda de un colegial una cinta blanca que en letras negras repite: Loor y gloria a la I. El colegial, de no más de 15 años, envuelto en ese característico uniforme caqui, parece que perdiera su pensamiento en la estela celeste de la combi que nos rebasa. Observándolo de reojo me pregunto cuánto loor y gloria quedará en ese muchacho delgado, de mirada perdida y cabellos tercamente repasados por la peineta, cuanta revolución del 50 almacenará su memoria y cuantos años de los ciento ochenta y dos pesarán en su conciencia. Pueda que suene a irreverencia, pero parece que poca.
La COTASPA nos deja en la Av. Independencia. Dejo guiarme por los pasos del pequeño alfeñique hasta la puerta lateral de ingreso. Los terrenos del Colegio Nacional de la Independencia Americana son interminables. Podría uno quedar totalmente exhausto si pretendiera recorrerlo todo bajo este sol agudo de Arequipa. A la entrada varios adolescentes se arremolinan junto a una carreta de golosinas. Ríen. Quizás lo hacen porque el que va delante mío está obligado ha asistir en el día del colegio con uniforme o, quizás, sin darse cuenta, como un acto perverso del inconciente, ríen de si mismos, de sus ropas extrañas y peinados puntiagudos. Esa idea solidaria me esboza una sonrisa.
Más allá un grupo grande de ternos oscuros se acomodan para la foto. De entre el tumulto reconozco a un ex presidente regional, a un burócrata de la Municipalidad de Arequipa y a un señor que vive por el barrio. No me causan ninguna importancia y sigo mi camino.
La ceremonia por los ciento ochenta y dos años de fundación bolivariana ya ha dado comienzo. La banda del colegio entona gallardas marchas militares. Mi cavidad toráxica se estremece a cada golpe de tarola y por algún resquicio castrense ahora camino marcando el paso, levantando un poco más el pecho e imaginándome en el desierto con fusil en mano. Luego de un rato de divagaciones encuentro un buen lugar desde donde observar todo la parafernalia independentistas. Siguen llegando los exalumnos. Cristinas, corbatas, sacos, uniformes completos conservados en naftalina han sido sacados para este día. Al frente mío entrañables viejos esperan su momento. El programa anuncia relevo de escoltas y seguramente más de uno querrá ya pisar fuerte el concreto del patio, sacarle polvo, repetir en su memoria como una letanía el un-dos, un-dos, un-dos del instructor militar.
Pero no todos lo anhelan. Algunos alumnos quisieran pisar la calle e irse corriendo. En estos momentos la frase de Juan Manuel Polar “Quien ingresa a este plantel nunca sale de él” parece un profético castigo. Las filas de alumnos ligeramente se rompen, murmuran, ríen, se golpean mientras el cura eleva el Cuerpo de Cristo. Luego de la eucaristía se anuncia la lectura del acta de fundación del colegio y ahora se lamentan. Pobre de “los Bolívar, De la fuente y Corbacho, los Rivero, Martínez y el Deán” todos esos ilustres hombres, toda esa inmensa tradición disipada en la desidia de estos cuantos alumnos.
Pero la gloria no puede ser tirada al tacho por ellos ni tampoco sustentada únicamente en los otros. Aquí, frente al estrado, al desfilar la promoción que cumple Bodas de Plata, está David Villalba, flaco, moreno, con el cabello largo que desencaja con sus demás compañeros. Kiwincho, como me lo han presentado, es amable y reilón. Nos lleva al lugar donde hizo sus primeros trazos. El edificio republicano trae sin duda nostalgias de una adolescencia perdida. Me confiesa que fue el profesor de matemática quien de forma fortuita lo inicio en las artes, y, sin duda, ahora tendrá que recordarlo cuando reciba el reconocimiento de un nuevo premio nacional de pintura.
Aquí en el patio me doy cuenta que estoy entre viejas y actuales glorias de Arequipa y que no conozco a nadie. Me he acercado a El “Pibe” Reynoso, eterno primer trompeta de la banda que sigue retumbando en mi pecho. Vieja trompeta que lleva al costado, que parece ya parte de su propio cuerpo, que está un poco encorvado pero que lleva con hidalguía su antiguo uniforme. La cristina le da altivez a ese rostro de ojos verdes que en su centro, como una explosión galáctica irradia matices amarillos. Están acuosos y no sé distinguir si por la nostalgia o por esas cosas que siempre humedecen los ojos de los viejos. Recuerda que junto a Benjamín Bejarano organizaron por primera vez estos festejos en el actual colegio. Hubo antorchas, baile y hubo todo lo necesario para festejar ese primer 15 de julio en que se dejaba los locales de la Academia Lauretana.
Mas allá esta Manuel Castro Basurto, ex director de la sinfónica de Arequipa y actual presidente de la promoción de Bodas de Diamante. Él también me cuenta una anécdota y siendo sinceros uno podría quedarse días, semanas y meses enteros escuchando las historias de cada uno de ellos, recordando la revolución del 50, a Romulo Gonzales quien reventó los explosivos que dieron inicio a toda la revuelta, al que salio a la calle y nunca imaginó encontrarse con la muerte.
Pero no hay tiempo. Todos salen apresurados hacia a la Av. Independencia para realizar el desfile. Una nueva banda sinfónica atemporal se forma. Allí están señores de barriga prominente tocando nuevamente la tarola, otros haciendo un esfuerzo por dejar el último aliento en las trompetas. Esta imagen me deja satisfecho y pienso sólo por un pequeño momento que quizás yo debí estudiar en este colegio. Esa idea me esboza una sonrisa.
La gente se emplaza a los costados de la Av independencia desde la altura de la parte baja del Coliseo Arequipa. En ese trayecto, hasta el colegio, acompaño el paso de El “Pibe” Reynoso. Lo veo y siento orgullo. Este viejo al frente y mando de la banda, recibiendo furtivas las palmas de las muchachas; sonriendo, agachando un poco la mirada y sonriendo. Que bien se siente ver reír con tal complicidad a un viejo. Y de pronto todo está como en celuloide. Blanco y negro. Clave alta. Vuelvo la mirada hacia él y creo verlo otra vez adolescente, levantando la pierna con decisión mientras desfila, haciendo tronar su trompeta y viendo de reojo a las chicas que hace mucho le siguen provocando esa sonrisa y ese paso inmortal.

A cien años de Onetti

2009-06-25T14:54:00.000-07:00

La ensoñación. Quién no se ha permitido escapar del mundo por pequeños y agudos momentos tras una imagen nueva, el rostro de alguien que nos mira con total ternura o el perfecto recuerdo de sucesos que nunca ha sucedido. Quién no ha descendido de esta realidad en busca de un cuerpo amurallado donde construir cada una de nuestras fantasías. La realidad no es un lugar agradable y por tanto reconvertirla —para bien o para mal— se convierte en una tarea, aunque utópica, necesaria para sobrellevarla. Tenemos que ensoñarla una y otra vez y sólo así aceptar colocarse al borde de su orilla. He allí alguna de las infinitas posibilidades del arte (el arte no es inútil), cualquier tipo de arte, el callejero o el de salón, el de ahora o el de hace un siglo.

Y hace un siglo que nació Juan Carlos Onetti —periodista, escritor y escapista uruguayo— para legarnos una basta y bella colección de novelas, cuentos y artículos que no son otra cosa que pura y justa apología de la imaginación desmedida. Y aunque su apariencia de hombre pausado indicaran que se trataba más bien de un escritor replegado tras su caligrafía, su vida fue un tanto más azarosa de lo que aparentaba. Narra Mario Vargas Llosa en el libro El viaje a la ficción. El mundo de Juan Carlos Onetti (Alfaguara, 2008) que el uruguayo tenía una fama bien ganada de “escritor maldito”, que mil historia eran tejidas entorno a él, todas relacionadas con bares, cafés, prostíbulos y demás antros donde Onetti, alto y desgarbado, podía ocultar su tímida y sosegada figura. No le demandaba ningún problema mentir—la mentira es condición apreciada por escritores—, y, sin duda fue, de sus cualidades, la que más resaltaba. En una de esas malísimas entrevistas que realizaba Joaquín Soler Serrano para Televisión Española, cuenta que desde chico le gustaba inventar historias, salía a la calle y regresaba con aventuras que nadie le creía.

Esa actitud es la primera de todas las actitudes que se verán reflejadas en sus novelas.
A Juan Carlos Onetti le es repulsiva la realidad y por ello inventa personajes que no se aferran a ella, mas bien la desprecian “Las gentes del patio me resultaron más repugnantes que nunca” dice Eladio Linacero, personaje de El pozo(1939), que precisamente se devanea en imágenes que no puede apresar, sino que se suceden en un devenir tácito y angustiante. Recuerda lo sucedido en la cabaña de troncos con Ana María y pronto empieza a reanimarlo todo en juegos oníricos que perpetúan la escena. De tal forma, la reminiscencia, el ensueño, la imaginación lo van alejando de todos, de Cecilia, Lázaro, Cordes y de la propia Ana María, quedándose al fin, pronta la mañana, cansado y solitario. Como todos los personajes posteriores del escritor Eladio Linacero es un hombre de su época, opacado por la urbe y su caótico desarrollo. Un poeta en angustia. En esa medida las novelas de Onetti se adelantan a la “nueva novela latinoamericana”. Acoge espacios y personajes antes no escogidos y los describe de una manera tal que será el derrotero de escritores posteriores.

Esa desazón que cae como lluvia ácida provocada por la urbe, origina otro de los grandes aciertos y anticipaciones del uruguayo, la creación de Santa María. Ésta, que antecede a Macondo, Comala y otras, demuestra el don de escapista de Onetti. Porque antes que escritor es escapista, como Ehrich Weiss, nombre 'terrenal' del mito de la magia Harry Huodini, que aprisionado por cadenas y cerrojos, sumergido en grandes calabozos de agua, lograba escapar y salir vivo del peligro. De tal forma Juan Carlos Onetti, encadenado por esta realidad y sumergido en una sociedad inmunda y de posguerra, escapa y crea esta ciudad imaginaria, sede de todas sus demás novelas a partir de La vida breve(1950).

He allí una más de las infinitas posibilidades de la literatura (la literatura no es inútil), el escapismo a tres niveles distintos: El del personaje literario, el del escritor real y por ultimo la de nosotros, lectores últimos.

Hace quince años que murió Juan Carlos Onetti recostado como un ser mitológico sobre una costa de sábanas, con la inquietante niebla de su cigarrillo recorriendo las oquedades de una clínica madrileña, recostado al fondo, solitario, murmurando ciertas palabras que se dilatan como estelas de meteorito. Onetti, observando todas las cosas como si fuera la primera vez que las observara. Onetti, extrañado, imaginando nuevas cosas para Santa Maria. Onetti, hablando pausado y mintiendo sobre sus cien años de vida

La vida intensa de Carlos Corzo

2009-06-15T19:36:00.000-07:00

Formado en leyes, diestro empresario, hiperactivo actor, Carlos Corzo Holguín incursionó relativamente hace poco en las tablas y con empeño e intensidad ha logrado quedarse en la retina y el recuerdo de sus espectadores.

El hombre es un animal que utiliza mascaras. C.C. Jung cree que estas sirven para esconder y/o proteger la intimidad, pero para Carlos Corzo, cuando se encuentra sobre las tablas de un teatro, es distinto: es quitarse una mascara y quedarse con otra tan suya como la anterior, es una forma de quedar expuesto, de demostrar algo de lo que en realidad se es. Levanta la ceja derecha y me repite que no se finge el personaje, sino sólo se le encuentra, porque dentro de cada uno existe la experiencia y el conocimiento para ser todos. Y ya luego sólo es vivir. Vivir con intensidad. Actuar como viviendo, como lo hace este novísimo y talentoso actor arequipeño, que ahora utiliza la sala de su casa, llena de pequeños y variados objetos, para demostrarnos lo que él mismo es, un hombre lleno de peculiaridades que, sin duda, lo hacen grande.

La primera grabadora falla. Alguna parte de la entrevista —la primera— queda sospechosamente en el olvido y creo, ahora, que es mejor así. Ciertas cosas deben permanecer en el silencio. Que cómo se animo a los tantos años subirse a un teatro, pues no interesa; lo que en verdad interesa es que lo hace de tal manera que uno podría creer que su primera actuación la hizo frente al partero cuando le dio sus primeras palmadas.

—Un día me pidieron estar triste—, nos comenta—me dijeron: acuérdate del momento más triste que tuviste. Yo dije no. No es cuestión de haber sentido, sino de conocer la tristeza para poder expresarla. Tienes que conocer la violencia, el amor, la amistad que es diferente que sentirlo. Conozco lo que es la violencia, y si lo quiero hacer, lo hago.

Y lo hace. Se levanta del sillón que rechina al movimiento y pide que uno de nosotros lo acompañe en su breve demostración. Ensaya un golpe débil, enfermo, flacuchento. Luego de unos segundos su rostro se congestiona de sangre; la acción siguiente es bastante brusca y podría decirse que en verdad pensaba dar el golpe. Y lo hace.

—¡Te reviento!— dice entre dientes con voz aguardientosa. Reímos.

Mientras explica y nuestras preguntas complementan su performance, me animo a interrumpir.

—El conocimiento parte de la experiencia.

—Cuidao!— exclama con más animo que el mío— ¿Qué experiencia? Mira. El leer un libro te da experiencia, te da conocimiento. Porque si sabes leer, lo vives y entonces es parte tuya. Eso es lo importante

Y aquí la sentencia, la máxima de vida, producto quizá de sus años que no son muchos pero que se llevan con orgullo y honestidad bajo la mirada. Nuevamente levanta la ceja derecha y dice con parsimoniosa entonación:

—Lo importante en la vida es la intensidad con que la vives— hemos quedado un segundo en silencio, pero ha bastado para darnos cuenta que no hay mejor frase en el día que esa. Y entonces el cansancio se deshace.

De nada vale seguir con este tema, porque de alguna forma lo ha cerrado de manera perfecta, como se cierran las grandes novelas. Para salir del paso Jhonatan pregunta.

—¿Has tenido antecedentes de actuación en tu vida?

—Bueno, claro, como abogado— una descarga de risa acomete, pero de inmediato aclara— no. No, nada. Y como en el colegio tenía malas notas nunca me hacían actuar los curas.

La conversación se hace más intensa. Ya no se trata de fotógrafo, entrevistador y entrevistado, se trata de individuos hablando un poco de todo, con soltura. Cada nueva acción de Carlos Corzo siempre confluye en un conato de algarabía. Sus gestos son múltiples, su rostro es como plastilina que toma formas disímiles. Se para, se encoje, se sienta. La voz es gruesa, abigarrada, débil cuando así lo quiere. Para alguien con mucho recato podría hasta parecer un loco y lo estoy dudando, quizá lo es. Por breves momentos es el Michi, su ultimo personaje desempeñado en Un tranvía llamado deseo. Salta y grita

—¡Sargento Yauca!— y otra vez reímos y otra y otra.

El espacio en esta página se hace corto y sin duda queda mucho fuera de esta trascripción. Queda la satisfacción de haber conocido a un hombre que con sus sesenta y dos años tiene la vida en un crisol de intensidad y, además, la tarea de estar presente en su próxima actuación.

(Jhonatan Segura y Arthur Zeballos)

La nostalgia de un nuevo libro

2009-06-04T15:52:00.000-07:00

Lolo Palza(Puno, 1964) ha decidido publicar un nuevo libro en nuestra ciudad. La edición estará a cargo de Cascahuesos Editores y no es poca la inquietud que causa entre quienes lo hemos leído.
Después de la publicación de Naufragio de Noé, hace ya siete años ¿Cuál es el impulso que te lleva a este nuevo poemario?.
Bueno, el impulso ya desapareció, porque este libro estaba esperando publicarse hace dos años. Ahora se está convirtiendo en un lastre porque no estoy haciendo nada nuevo, que es lo que me paso con el anterior libro. Entonces, mientras no me deshaga de algunas cosas, no puedo avanzar.
Cuéntanos algo sobre “El espanto y la ternura” tu nuevo libro, cuál es el tema, por ejemplo.
En realidad no tiene un tema específico, pero si pudiera decir algo, pues me considero un enfermo de la nostalgia. Hay la vocación de ser infeliz siempre y sentir nostalgia, no sé, por los amigos, por la mujer, nostalgia de mi hija.
Pero el título de este nuevo libro no es nostálgico
Claro, soy muy malo para colocar títulos, es uno de los problemas que tengo con mi esposa. Ella me dice que como poeta coloque títulos a sus cuadros y a mi me salen cosas o risibles o cursis. Hay que ser bueno para eso y para los títulos de libros también. Ahora, hay que ponerlos porque tiene que tener titulo. Si el libro pudiera no tenerlo, me iría mejor. Es decir, si la tapa estuviera en blanco, pues no sería una mala idea. Porque en realidad lo que yo hago es escribir poemas, y esos poemitas solos podrían defenderse.
J.E. Eielson tiene un libro donde precisamente deja en sin título al libro, pero que en su caso tiene que ver con un concepto, lo tuyo es por la imposibilidad de resumir tu libro
Claro, porque tendría que tener mayor capacidad de la que tengo para poder meterme en mi propio libro, y resumir el libro en una o cuatro palabras, no puedo.
Entiendo que si no puedes introducirte en tu libro, es porque ha sido producto de un trabajo dilatado y el resumen se hace arduo.
Claro. Mira, yo escribo poco, y si escribo mucho, termino resumiéndolo en poco. Si tu lees un poema de 12 versos es para mi un poema muy largo, si ves uno de 20 o 25 ya es un poema de los que me dejan exhausto, por así decirlo, puede ser malísimo, pero igual me deja exhausto, no puedo con grandes cosas.
Desde tu perspectiva,¿El libro es una continuación de Naufragio de Noé o es un trabajo diferente?
Yo particularmente creo que uno escribe solamente un libro, o si se quiere un solo poema. Lo demás viene a ser una reiteración de lo mismo. En Naufragio de Noé ya estaba contento con 3 o 4 poemas que me parecían buenos, claro, al margen de las modestias, y con los cuales podría morir tranquilo. En este caso hay algunas cosas que podrían ser una continuación de “Naufragio...”, el mismo poemario replanteado.
Mencionas que no puedes avanzar ¿tu trabajo escritural consiste en publicar para luego escribir?
Puede ser una forma de explicarme, de explicar la sequía, pero no necesariamente.
Y en cuanto al trabajo con la palabra.
Supongo que con el tiempo algunas cosas van siendo más naturales, se supone que caminar un poco más te hace mejor; pero nunca me he puesto a analizar eso. Escribir poesía es un acto de comunicación en el cual tú eres tu primer lector y estas en otro plano, y entonces eres un poco más exigente con tus lecturas, obviamente más con lo tuyo, entonces puede ser que haya menos desperdicio como lo hay de repente en Naufragio de Noé.
Lo cual implica que además de ser el primer lector de uno mismo, se es el primer crítico
Efectivamente, por eso depende mucho de las lecturas, de la formación para que puedas ser tu propio juez. El nivel que tengas para juzgar tu propia poesía es importante para lograr lago más elaborado
Para terminar ¿Cuánto más esperaremos por “El espanto y la ternura”
La decisión es no gastar uno mismo en publicarse. La idea es que el dinero salga de alguna institución. Estamos esperando junto con mi editor ver como movemos eso, para que los gastos no sean propios y el libro salga a un precio que sea accesible.

EFRAÍN MIRANDA: Mito y oscuridad de la choza del indio

2009-05-28T08:09:00.000-07:00

Hundida su delirante existencia en una antigua casa de Yanahuara, Efraín Miranda Luján (Puno 1925) poeta, amauta, indio solitario como un matojo de ichu, posiblemente sigue meditando desde su orgullosa condición en los primeros años vividos en Azángaro y Sicuani, la juvenil estancia en Arequipa y el largo y solitario camino hasta la poesía.

La choza del indio
Antes de que se publicara Choza (1978) —segundo libro del poeta puneño y con el cual se descubre entre el amasijo de palabras, imágenes y metáforas ciertamente a un indio— Efraín Miranda pertenecía ya al viejo canon de la poesía peruana. A él lo introdujo Muerte Cercana (1954) poemario de notables rizos rilkeanos, lecho de papel para una poesía transparente, llena de vitalidad y ritmos únicos que develan a un joven de sensibilidad precoz y extraordinaria. Lo introduce humildemente el alto y descarnado Sebastián Salazar Bondy quien le brinda todo su apoyo y escribe el prólogo para este primer libro. Es parte del canon porque su lira es reconocible dentro del espectro de la más rica generación de poetas del Perú: la generaron del 50. Con Muerte Cercana el canto sencillo se trasmuta en vida. Es romántico en el sentido más amplio y su duda ante la muerte comparable a la de Walt Whitman, es puro como Westphalen, Eielson o cualquier vate de esa célebre generación. Lo demuestran sus versos libres de todo artilugio “y ante la vista de los hombres te llevo,/ a ti , que por falta de creencia no has nacido/ pero yo te interno en la existencia” de tal forma, a esa rara existencia se interna él mismo, se hunde, se sumerge y dice “Enfermo en la tierra,/ deseo vivir en el agua”. No es una queja, es la ceremonia de un estado, de una condición a la cual se ingresa y difícilmente se escapa, la condición metafísica e inútil de la poesía.

Hasta la publicación del siguiente libro hay un lapso de 24 años de los cuales gran parte los vive autoexiliado en un pueblo de la sierra puneña llamado Jacha-Huinchoca. La experiencia como maestro de escuela en esta comunidad marcará este segundo título que como dice Ernesto More, “…es indio”. Se trata pues de un texto que no apela a la tradición indigenista, es decir, a esa heterogeneidad manifiesta en el uso de una voz que no le pertenece a quien la enuncia. Casos hay como los de Ciro Alegría o Enrique López Albújar que no perteneciendo de ninguna manera al universo andino su literatura utiliza ese espacio cultural con total normalidad y hasta con destreza. El caso de Efraín Miranda es distinto, pues en él hay un claro registro de la plena conjunción y matrimonio de la cosmovisión andina con y en el poeta. More lo dice con todas sus letras “No es producto de la simpatía o amor al indio; es la respiración misma del indio. ¡Y que respiración!” Los poemas son notables, telúricos y escarpados como el propio ande, nacen de una necesidad básica, que es representar eso que ve y siente el poeta a diario, que nace de la tierra y repta por su cuerpo hasta llegar al alma. Se trata de un cronista que no habla desde fuera, como los cronistas hispanos, sino desde el epicentro mismo de la cultura. “Entre cerro y pampa está mi choza—,/ para millones de años./ Mi pueblo la ha proyectado,/ mi pueblo la ha edificado,/ mi pueblo la ha investido/ y mi pueblo le ha dado su nombre”. De esta manera se construye el discurso como un espacio vital que esta vez no estará entroncado con ningún canon. La ciudad y su nociva existencia han quedado lejos, sepulta tras cada poema que es un canto a la identidad y sensibilidad indígena del poeta. Allí está el refugio, la choza del indio.

Del mito y la oscuridad
Cada cuánto aparece en las letras nacionales un poeta de esta estirpe, cada cuánto un poema tiene un autentico olor a tierra húmeda y a trabajo aymara, cada cuánto se construye una choza a la cual parece que nadie visita. Esta última ha sido la actitud de la crítica. La limeña ha creado anticuerpos para todo aquel que hable sobre el indio más que como una peculiar roca puesta como adorno en la naturaleza, se ha negado a reconocer el impulso de una cultura, porque la suya, la letrada, la amurallada, tiene mucho más valor intrínseco que cualquier otra. A esa crítica le apesta el olor de la coca masticada, le es sucio el poncho y el chullo con que se protege el indio del frío. Por otro lado la crítica local es débil, casi paralítica, ausente la mayoría de veces y copiona de la capital las otras. Intentos ha habido de revalorar al personaje, intentos como el hecho por Gonzalo Espino, José Gabriel Valdivia, Mauro Mamani, entre otros, quienes organizaron el año pasado un congreso para discutir la importancia de Efraín Miranda en la poesía peruana del siglo XX, pero no basta, no bastarán las antologías y los estudios si es que el poeta no está en la lectura y en la memoria de nosotros.
Efraín Miranda, mítico por su posición y su arte vive aún en la oscuridad de su pequeño cuarto que alberga los folios de nuevos libros. Su voz aguda retumba en el oscuro espacio donde repite que él es un indio. Y nosotros le hemos creído porque se siente en cada poema y gesto suyo el palpitar del ande. Suya es la oscuridad y el mito, porque a falta de uno somos los jóvenes los llamados a crearle otro. (AZH)

1941 sonrisas

2009-05-08T07:04:00.000-07:00

Esta noche nos acompaña una luna sonriente. Es martes, pero preferiría que sea viernes y el mes transcurriera bajo Mayo. Hemos acordado con Augusto Carrasco hacer de esto una simple conversación acompañada quizás de algún vaso. Debería en estos momentos aparecer el fotógrafo o alguien más para hacerlo más interesante y ameno. Al fin aparece en nuestro costado un jardín de flores. Decido al fin encender la reportera:

—Una luna sonriente buen Augusto— digo apresurado, cruzando la calle Santa Catalina— ¿Es necesario intervenir el espacio para encontrar una sonrisa?

—De repente no es muy obvio— los pasos son largos y por momentos queda atrás el jardín de flores—. Te das cuenta de la sonrisa porque hay un proyecto y has venido a conversar acerca de las sonrisas. Has visto la luna y la has asociado. Antes del proyecto no te hubieras dado cuenta. Es eso, sólo hacerlo más obvio.

Algo de razón tiene mi alborotado amigo; pero de inmediato me asalta la idea de que hemos perdido algo de la capacidad para impresionarnos y contemplar a nuestro alrededor.

—Estaba leyendo un poco de la sonrisa—cambio de tema de inmediato—, de la fisiología de la sonrisa y dice que en ella intervienen 17 músculos. ¿Cuántos músculos han intervenido en este proyecto?

—Uao! creo que muchos. Contando los de las personas que han dibujado sonrisas y han tomado las fotos, son muchos.

Las preguntas se me alborotan

—¿Aun no has logrado las 1941 sonrisas, no?

—No …— infantil silencio por calle Bolognesi —…pero en eso estamos. (risas). No quiero que sea una meta fría. El objetivo era involucrar a las personas y eso es lo paja. Ellas se involucran y estamos llegando a la meta de un modo pausado. Lo que se logra es que mucha gente se involucre con el proyecto y comience hacer arte en la calle, en su casa, en cualquier sitio. Empiece a mirar el arte de un modo distinto, no el arte de galería, no la poesía como un par de versos que riman, sino como una acción cotidiana.

Luego de un momento de indecisión, sabiendo que nuestro bolsillos no alcanzan para ningún vaso hemos andado hasta encontrar una banca. Se nos ha deslizado Eielson mientras caminábamos “Vivir es una obra maestra” y una niña a intentado vendernos un chocolate. El jardín sigue al costado.

—¿Augusto, la ciudad está triste?— pregunta.

—No es que la ciudad este triste, ni que yo quiera hacer sonreír a la ciudad, simplemente es buscar ciertos momentos, ciertas situaciones que hacen más paja transitar por ella. Imagina: todos los días caminas del paradero a tu casa, y a veces te aburres, es lo mismo, es monótono, pero un día encuentras algo distinto y eso te emociona, de algún modo te cambia toda la experiencia de ese día, puede ser para bien o para mal. En este caso una sonrisa te puede despertar de la monotonía de un día malo y cambiar toda tu perspectiva.

—¿Tanta trascendencia puede tener un solo trazo?

— Sí. sí, yo creo que sí, eso es arte pues, es poesía. Tú puedes leer un solo verso y te cambia la vida. Tu lees: SE PROHIBE ESTAR TRISTE o LO ESENCIAL ES INVISIBLE A LOS OJOS y te cambia la vida.

—Pero nunca dejas de estar triste —intervengo.

—Claro…, pero ahí estuvo un momento en el cual leíste y te sorprendiste. Entonces también cuando ves las sonrisas dices: “Uao, han jodido mi casa” pero al menos ya se cambio la experiencia. Y eso es el arte. Por eso elegir el trabajo en la calle antes que el trabajo en la galería. Osea, si las personas no buscan el arte, no van a las galerías, porque yo creo que no hay una propuesta, entonces el artista tiene que salir a la calle y trata de llamar su atención.

—¿Estas satisfecho con que tus sonrisas sean tan fugaces?—

—La vida es fugaz. En ese día cuántas personas la han visto, aunque sea una pero ya se cambio algo…

Se alquila: Ipacankure

2009-03-19T09:14:00.000-07:00

Cuando Cesar Vega Herrera (Arequipa, 1939) escribió la obra teatral Cesar Vega Herrera seguramente no imaginó que esa acción lo colocaría en un lugar de privilegio en la escena teatral peruana, ni que, además, abriría una brecha para toda una generación de actores y directores que aún hoy siguen su trabajo. Actores y directores que esta semana se reunieron para poner en escena por quinta vez en nuestra ciudad Ipacankure ópera prima del arequipeño con la cual obtuvo una mención honrosa en el Premio Casa de las Américas de Cuba.

La puesta en escena nos narra la vespertina historia de dos hombres (Llamados Uno y Dos) a los cuales los invade una incertidumbre, ¿Qué o quién es Ipacankure? La extraña palabra parece nacer de los sueños de Dos, personaje interpretado con sobriedad por Miguel del Carpio, e interpela al aún adormilado Uno. Este, que no es otro que Elard Meza, de gran actuación, se deshilachará tratando de encontrar para su amigo una respuesta, desatándose diálogos por momentos absurdos, irónicos o dramáticos, pero que en el fondo conllevan a una verdad existencial que no sólo acontece a los personajes depositados en el camastro, sino, que se desliza también al publico espectador: el terrible miedo a la soledad y el silencio. Y es que la interrogante de Ipacankure alcanza su plenitud trágica en las escenas finales de la obra, quizás metaforizando la propia dinámica de la vida, que no es sino un constante buscar de la comunicación, de la amistad, de esos lazos que en verdad nos hacen sentir vivos y que, en su ausencia, provoca zozobra justamente porque todo parece terminado. Antes de bajar telones, el fracaso parece dominar la escena, Dos se ha marchado. Otra vez desde los suburbios del sueño aparece Ipacankure, pero esta vez se devela, esta vez Uno puede verlo y saber que la respuesta buscada para su amigo no estaba lejos de sí mismo.

Con esta excelente muestra teatral Cesar Vega Herrera despliega innovadores mecanismos y técnicas de representación muy bien ejecutados por el joven director David Mendoza, quien apertura de estupenda manera la temporada en el remodelado teatro de El Ateneo.

Sin duda una gran puesta en escena que no debe pasar desapercibida y que muy pronto esperemos vuelva a las tablas. (AZH)

ASÍ SEA

2009-03-12T12:27:00.000-07:00

Para escribir Blanca Varela no se necesita siete consonantes y cinco vocales debidamente organizadas, ni la memoria activa puesta bajo el ojo histórico de quien entre líneas la recuerda. Se necesita la certeza de que Ese puerto existe (1963) mucho más allá de la simple palabra, se necesita la Luz de Día(1971) y luego la oscuridad de un niño en asombro que delinea su figura, se necesita de un Canto Villano(1978) puesto a reposar cada mañana sobre la mesa y por último (talvez el comienzo) se necesita saber que para escribir Blanca Varela (1926-2009) sólo hay que saber ser humano.

ASÍ SEA

El día queda atrás,
apenas consumido y ya inútil.
Comienza la gran luz,
todas las puertas ceden ante un hombre
dormido,
el tiempo es un árbol que no cesa de crecer.

El tiempo,
la gran puerta entreabierta,
el astro que ciega.

No es con los ojos que se ve nacer
esa gota de luz que será,
que fue un día.

Canta abeja, sin prisa,
recorre el laberinto iluminado,
de fiesta.

Respira y canta.
Donde todo se termina abre las alas.
Eres el sol,
el aguijón del alba,
el mar que besa las montañas,
la claridad total,
el sueño.

A Perú ha llegado un autor peruano

2009-03-06T13:51:00.000-08:00

Siu Kam-Wen (Chungshan, 1951) es uno de los nuevos escritores de culto en la literatura nacional. Aunque de origen Chino, su literatura es inevitablemente peruana. Este último jueves presentó en la capital la novela La vida no es una tombola y yo quería viajar exclusivamente para verlo, para confirmar su acento extraño, para comprar la novela y embarcarme en su lectura hasta reafirmar que este hombre de cincuenta y siete años es el escritor de culto del cual tanto se habla.

Personaje lejano como su país de nacimiento, Siu Kam-Wen es perfecto para todo aquel que intenta reavivar viejas pasiones literarias (en ello quizás las razones para dieciséis horas de pretendido viaje). Su estilo sobrio, puntual se ven perfectamente matizados con esta rara vena limeña que a fuerza de convivencia se sotierra como sanguijuela en sus palabras. Allí están los pequeños espacios que la ciudad concede a sus nuevos inmigrantes, sus rinconcitos donde todo colono desenvuelve con delicadeza la nostalgia de la trastierra. Y entonces el artilugio es necesario para recuperar algo de lo perdido o, en actitud antitética, reconocer lo nuevo. Sus cuentos (único material que he podido leer) son muestras claras de esta lucha que se plantea al inmigrado, lucha que en Siu Kam-Wen parece por momentos perdida, pero que en el acto mismo de escribir en el idioma de los Kuei denosta la inquietud por verse incluido(esto es una exageración) en esta masa informe que es el Perú.

Los artilugios pueden leerse en Uei-Kuong, personaje del cuento La Conversación de Uei Kuong, solitario hombre que, no siendo de raíces puras chinas, se considera y es visto por pequeños momentos como uno de ellos. Manuel Lau Manrique, nombre real de Uei-Kuong se encuentra en el medio de todo y de nada, es y no es. Su origen notablemente peruano (Kuei) lo tacha ante una sociedad y cultura distinta a la suya, por tanto, en él debe primar el silencioso esfuerzo para ganarse espacios que no le pertenecen. Así consigue que el Tio Keng le de la confianza necesaria para que trabaje como dependiente en su tienda, consigue que este mismo le de una fuerte suma de dinero para que se independice y consigue que Lou Koc le de la mano de su hija de veintisiete años en matrimonio. Y en el intento esta el cambio y entiendo con este cuento que el cambio no es progresivo, no va necesariamente hacia delante, hacia un mejor estar. Uei-Kuong vende su tienda y decide irse al campo, a recobrar sus raíces chinas. El final de este cuento es esclarecedor, una conversación que termina en incomodo silencio, la escena es incierta, el personaje es incierto, el autor pareciera que también es incierto.

Yo quise viajar a lima para conocer al nuevo escritor de culto de la literatura peruana. Desafortunadas circunstancias lo impidieron, pero me quedo con la tranquilidad que a Perú ha llegado un escritor peruano, aquel que, como Arguedas o Scorza(esto puede ser otra exageración) se aproxima y se pregunta en la lejanía por la condición de ser peruano.

Cambio de palabras: Entrevista a Jorge Luis Borges

2009-02-23T19:57:00.000-08:00

Tierra Nueva Editores en visión apostólica ha no mucho reeditado un libro genial y generacional.

por Maurizio Segovia

Borges anhelante de su olvido, de su muerte. Borges supersticioso y casi ciego. Borges y la valentía. Borges políticamente incorrecto, pero lúcido. Borges y Kipling, Borges poeta.

Siete años antes que en Ginebra muriese Jorge Luis Borges, Cesar Hildebrant logra esta espléndida entrevista (que forma parte de la segunda edición de su libro de entrevistas: Cambio de Palabras, realizadas en su paso por la revista Caretas).
Un tanto, ahora:

…Usted tiene una imagen, digamos pública, de escritor cerebral, casi glacial a veces.

-No soy frío. Desgraciadamente, soy incapaz de pensamientos abstractos. He leído a los filósofos, pero me dejo llevar por la belleza de una frase: “Peregrina paloma imaginaria / que enardeces los últimos amores / alma de luz, de música y de flores / peregrina paloma imaginaria…”. Que no quiere decir absolutamente nada, pero que es muy linda… El otro día encontré esa metáfora, que es tan hermosa: “Si no me hubieran dicho que era el amor, yo habría creído que era una espada desnuda”. ¿No es lindo y terrible? “Si no me hubieran dicho que era el amor, yo habría creído que era una espada desnuda”.

Borges, usted ha cultivado una sorprendente modestia en torno a la estimación de su propia obra…

-Bueno es que yo quiero ser olvidado…

Pero usted sabe que es un gran escritor.

-No creo. Yo no tengo obra. Mi obra es…

Un miscelánea…

-Una miscelánea, una ilusión óptica lograda por la tipografía

Me está tomando el pelo, Borges. Usted no puede pensar eso de su obra.

-Claro que sí. Lo que me parece raro es que la gente sea tan indulgente conmigo. A mí no me gusta tanto lo que yo escribo. Claro que eso le pasa a todo escritor. Se han escrito libros sobre mí y yo no he leído ninguno. Alicia Jurado escribió un libro sobre mí, que me aseguran que es muy bueno, y yo le dije: “Alicia, tú sabes que leo todo lo que escribes pero en este caso no voy a leer tu libro porque se trata de un tema que no me interesa o que, quizá, me interesa demasiado”.

Entrevista

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Que raro que no te haya gustado "El Principito".

2009-02-20T09:15:00.000-08:00

No sé dónde ni cuándo, sólo detuvo su paso, me miró y dijo que no le había gustado. Era la primera persona a la cual le escuchaba ese comentario y me parecía imposible creer que a ella (justo a ella) no le había gustado El Principito, ese pequeño libro que llegó a mi como agua dulce cuando, sin temor, yo habitaba apenas el segundo año de educación primaria. Tendría, calculo yo, entre siete u ocho años metidos en mi mochila de Mazinger Z y si es que esa misma mujer se me hubiera acercado a esa edad para decirme que no le había gustado, mi sorpresa quizás no hubiera sido la misma de ahora, pero por lo menos en la inocencia le hubiera preguntado ¿Ni siquiera te gustaron los dibujos?

Esta semana cogí casualmente el libro y, tal vez por causa de mi temprano Alz-heimer, después de la rápida lectura lo sentí tan fresco y nuevo como si nunca lo hubiera tenido en mis manos. Tras cada palabra leída y dibujo observado terminé por hacerme grandes preguntas para pequeñas situaciones ¿Qué tan difícil es entender que un Ser u objeto no contiene en sí mismo su valor, sino en cuanto uno le determina ciertos fenómenos que nos competen; o en letras de Antoine Saint-Exupéry ¿Qué tan complejo es entender que lo esencial es invisible a los ojos? Y en ese momento aquella persona me pareció ciega a estas cosas que me sentí un poco triste, un poco como perdido en un desierto y sin una gota de agua.

Lo cierto es que soy un estúpido, un aviador perdido no en un desierto, sino en mis propias palabras. Aquel Asteroide B612 era como cualquier otro, y el desierto también era como cualquier otro, y aquella mujer no era muy distinta a cualquier otra; pero, claro, siempre hay algo invisible que hace especial a las cosas. Sólo ahora comprendo que ella era como esa única flor cuidada con diligencia en ese único asteroide, y que si no le gustaba el libro era precisamente eso lo que la hacía especial, porque me había obligado inconcientemente a leerlo y escribir todo esto, es más, para ser justo y corresponder a la verdad debería decir que toda ella era especial y, por tanto, distinta a las demás y que por ese motivo era la única flor en el mundo a la cual no le hubiera colocado un fanal para protegerla del frío, sino una chaqueta y una chalina de diseñador.

Como el principito debo volver a los inicios y entender que no siempre porque a uno le gusta ciertas cosas, por ejemplo, un libro, este tenga que ser bueno para todos sino sólo para uno. Por eso emprendí el viaje de regreso, por eso la llamé al teléfono y le dije que raro que no te haya gustado El Principito.

Los arequipeños están de moda

2009-02-14T14:22:00.000-08:00

Comenzaré con una definición necesaria.
Arequipeño: Animal incierto nacido en el suelo de Arequipa; suelo que en el siglo XVIII fue convertido por un oscuro y barroco clérigo en cielo. (Véase El Suelo de Arequipa Convertido en Cielo de Buenaventura Fernández de Córdoba y Peredo)

Y entonces sobre este cielo reconvertido tres siglos después en asfalto y cemento nació Jorge Eduardo Benavides, breve continuador de las lecciones de Mario Vargas Llosa —ilustre arequipeño que no vivió en Arequipa— y ahora irrevocable sostenedor del Premio de Novela Corta “Julio Ramón Ribeyro”.

De la vida del novelista arequipeño en nuestra ciudad, no se sabe nada, apenas que vio la luz el año 1964, lo demás es incierto, pues las solapas de los libros de Alfaguara —editorial para la cual trabaja— y la propia página del autor no dan mayor detalle de su marcha por esta ciudad. Radicado en España hace más de dos décadas, Benavides parece ser uno de esos personajes creados por la imaginación de un novelista. Emigro al viejo continente de muy joven, trabajó de lavaplatos y constructor, escribía a mano y luego de mucho tiempo alguien le regalo una maquina precisa para un escribidor. Todo esfuerzo para hacerse igual o parecido a ellos, para dejar de ser parte de la imaginación de otro y ser él mismo el imaginador, el escritor. Y aunque se piense que se encuentra muy lejos de nuestra realidad local, de todas maneras sé que algún torpe orgullo nos provoca y que pronto compraremos sus libros en SBS o, en el mejor de los casos, pirateados en la librería del Parque Duhamel.
Ojalá este mismo orgullo, que hasta yo siento, hubiera estado presente cuando en la edición del año 2006 Doris Vega Salvatierra (versátil hasta en su belleza) ganó el mismo premio. Pero ya no interesa, lo cierto es que un arequipeño se suma a los ganadores de los últimos premios de literatura en nuestra escena nacional y eso es suficiente para un par de palmas.

25 d.C

2009-02-09T14:57:00.000-08:00

La literatura en lengua española ha tenido varios hitos, pero pocos han sido los que han trazado su frontera, o mejor dicho, quienes la han reconocido para luego transgredirla. Sin duda, uno de ellos es Julio Cortazar.

Jorge, hemos detenido el tiempo!

2009-02-05T07:25:00.000-08:00

Dije, este es un marica. Tenia las puntas de los cabellos de la nuca teñidos de dorado, como una suerte de divina aureola puesta en santo de iglesia colombina, pero con la ligera diferencia que a él no le prendería velas por sus milagros, sino por lo espectacular de su inteligencia, sencillez y belleza. Recuerdo una tarde de universidad haberme quedado unos segundos prendado de sus labios, los tenía rojos, abultados, como llenos de una sangre distinta a la de los demás. No sé si fue esa misma tarde u otra en que salió corriendo de la clase de teoría literaria. Algo le dijo el rancio profesor de esa cátedra, algo que seguro él recuerda aún hoy con quirúrgica precisión.

Dije por enésima vez, este es un marica, y agregué, y un buen borracho. Andábamos ebrios una noche de noviembre por la plaza de Huamanga, en Ayacucho, conversando sobre cosas sin sentido, discutiendo como llegar hacia nuestro hotel. Habíamos perdido todo sentido de orientación, las calles empedradas eran reptiles moviéndose bajo nuestros pies, todo nos confundía, la luces, las altas casas que se nos encimaban. Y ahora que lo recuerdo, quizás fue en ese momento, en el desconcierto, en la bruma alcohólica de esa noche en que descubrí que él sería la luz y todas las cosas que brillan a lo lejos, en mi interior, que él sería uno de mis mejores amigos.

Hoy no tengo contabilidad de cuantas veces le dije y pensé que era un marica, ni tampoco cuantos adjetivos halagadores le compuse, pero al saber que ha publicado un nuevo libro reviento de alegría y traigo nuevamente cada uno de los momentos a mi mano para escribirlos y decir que en verdad, querido Jorge, hemos detenido el tiempo.

de Los bonitos también cagan

Poema borderline 2

Escucha:
Yo, puedo cernir el cielo y hacer que llueva.
Puedo pincharle los ojos a Dios con mi aguja incandescente.
Revierto el mundo y sin embargo: Tú.
Luego, tu mandíbula: nudo de cordilleras, tu maldita boca.
Soy feliz como un río de sangre, como un brazo suelto persiguiéndote, como tu ropa sucia.
Yo, soy feliz como un grito.

Poema borderline 3

Hoy he cagado muy bien sin ruido y fácilmente.
He cagado pensando en ti y, siendo sincero, ya no me da vergüenza.
(Entiende: los bonitos también cagan)
Para pensar de intestinos es preciso entender que el culo azul de un ruso huele igual que el culo de un hermoso soldado del Perú.
Me emborracho y pienso en la plastilina de mi estómago.
Atardeces.
Luego llego a una rotunda verdad:
Cada mañana cago a pedazos mi corazón.

Poema borderline último

Pizarra:
Y al final juzgo que el tiempo no se detiene con tu ausencia inexpugnable ni con mis ganas de morir sino sólo cuando un poema se hace nudos de cristal.

Poema borderline 5

El cielo no tiene vergüenza porque sabe que la tristeza es inútil si nadie va a enterarse.
Llueve, el viento es un muchacho de caramelo, muy amable y la ciudad canta alcohol dulce.
Cómo duele la fiesta lejana. Cómo duele.
Ahora, en el encierro, la cerveza de tus ojos
arde.
La música lejana angustia, sólo queda taponar los oídos con ceniza y abrir bien los ojos al Especial del humor.

Sobre una polilla muerta

2009-02-03T07:49:00.000-08:00

Éramos dos bastardos intentando hacernos de un lugar en la comunidad letrada de Arequipa. Los veíamos lejos, todos ellos enchaquetados por su poesía y con los puchos como salmos en sus bocas. Los veíamos lejos, desde arriba, como tumulto de hormigas sobre una polilla muerta. Si alguna palabra pudo definirnos en aquella época esa fue entonces la autosuficiencia, el carácter anodino e independiente de nuestra propuesta, eramos simples y anhelabamos tener un libro de Watanabe, de Eielson o de Moro entre las manos.
Ya luego sucedió lo que siempre sucede cuando uno esta en poesía, palabras de menos, palabras de más. Ahora retrocedo la mano un poco y reconozco a un gran poeta y a un mejor amigo en esta imagen de rockstar que encontré.
Kreit Vargas me dio una biografía hecha por el mismo, pero era tan mala, que preferí inventarla y postearla aquí como muestra de mi surreal cariño y afecto.
Nació un 9 de julio de 1983, desde chiquito vivió en La Tomilla, tierra del gran Tamacum y del Juvenil Andino. Era pequeño como todos y como todos alguna vez fue el engreído. Seguramente por esa razón su hermano mayor le quito alguna golosina o le dio de a golpes en la cara. Le extirparon una amígdala, jugo fútbol en cancha grande y cancha chica, corrió en los maizales, tomo una copa, tomo dos, se sintió triste, le tomaron fotos a su cerebro, escribió un libro, escribió dos, escribe más.
Ya no somos los dos bastardos de antes, pero seguimos creyendo que allá abajo los demás son un tumulto de hormigas sobre una polilla muerta.

de Santeria

V

Confié la navegación de mis huesos húmedos
Al parpadeo sin fin desta estrella de carne
Que nace del costado izquierdo de mi pecho

Amante amordazado
A las mareas nocturnas del cuerpo

Ingenuo

He anclado mi lengua a tu puerto

He virado mi alma en sentido del agua
Cansado de las rutas aéreas de la nube y el sueño

He bostezado una palabra como un bote sobre la tarde
Un castillo de coral y hueso
Y
Mis ojos han huido como peces en caza

Otra vez rompes a la altura de mis dientes

Este puerto será mañana
Un recinto de flores con piernas

De nuevo llegara pasajera la vida

Y
Mi brazo
Periscopio de agua
Ha tratado inútilmente de hacerme un camino
Ha rozado temprano las islas cambiantes
Y
Extendido su aliento arcabuz
Con estrellas y peces muertos
Golpeados sobre la rivera del río
Sobre una extensa cámara de viento

Las mareas nocturnas te hacen su ritmo
Coronada de niebla desciendes
Ha mirarme mirar sin brújula
Sobre tus ojos donde cae la noche

Siempre llega algo a mitad de la noche
Que hace del cuerpo su reino

Oh despeñadero
Santo campo de estrellas corruptas
Me encuentro hecho un pozo de sangre
Con mis ojos sufriendo tu altura

He vendido mis uñas por un salida en el cielo

Prometí contra mi sangre esta lenta danza de polvo
Prometí este témpano de hielo
Atravesando la garganta

Sobre los hombros
Llegas improbable
Posas tus barcos de papel incendiario
Tu palabra de voltio

Lenta creces como crece la tarde

Sobre tus costas de vértigo he posado mi palabra
Ahora
Algo ha huido de mí
Como un disparo que dispersa animales en el bosque

A pedido del poeta linkeo su blog: kreitvargas.blogspot.com

5cHILE

2009-01-18T11:37:00.000-08:00

Chosica, octubre 2007. Segundo piso, cuarto 12. Dayana abre la botella de ron y la deja en el piso. Ambar, cristalina esta permanece quieta en el centro de todos, como mirándonos, como observando la hermosura de nuestras nacionalidades. Veo una y dos veces la botella y parece que estuviera en el punto exacto donde confluyen las líneas proyectadas de nuestros pies. De pronto aparece él como salido de cavernas, como refugiado de guerra y lo rompe todo, el ron, mi cabeza.
Dentro de poco Marcos Arcaya Pizarro(La Ligua, V Región de Chile, 1979) aquel hombre que roció el ron sobre Chosica, publicará el libro de poemas 5 cHILE en nuestra ciudad.
Aquí un adelanto

VISTA ANTIGUA DE LA CORRECCIONAL PERÚ II

vi a mi madre
la habían degollado
estaba al fondo de un lago sentada en el lugar del copiloto
quizás de un Ford A Phaeton de 1930 - 1931
característico por la carrocería descapotable
el morro alto y recto conforme a la línea lateral de la carrocería
Como venía diciendo la habían degollado
la corriente mecía con suavidad su cabello
el cuadro transcurría en blanco y negro
era todo tan hermoso que no quería quitar la
vista de la pantalla
me dieron unas ganas locas de cortarme la frente
y escribir con lo que brotara algo así parecido a

A CADA CUAL SU CUERPO A CADA CUAL SU ENFERMEDAD Y SU MUERTE

VISTA ANTIGUA DEL CALABOZO cHILE

de la nave plateada del Guille
así llegaron las gordas de la violencia
las chasquis venidas a menos
divagando una como SOL DE la lengua y sobrevuelo
meando los pasillos y las puertas
quién diría el gesto importado de la Correccional Perú
de las gordas necesitadas
en estos recovecos del cielo más alto y no
en cámara lenta y fotográfica según ellas
caminando por el puerto
quién diría la pandemia de estos pagos
por los cerros bajando
las universitarias chupagringos de Valpo
las succionantes chuchas de la dicha que tuve
estas iniciadas equidistantes con la
muerte nuestra
una mano que se parte entera que es mi cara

EN ESE TIPO DE COMBATE VINE ABAJO LA ZORRIENTA PARTIDA DE MI CARA Y PARA QUÉ ¿? ATRAPADA Y ABAJO POR LA PROFUNDIDAD SE ME VINO DE AQUEL MÁQUINA LA CARNE INFINITA ABAJO Y PARA QUÉ ¿? CRÁNEO CANTO CIERTO COMO BOCAS MUERTAS DIJE

Que bello es ser Bolaño

2009-01-06T15:52:00.000-08:00

Hace una semana al fin pude conseguir la versión digitalizada del libro póstumo de Roberto Bolaño. Imprimiré dentro de poco 153 hojas(por ambas caras) de la más prodigiosa y última narrativa latinoamericana. Estoy algo emocionado.
Lo vi por primera vez en las manos de un compañero de aula que no quiso prestármelo por ningún motivo, apenas si abrió el libro en una pagina incierta y leyó para todos una frase, como si se tratara de un versículo del evangelio de los domingos. Debo admitirlo, la actitud y la pequeña frase me dejaron intrigado. La segunda vez fue en Santiago de Chile, tierra lejana del autor. Lo encontré perdido entre los cientos de libros de un gran amigo. Me lo presto esa noche y al fin pude leer sus primeros párrafos.

La primera vez que Jean-Claude Pelletier leyó a Benno von Archimboldi fue en la Navidad de 1980, en París, en donde cursaba estudios universitarios de literatura alemana, a la edad de diecinueve años. El libro en cuestión era D’Arsonval. El joven Pelletier ignoraba entonces que esa novela era parte de una trilogía (compuesta por El jardín, de tema inglés, La máscara de cuero, de tema polaco, así como D’Arsonval era, evidentemente, de tema francés), pero esa ignorancia o ese vacío o esa dejadez bibliográfica, que sólo podía ser achacada a su extrema juventud, no restó un ápice del deslumbramiento y de la admiración que le produjo la novela

Como Pelletier, quedé infinitamente deslumbrado. Al día siguiente quise comprarlo, pero por ironías de la vida no lo encontré. No podía créer que en Chile no hubiera una librería con un solo ejemplar de este maravilloso libro. Claro, no pude ir a todas, pero 5 fueron las que no lo tenían. 2666, del genial Roberto Bolaño, tendría que esperar.

Por Julio Ortega

Roberto Bolaño (1953-2003) solía imaginarse como otro y a veces incluso como él mismo. Pero no había previsto que después de su muerte sería, en inglés, otro Bolaño, y tendría el papel espectacular de una nueva vida. Traducida al inglés en Estados Unidos, su obra ha hecho nuevo camino y ha forjado, en la lectura, un autor no menos novelesco. Como en otro de sus relatos póstumos, nos encontramos con un personaje más vital y libresco que nunca.

La sintonía de un escritor con el lector es uno de los misterios de la vida literaria, pero es también parte de la oferta editorial y las expectativas del mercado. Pero si la fama puede ser un exceso de presencia, que deriva en la saturación y el énfasis; la suerte post mórtem de un autor está hecha de zozobra, entre olvidos reparadores y ceremonias piadosas. Un escritor de éxito no sólo necesita de una agencia literaria sino de una agencia póstuma para la puntualidad de su memoria.
El hecho es que en su balance de los diez mejores libros del año, The New York Times Book Review (14 de diciembre) incluye la traducción de 2666, que Bolaño dejó lista para ser publicada después de su muerte. El entusiasmo con que el novelista Jonathan Lethem la reseñó es proverbial. Compara al chileno nada menos que con David Foster Wallace, el más talentoso narrador de la última promoción, cuyo suicidio a los 46 años enlutó a la comunidad literaria. Valorado ahora mucho más que en vida, resulta tristemente confirmado por la depresión que lo venció: la crónica melancolía de vivir un espectáculo trivial. Sus libros resistieron ser parte del desvalor, pero mucho me temo que su muerte termine haciéndolos más fáciles.

Ya Borges había protestado que Unamuno y Lorca no eran su biografía, ni siquiera sus destinos, sino sus libros. Bolaño, un borgeano callejero, estaría de acuerdo. Pero habría añadido que esos libros los convertían en autores de sí mismos; y en su propio caso, en la mofa de su destino, en la máscara de otra mascarada.

Pero, ¿quién es éste Roberto Bolaño que es leído en inglés como un personaje imaginado por Borges no sin truculencia? En una y otra reseña, comprobamos que es leído como perseguido por Pinochet, como exiliado chileno, enfermo y pobre, pero rebelde, vital y literario, y hasta adicto. Este exceso de biografismo ha creado un Bolaño probablemente menos interesante que sus personajes, meramente real y, por eso, falso. Tanto es así que Andrew Wylie, el más poderoso agente literario contemporáneo (su supuesta pretensión de adquirir la Agencia Carmen Balcells estremeció a las literaturas en español como una amenaza imperial), y su viuda, Carolina López, devota albacea y heredera, aclaran en una carta a The NYT Book Review (7 de diciembre) que Bolaño "no sufrió nunca ninguna forma de adicción a drogas, incluyendo la heroína". Explican que, aunque "ampliamente publicado", ese detalle es inexacto y que el "malentendido persistente" seguramente deriva de que su relato La playa está escrito en primera persona. "Ese relato es en verdad una obra de ficción", confirma Wylie, poniendo a la literatura en su lugar; no en vano entre sus autores se cuenta Borges, cuya obra le debe (soy testigo) cuidado y protección.

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Ernest Hemingway bajo la Isla

2008-12-31T07:12:00.000-08:00

Ernest Hemingway (1899-1961) fue y será uno de los escritores más influyentes de la cultura norteamericana, no sólo por sus libros y estilo de vida que marcó una época entre sus contemporáneos, sino además por el carácter disidente y reacio a las diferencias con un país al cual amó, Cuba.
Precisamente en la isla, en su residencia de Finca Vigia, bajo la blanca arena habanera, hace poco se han rescatado nuevos manuscritos del autor de Por quién doblan las campanas. Unos 3.000 documentos inéditos conservados en el museo del mismo nombre Finca Vigia, acaban de ser digitalizados y puestos a disposición de los investigadores gracias al esfuerzo de instituciones de los dos países.
"Se trata de documentos prácticamente inéditos", afirma la directora del museo, Ada Rosa Alfonso. "Solo algunos se conocen a partir del libro 'Hemingway en Cuba' [del escritor Norberto Fuentes], pero la mayoría han estado conservados y cuidados en los archivos de Finca Vigía durante más de 45 años".
Sin duda gracias a este esfuerzo pronto tendremos nuevas ventanas para conocer a Hemingway, el delirante corresponsal que retrató con sobriedad y precisión —cualidad heredada seguramente del periodismo de trinchera— en sus obras el malestar de una época que finalmente lo llevaría a terminar su vida de un tiro en la cabeza.
Entre los 3.200 manuscritos preservados hasta ahora están el epílogo de la novela Por quien doblan las campanas y un guión de la película El viejo y el mar, rodada en la localidad habanera de Cojimar en los años cincuenta, con Spencer Tracy de protagonista. También, según Alfonso, hay textos que "en opinión de especialistas, corroboran la hipótesis del escritor sobre la presencia de submarinos alemanes que se abastecían de petróleo en la costa norte de Cuba durante la II Guerra Mundial", que Hemingway recreó en su libro Islas en el Golfo. Además, telegramas y documentos personales como licencias de conducción, pasaportes, facturas y pólizas de seguros, y abundante correspondencia.

Pier Paolo Pasolini: Balada del suicidio

2008-12-30T19:16:00.000-08:00

Su padre, un teniente de infantería proveniente de una tradicional familia italiana, murió por salvar la vida de “El Duce” Benito Musolini; y quizá ese inútil hecho sea el derrotero de la etapa más difícil de Pier Paolo Pasolini. La inutilidad, el absurdo de la guerra y el fascismo, que para el poeta se condensaron en dolor y miedo, quizás no por su padre que moría por un genocida y al cual Pasolini había declarado odiar, sino por Guido, su hermano, por sus camaradas de letras que uno a uno iban desapareciendo en el horror de los años 40.
Cuando encontraron su cuerpo, un 2 de noviembre de 1975, Pasolini yacía boca abajo, con un brazo ensangrentado y el otro escondido bajo el cuerpo. Su pelo, lleno de sangre, cubría su frente excoriada y desgarrada. Su cara, deformada por la hinchazón, estaba negra de tantos moratones y heridas; negros y rojos de sangre también sus brazos y las manos. Los dedos de la mano izquierda estaban fracturados y cortados; la mandíbula izquierda, fracturada; la nariz, aplanada y desviada a la derecha; las orejas, cortadas por la mitad, y la derecha, arrancada. Tenía heridas en los hombros, en el tórax, en la espalda, con las huellas de los pneumáticos, de su propio coche, que le había atropellado. Tenía un terrible desgarro entre el cuello y la nuca; diez costillas fracturadas, igual que el esternón; el hígado desgarrado en dos puntos; el corazón, estallado.
Por la crudeza de esta descripción dejo un poema de Pier Paolo Pasolini

Balada del suicidio

¡Piedad, piedad!
Vosotros me queréis
muerta y enterrada:
sin voz,
sin gestos,
sin rostro,
sin vida...
que no regrese
decís vosotros – nunca más
la locura que ella fue,
aquí ¡entre nosotros!
¡Piedad, piedad!
Gente feliz
vosotros me esperáis:
ahorcada,
ahogada,
incendiada,
destrozada...
¿Qué hace ahí
decís vosotros – si da
sólo rabia, y lo sabe,
aquí entre nosotros?
¡Piedad, piedad!
Gente de bien,
vosotros me teméis:
en mi amor,
en mi vicio,
en mi ardor,
en mi odio...
¿Por qué vive
-decís vosotros – aquí abajo
pecadora y tabú,
aquí entre nosotros?
¡Piedad piedad!
Gente normal,
me condenáis:
a temblar,
a odiar,
a ocultarme,
a desaparecer...
El que es diferente
decís vosotros – no puede
quedarse ni un poco
¡aquí entre nosotros!
¡Piedad, piedad!
Gente en el poder,
vosotros me amenazáis:
con la detención,
con la celda,
con la picota,
con la hoguera...
La pasión
- ecís vosotros- no da
más que molestias y ansiedad
¡aquí entre nosotros!
¡Piedad, piedad!
Parecía eterno
mi destino:
de hablar,
de cantar,
de gozar,
de pecar...
Pero sí, pero ¡sí!
Para mi se acabó,
quedáos tranquilos...
Entro en la sombra,
os dejo el mundo...

1er Concurso de poesía de mujeres "Scriptura"

2008-12-22T22:18:00.000-08:00

La Comisión de Escritoras del Pen Club del Perú, y el Centro Cultural de España, anuncian la convocatoria de su Primer Premio de Poesía para Mujeres "Scriptura", en el cual podrán participar mujeres de nacionalidad peruana (residentes en el país o el extranjero) a partir de los 18 años y sin límite de edad.
Sólo podrá presentarse con un sólo libro escrito en español, inédito y que no esté pendiente de resolución en otro concurso. El trabajo debe tener un mínimo de 300 versos y un máximo de 500. El tema, la rima y métrica son libres. El plazo de admisión del trabajo empezó el pasado 20 de diciembre y concluirá el 20 de marzo del 2009. Las obras se presentarán con seudónimo, adjuntando un sobre con los datos de la autora.
El premio será de MIL dólares, así como la publicacion del trabajo ganador por le editorial Carpe Diem. La recepción de las obras se hará en el Centro Cultural de España, Calle Natalio Sánchez 181. Jesús María, Lima. Vea las bases completas aquí

Cesar "Feliz" Sánchez Martínez

2008-12-22T22:16:00.000-08:00

“Déjame rezar, conchadetumadre”

2008-12-17T08:34:00.000-08:00

Debo comenzar este post con una frase ejemplificadora: “Déjame rezar, conchadetumadre”. Según el reciente ganador del segundo premio del concurso “El cuento de las 1000 palabras”, Cesar Félix Sánchez Martínez, sería pues esta una versión actualizada y verbal del combate de Felipe II contra los enemigos de la fe. Y, sin duda, la frase es parte integral del propio Sánchez Martínez – y hasta quizá en juego borgiano él mismo una metáfora de Felipe II– pues el joven escritor es un beligerante luchador contra la anomia y la perversión de nuestra época. Quizá haya sido exagerado un poco, pero es que nuestro ilustre continuador de Fernando Ribera (Primer puesto hace muchos años) y Willard Diaz (Mención Honrosa muchos más) es todo un barroco, y este tipo de rizos en el lenguaje no hacen si no reafirmar su condición. Y, entonces, sabedor de ello, pienso en él como un verdadero “héroe de nuestro tiempo”, un hidalgo de los de lanza en astillero, adarga antigua, rocín flaco y galgo corredor, un renegado desertor de la época, un rebelde dispuesto a la contemplación.
El concurso “El cuento de las mil palabras” de la revista Caretas, a través de los años, ha logrado consolidarse como uno de los premios con más alto prestigio a nivel nacional. Sin duda, se trata de una suerte de fetiche a la cual todos aquellos inhóspitos seres dedicados a la pluma quisieran llegar. Y este año ha llegado un joven arequipeño, compañero de claustros, intelectual y acompasado disertador.
Dice Caretas “Con una historia que reafirma el interés en los círculos literarios nacionales en explorar cada vez más el tema de la violencia interna en el Perú, César Sánchez Martínez se hizo acreedor al segundo puesto del Concurso con apenas 23 años de edad y una historia enviada desde suelo arequipeño.”
Y claro, apenas 23 años que reflejan una inquietud perversa y un tesón apostólico por la escritura. “Siempre me fascinó la manera como las fiestas del año cristiano se imbricaban con las distintas etapas de muerte y renacimiento en el campo”, explica, “y además de eso siempre me llamó la atención la naturaleza absurdamente cruel de ciertos episodios de la violencia política en la sierra del Perú, donde los comuneros acababan siendo atacados por todos los bandos”. El tema puede parecer recurrente, pero, qué más da, si lo que hemos obtenido es una nueva punta de lanza en las letras arequipeñas.
¡Extensivas felicitaciones estimado Cesar!

(En la foto Felipe II)

Me falta el aire

2008-12-14T20:35:00.000-08:00

Augusto Carrasco (1984-2011, cabello alborotado, polos pAnk) ha sido uno de esos personajes que han dado vida y ánimo a muchos -entre los cuales me considero- para seguir metido en esto que es la literatura, no sólo con sus extrañas y cortas palabras, sino con su terco, romántico y bello compromiso con el arte y la poesia. Pero debo admitir que Augusto Carrasco (1984-2035, arequipeño, falaz, soltero, artista y comerciante) a su vez ha sido el poeta que alguna vez ha logrado desanimarme de la literatura, pues al leer o escuchar sus poemas he sentido que él ha robado mis dulces ideas y ha escrito eso con lo cual yo había soñado; entonces, en esos momentos de trascendental angustia me falta el aire y siento como si sufriera de un viejo pero vigoroso asma.
Por eso, porque ahora más que nunca necesito que me falte el aire hasta sentirme casi muerto es que cuelgo este bello poema de mi amigo Augusto Carrasco (1984-2008)

Vía air-mail

Parece que estoy escribiendo
de este a oeste
una gran carta
lejos
allá
coloqué un letrero:

Arequipa, martes 18 de noviembre del 2008 1:43 a.m.

Querida mamá

sigo escuchando soda stereo
para recordar a mis amigos
y aún no he conseguido
aprobar dinámica de grupos
no es que sea un curso difícil
es que el profesor es un imbécil

disculpa las malas palabras mamá
pero es lo mejor que la universidad me enseñó

estoy fumando mucho últimamente
y creo que he bajado de peso
el sábado estuve caminando por el centro
desarrollando constelaciones de humo
en mis pulmones y dibujando complicados esquemas de esputo y melancolía
en la plaza de armas

la catedral estaba amarilla y postergada
como una nena hepática
y me largué a dormir
sí mamá, he conseguido dormir
no te preocupes pues
las tareas de la universidad
son buenas para eso
y son también buenas
para planear el siguiente poema
que creo comenzará así...

“ una vez tuvimos dos veces ”

el polvo es un remedo
de tristeza
mamá
que lucha por meterse en las casas
y abandonarse de panza sobre los muebles
los libros y la tele
a propósito
la tele se ha malogrado
y no puedo ver películas
sería bueno si me envías algún dinero extra
para arreglar la tele
y comprarme algunas pelas nuevas.

p.d. gracias mamá
por comprarme el libro de Bolaño,
ya lo terminé de leer
y he decidido dejar la universidad,

con amor
Augusto.

LA COLECTIVA 08. III Encuentro de colectivos literarios

2008-12-13T08:00:00.000-08:00

LA COLECTIVA 08. III Encuentro de colectivos literarios es un evento realizado por jóvenes poetas y promotores culturales de distintas ciudades del Perú y que pretende crear espacios y contextos nuevos para intensificar las relaciones culturales y derrumbar las distancias entre las voces de nuestra poesía nacional, así como también, consolidar las redes de comunicación cultural en nuestro país.
LA COLECTIVA 08, en su tercera edición descentralizada, reunirá en la ciudad del
Cusco los dias 18 y 19 de diciembre del 2008 a jóvenes poetas, críticos y editores que compartirán sus experiencias y conocimiento con la ciudad que este año nos alberga.

El evento se realizara los días jueves 18 y viernes 19 en la Sala 1 del Museo de Arte Contemporáneo de la Municipalidad del Cusco-Plaza Regocijo.
Desde las 10 a.m. : expo-venta de material literario
Desde las 3:00 p.m. : proyección de cortometrajes y documentales
Desde las 7:00 p.m. : recitales de poesía con invitados nacionales.

Gracias a:
-Municipalidad Provincial del Cusco-Gerencia de Turismo, Educación, Cultura y Medio Ambiente.
-Ruwashayku-Comunicación y cultura.
-Monopelao producciones.

“me desespera el Perú, por que no veo el avance”

2008-12-10T13:49:00.000-08:00

¡Carambas! En verdad uno no puede estar indiferente por mucho tiempo a todos los entremeses y chanfainas que se cocinan a diario en la política nacional. El prúrito se hace casi enfermizo y esquizoide cuando de política se habla. De tal forma éste blog incursiona de manera tangencial (muy a pesar del blogger) en esta ciénaga de grandes parásitos y zanguijuelas.
En verdad no se puede creer hasta donde es capaz de llegar el nivel de sandez de nuestro electo presidente Alan García. Esta última declaración “No me gustan los pitucos metidos a izquierdistas, me gustan los hombres de color cobrizo que son los verdaderos peruanos y pueden luchar por la justicia social.” hecha a fuerza previa de botellazos, demuestra que la falta de neurona es el común denominador de nuestra extinta clase política. De tal forma García termina por caer en el mismo discurso populista y mamarracho que demostró Ollanta Humala en la campaña pasada, o el propio Alberto Fujimori durante la dictadura (Si a ello le sumamos su sumiso neoliberalismo, entonces, en verdad, tendríamos que persignarnos)
Caigo entonces en la cuenta de que hemos pasado casi un cuarto de siglo en mediocres populismos y no hemos avanzado nada, cinco siglos de mestizaje y supuesta comprensión y tampoco nada . Y ahora recuerdo las graves palabras del poeta José Watanabe(Laredo, 1946-2007) acerca de la situación del Perú, graves como su voz cuando decía “me desespera el Perú, por que no veo el avance”.

(en la foto Alan García sorpredentemente sosteniendo un libro)

Presentación de EQUIXD

2008-12-10T09:56:00.000-08:00

Cualquier esfuerzo por agilizar la movida cultural en nuestra ciudad es motivo de felicitación. Los editores de EQUIXD Revista de Anime de Arequipa me hacen llegar su invitación para la presentación que se realizará este sábado en algún lugar cerca de la plaza de armas.

GRAN CEREMONIA DE PRESENTACIóN DE LA REVISTA EQUISD

Dia: Sabado 13 de Diciembre de 2008

Hora: 5:50 pm

Lugar: Alvarez Thomas 106, a un costado de la iglesia de la compañía

Habrá premios y sorteos entre los asistentes

Compra tu revista en preventa y llévate un poster completamente gratis

Coloquio Letras Cusqueñas… Letras del Sur

2008-12-05T18:55:00.000-08:00

Los días 16, 17, 18 de diciembre, se realizará por quinto año consecutivo el Coloquio Nacional Letras Cusqueñas… Letras del Sur, convocado y organizado por la Asociación Centro Cultural Cusco, y la revista de artes y letras Ángeles & Demonios, en el cual participarán poetas, narradores, dramaturgos y novelistas de la Región Macro Sur del Perú

Este Coloquio Nacional Letras Cusqueñas… Letras del Sur, tiene como objetivo acercar al público en general a los escritores, y así tenga un conocimiento cabal de sus creadores, de esta manera motivar la lectura a la comunidad cusqueña y de la Región Sur del Perú.

El coloquio se realizará los días martes 16, miércoles 17, y jueves 18 de diciembre del 2008, en las instalaciones del auditorio de la Casa Museo de Garcilaso de la Vega, a horas 7pm.

Agradecidos por su difusión

Cusco, diciembre del 2008

Programa

Coloquio Letras Cusqueñas… Letras del Sur

Lecturas Literarias

Local Auditorio de la Casa Museo del Inca Garcilaso de la Vega.
Hora 7pm.

Día martes 16 de diciembre

Wilden Portilla
Irma del Aguila
Miguel Angel Pimentel
Franklin Sequeiros
Enrique Rosas Paravicino
Benjamín Camacho
Mario Walter Béjar

Día miércoles 17 de diciembre

Luis Nieto Degregori
Miguel Ángel Fuentes
Ana Bertha Vizcarra
Juan Mescco
Carlos Velásquez
Pavel Ugarte
Braddy Romero
Raúl Pacheco
Hugo Contreras
Gladys Conde

Día jueves 18 de diciembre

Willny Dávalos
Pasos Paz
Soledad Araoz
Carolina Guillén
Lissette Vera
Juilisa Guillén
Ángel Ccolqque
Jonathan Alzamora
Arely Araoz

LETRAS CUSQUEÑAS… LETRAS DEL SUR.

CONTACTO / INFORMES:

Revista de artes y letras Ángeles & Demonios
Surifilms
Carlos Sánchez Paz
Fono 51 84 2 2 3 6 3 6
pasospaz@yahoo. es
surifilms@yahoo. es

Mi taller de escritura creativa

2008-12-02T17:14:00.000-08:00

Cuando tuve la oportunidad de asistir a un TALLER DE ESCRITURA CREATIVA, por algún motivo que ya no recuerdo rechacé la oportunidad; fui sólo a dos sesiones y a la tercera me retiré en total silencio. Cuando luego de cinco años quise volver a intentarlo, seguro de que podía afrontar tal reto con mi autosuficiente madurez y de que mi cantidad de lecturas se había incrementado desde aquella época, nuevamente y, no sin cierta casualidad, a la tercera sesión me retiré, pero esta vez sin silencio. Tuve entonces la certeza de que nadie podría encaminar mi torpe escritura, sino sólo yo.
De todas maneras nunca he encaminado mi escritura y ahora que leo este artículo de Adriana Schettini (a quien agradezco la amabilidad) me siento reconfortado, como puesto a descansar sobre un sillón frente al televisor, pues comprenderán los que lean todo este post que yo amo a William Faulkner; y a Raymond Carver, no tanto.

por Adriana Schettini

La pedagogía mueve el mundo. La mecánica es simple: el dueño de un saber se lo transmite a otro que a su turno le entregará el tesoro, corregido y aumentado, a un tercero, en la certeza de que oportunamente éste hará lo propio con el siguiente interesado en sumarse a la cadena de la enseñanza y el aprendizaje. Esa suerte de carrera de posta se ha largado en la noche de los tiempos y no terminará ni un segundo antes del Apocalipsis. Es gracias a ese eterno maratón como progresan las ciencias y las artes. ¿Es posible enseñar? La pregunta sólo podría ser formulada por un devoto de las respuestas obvias.

¿Es posible enseñar a escribir? Basta agregar esas dos palabras al interrogante inicial para que la contestación deje de ser un sí monolítico e incondicional. En su lugar, aparece la delimitación de los territorios. Nadie niega la posibilidad de enseñar a escribir textos periodísticos, artículos académicos o ensayos. Pero la mayoría pone en tela de juicio que exista una pedagogía capaz de convertir a un individuo con buen manejo del idioma en un escritor de cuentos o novelas. Indiscutida en otras disciplinas, la dupla maestro-discípulo es zarandeada con vehemencia en el terreno de la narrativa.

La discusión viene de lejos y nunca fue saldada. A William Faulkner, por ejemplo, la sola mención del tema le encendía la ira: "Que el escritor se dedique a la cirugía o a la albañilería si está interesado en la técnica –le respondió a Jean Stein cuando lo entrevistó, en 1956–. No hay ninguna manera mecánica de escribir, no hay atajos. El escritor joven que siga la buena teoría es un tonto. Hay que aprender de los propios errores: las personas sólo aprenden por el error. El buen artista cree que no hay nadie suficientemente bueno para darle consejo. Su vanidad es suprema. Por más que admire al escritor más viejo, quiere superarlo".

Pero a diferencia del ganador del Premio Nobel de Literatura, en 1949, que no reconocía otro modo de aprendizaje que desplegar las alas de la suprema vanidad y largarse a volar, aun a riesgo de estrellarse una y otra vez contra la propia torpeza, Raymond Carver sometió su talento al rigor pedagógico del novelista John Gardner, su maestro en la Universidad de Chico, California. Y además, le quedó agradecido: "[Gardner] Me hacía una crítica concienzuda, línea por línea, y me explicaba los porqués de que algo tuviera que ser de tal forma y no de otra; y me prestó una ayuda inapreciable en mi desarrollo como escritor", contó el autor de Catedral en el prólogo al libro de su maestro, Para ser novelista.

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(En la foto William Faulkner tan reconfortado como yo)

In memorian de Willny Davalos

2008-11-28T11:42:00.000-08:00

Menudo, muy en silencio, imagino a Willny Dávalos caminar por la plaza del Cusco con una botella de algo estrictamente nocivo en la mano.
A Willny lo conocí el año 2006 en un recital de poesía que organizaba un tal Passos Paz. Traía —recuerdo— una chaqueta negra de cuero con algún adorno violeta en su interior, el cabello color de caca y una mirada dispuesta a ultrajar a cualquier jovencita dispuesta como caña sobre el polvoriento camino.
En aquella ocasión, mientras tomábamos una copa de vino, cruzamos algunas breves palabras; pronto, este ser extraño me obsequió su plaqueta, acto al cual yo correspondí, muy a mi pesar, dándole la mía.
Esta mañana Willny me ha dicho que está casi muerto, por ello, y por muchas cosas más, cuelgo estos poemas del gran Willny Dávalos.

Doppelgänger

I
Mis manos son todos los ojos que necesito para verte
verte para qué si todo eclipse es un final desde el comienzo
tengo un par de astros deshonrados que inclinan su flama
avergonzados ante tanto derroche de figuras
inservible máscara inflamable
sintético refugio:
una palabra que simboliza el individuo

Saltar con qué sentido
no ves que el cielo nos desprecia
que cada uno va a su suerte sobre el vientre planetario
ignorando el paraíso que se apoya en nuestro lomo
y olfateando….
____________________________________________

De nuevo subido a tu ambulancia
ahuevándonos a todos con tu grito
palabritas obsoletas caídas de libros polvorosos
paridos en los desconocidos días de los siglos anteriores
y quieres que te escuchen agitando tus brazos como lenguas
en las calles tu sangre a nadie le interesa
y mucho menos interesan tus heridas
que te desangres sumergido en la botella
es todo el espectáculo que ellos necesitan
asi que deja de dar pena
e intérnate en el refugio por el resto de tu vida

II

Ríete cerebro de las perversiones de este tipo.
Si fuera por él, tú ya te hubieras oxidado
bajo la lluvia, entre los camiones qué te dije,
ahí estaba su error, su claro tropiezo,
un adelanto del infierno Sí, claro; el infierno.
La sensación de culpa, la cola de chancho,
como puercos, ¡puercos!, es fácil imaginarlo
desgraciado fariseo, hijo ilegítimo de Herodes
recurriendo a la Biblia
no puede caer más bajo calla mendrugo de sombra
desgraciada, viscosa, ¡errante hijo de furcia! ¿Furcia? ¿Esa palabra
te dice algo? gorrión desmayado en patetismo
residuo de tierra, lodazal de provinciano ¡Silencio! ¿Silencio?
se necesita llanto para ser considerado en el espacio
El lugar es Dios, somos habitando
estamos bajo el multiojo, siempre somos observados
pavadas de niño viejo, mira el techo… ¿aterrante? no
seguiré su cuerda, callaré, me haré semilla otra vez
magia pura del estanque… tu pulgosa timidez,
jamás se te acercaron por temor a tus parásitos
¡mentirosa bestia! ¿Crees que no les importa? se divierten
vociferan, luciferan: son puras malas cualidades
hablas como idiota, hablar no es un don
imbécil… monstruo deformador de ideas
estas se hipertrofian
y si no se abortan
denigran el vientre hipostático del mismí.. simo ¿padre?
por favor, ¡qué falso!, ni mentir sabes
sucio roedor
erosionado
deja de murmurar, habla claro o cállate deja de escucharme,
sólo deja de escucharme. Deja de escucharme, sólo deja de escucharme.

A 100 años de Claude Lévi-Strauss

2008-11-28T05:49:00.000-08:00

Los que hemos cursado algún insípido curso de Teoría Literaria en la escuela de Literatura de la UNSA podemos reconocer fácilmente el nombre de Claude Lévi-Strauss y quizás, alguno que otro, recordar con esfuerzo algún postulado o aporte suyo. Claro, Levi-Strauss no es privativo de los estudios literarios, sino, que, todo aquel que haya sido atrapado por los estudios en Ciencias Sociales (Antropología, Sociología, Lingüística, Etnología, etc) ha tenido que repasar con la mirada en algún libro su nombre más de dos veces.

Francés, nacido en Bruselas el 28 de noviembre de 1908, este centenario humanista es hijo de un judío agnóstico de origen alsaciano que le educó en un ambiente artístico, aunque terminó cursando estudios de Derecho y Filosofía en la Sorbona de París. El autor de Mythologiques ejerció como profesor de esta última disciplina hasta que recibió una invitación de Marcel Mauss, padre de la etnología francesa, para ingresar en el recién creado departamento de etnografía.

Fue así como despertó en Lévi-Strauss la curiosidad por una materia en la que desarrollaría una brillante carrera y que le ha concedido un "lugar preeminente entre los investigadores del siglo XX"

Cervantes para Juan Marsé

2008-11-27T16:56:00.000-08:00

Debo confesar que no he leído nada del nuevo Premio Cervantes. Así que poco o nada puedo opinar de este escritor que no se llama de tal manera sino Juan Faneca Roca. Nacido el año 1933, este barcelonés es toda una joyita en la literatura, pues ha ganado infinidad de premios y todos ellos de gran valía. Cabe mencionar como anécdota que de joven trabajo como joyero, así que el apelativo “joyita” le cae a pelo.
Ademas, ha declarado que gastará los 125. 000 euros que otorga el premio "en vino y mujeres". Sin duda, este escritor, es uno de los nuestros.

A continuación un bellísimo cuento de Juan Marsé, como para ir conociendo a este Cervantes.
automovil

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Nuevamente a la andadas

2008-11-24T05:59:00.000-08:00

Luego de que mi PC recibiera un potentísimo virus que borró hasta mis propios recuerdos de alguna lejana vida reciente, vuelvo a mis ocios habituales.
Disculpen por la demora.

hatun qelqaqkuna siminchispi

2008-09-02T20:16:00.001-07:00

Los amigos del Grupo Editorial Dragostea me hacen llegar las imagenes de su ultimo trabajo hatun qelqaqkuna siminchispi, brevísima muestra de poesía traducida al Quechua.

Coloquio Internacional de Poesía, Efraín Miranda, más allá de los márgenes y silenciamientos

2008-08-25T18:19:00.000-07:00

La poesía de Efraín Miranda corresponde a un tejido central de la producción estética de los andes, en especial, del Perú. La ausencia de estudios ha llevado a consignar dicha producción poética como un icono raro y hasta extraño, sin que se ponga atención a su condición de enunciado otro, a su condición indígena o india, como prefiere llamar a su poesía el autor de Choza (1978). Esta poética está ubicada en los márgenes para distanciarla de lo hegemónico. Es objeto de procesos de silenciamiento e invisibilidad, pues actitudes interesadas buscan negar su existencia a costa de olvidos y cegueras voluntarias. Frente a este entramado excluyente, corresponde esbozar el balance y valoración de la poesía de Efraín Miranda como acto sublevante, paródico y antisistémico. Esta poética actúa desde la instancia de la cultura india (cosmovisión indígena) y activa una crítica a la cultura de occidente, como una potencia discursiva descolonizadora.

La poesía de Miranda sintetiza la trayectoria de las poéticas andinas, exactamente, por ser una praxis poética que se ubica en un espacio signado por el conflictivo. Poesía que va de Muerte Cercana (1954), pasando por Choza y Vida (1980) hasta llegar a Padre Sol (1998) y dan cuenta de una intensidad poética y evidencia procesos de descolonización. Una poesía que convierte a la palabra en un pretexto para entrañar al lector, precisamente por la forma y la intensidad lírica, las mismas que asociamos a la mejor tradición poética del mundo, por ello es poesía andina y universal.

José Ruiz Rosas: en el día de nuestra ciudad

2008-08-15T12:00:00.000-07:00

Serie poesía latinoamericana: Eduardo Milán

2008-08-15T08:12:00.000-07:00

Eduardo Milán (1952) poeta, ensayista, y crítico uruguayo. A raíz de la dictadura militar en su país durante la cual fue encarcelado su padre, decidió radicarse en México desde 1979, donde ha desarrollado un importante labor no sólo como poeta, sino también como ensayista y crítico literario.

Kerouac oriental

2008-08-15T07:55:00.000-07:00

Hace poco se ha publicado una selección de haikus del escritor estadounidenses Jack Kerouac (1922-1969). Sorprende que Kerouac, autor de En el camino, novela que se entronca con el proyecto fundacional de la gran novela norteamericana haya llegado a la condensación del haiku. Se trataría a simple vista de opuestos, pero, sin duda, ambos géneros comparten en Kerouc la grandeza. El modelo de la “gran novela estadounidense” está cimentado en obras como “El tiempo y el río”, de Thomas Wolfe, en “Walden”, de Henry David Thoreau, en “Moby Dick”, de Herman Melville y en otras empresas literarias destinadas a plasmar el espíritu de fundación de un país caracterizado por las grandes dimensiones, el desplazamiento y la relación semántica entre el viaje físico y el viaje metafísico. El otro extremo, el del haiku, es quizá la mayor condensación significativa de cuantos géneros poéticos ha dado la literatura universal.
Según Ernesto Bottíni para comprender cómo entra la tradición del haiku en los Estados Unidos hay tres elementos claves a tener en cuenta: La publicación de “Ensayos de Budismo Zen” (1927), de T. D. Suzuki, la circulación del poema “En una estación del Metro”, de Ezra Pound, y las traducciones de literatura japonesa de Gary Snyder. Snyder es la figura ‘tapada’ de la generación beat y el eslabón de enlace entre sus más altos representantes (Ginsberg, Kerouac, Corso, Ferlinghetti) y la filosofía oriental. Snyder seguramente es uno de los genesis dela filosofia hippie de los 70.
Pound y Snyder constituyen la cadena que llega hasta Kerouac y sus “Haikus americanos”, de los que ahora la editorial Bartleby presenta una sustancial recopilación en “Libro de Jaikus”, en traducción de Marcos Canteli. Estos haikus no mantienen el estricto metro clásico de tres versos y diecisiete sílabas, pero conservan gran parte de la esencia del género: mirada sobre la naturaleza, la búsqueda de una revelación y el procedimiento de superposición como efecto poético para vehicular la epifanía o “satori”. Innova, sin embargo, tanto en el tratamiento de los temas como en la ductilidad de la forma: “Un haiku debe ser sobre todo muy sencillo –había dicho Kerouac en una oportunidad- y libre de cualquier truco poético, pintar un cuadro pequeño y ser al mismo tiempo tan airoso y gracioso como una Pastorella de Vivaldi”.La particularidad de los haikus de Kerouac, que no están entre lo más granado del género, pero sí entre las mejores composiciones de ese tipo realizadas en los Estados Unidos, reside tanto en su musicalidad como en la imprimación de una textura que aspira a condensar el “sentimiento” de desolación que fue la marca de toda una generación: desolados por ver crecer la parte oscura del sueño americano y el estrago que producía en millones de conciencias asfixiadas por la alienación consumista y la primacía del concepto de triunfo y éxito por sobre todas las otras facetas de la producción y la sensibilidad humanas. La musicalidad, el quid divinum o ritmo secreto de sus poesías, tanto de “Mexico City Blues” como de sus haikus, responde a las indagaciones que hiciera Kerouac sobre el lenguaje a partir de pautas extraídas del jazz, especialmente del be bop: síncopa, prosodia, respiración, tensión, contrapunto, armonías no estandarizadas y una larga batería de recursos característicos de toda su escritura.

Acerca de Pulir Huesos

2008-08-14T09:06:00.000-07:00

Del suplemento Babelia recojo un artículo escrito por Esperanza López Parada acerca de las antologias Una gravedad alegre y Pulir huesos de Armando Romero y Eduardo Milán respectivamente. En esta última están incluidos los poetas peruanos Mauricio Medo, Mario Montalbeti, Magdalena Chocano y Roger Santiváñez. Como se sabe, Mauricio Medo vivía hasta hace un tiempo en nuestra ciudad y ha participado con entusiasmo en distintas actividades culturales. Según conversación personal, Medo, quien si mal no recuerdo con su libro Manicomio estuvo entre los mejores 10 libros publicados el año 2007 en Latinoamérica, promete la vuelta a nuestra ciudad pues lima, como a mi, le es desagradable.

Un banquete de despojos

En la terminología de la última crítica se prefiere el calificativo menos problemático de "emergente" a la voz "nuevo", destinada a un objeto de análisis consagrable sólo en la medida en que se perfila ex nihilo ante una compacta masa previa. La emergencia, a diferencia del texto innovador, tiene la virtud de aludir al proceso y no al resultado, a la acción de brotar desde una monótona y -se sobreentiende- muerta permanencia.
Hay que agradecer, sin embargo, que ni Armando Romero ni Eduardo Milán los empleen al frente de sus arriesgadas antologías "nuevas", Una gravedad alegre y Pulir huesos, respectivamente. El subtítulo de la primera -"antología de poesía latinoamericana al siglo XXI"- y alguna concesión del segundo pueden disculparse como inevitable tributo al marketing o como estrategia descriptiva.
Ningún poema emerge de otro lugar que no sea su propio fondo de silencio, fondo del que nace más o menos rudamente, con el que comparte diálogo y negocia espacio. Tampoco es nuevo ni antiguo para sí mismo. Al contrario, funciona desde la absoluta contemporaneidad con sus premisas, desde la actualidad consigo y con el lector que lo recorre en "este momento", porque su lectura real sólo se cumple "aquí y ahora". Es, como el poema leído, únicamente coetánea.
Así podemos entender la propuesta extemporánea que se constituye en corazón del libro de Eduardo Milán: su descubierto poeta chileno Paulo de Jolly le escribe a Luis XIV, a Versalles y al siglo XVIII. Con tan chocante "pasatismo" rococó produce -nos dice Milán- "un destiempo", es decir, rompe el férreo transcurso de lo que acontece para actualizar, a cambio, la temporalidad propia del verso, para ceder este presente al presente poético.
En el anacronismo de Jolly estaría resumido cierto estado común -el único- de los poetas recopilados: en todos ellos se insinúa una soberbia y definitiva crisis temporal que, si bien redunda en la autonomía del poema -en tanto un instante fuera de los instantes-, no implica detrás una propuesta pragmática ni deliberada. La poesía del "destiempo", que no puede confundirse ya con una restauración arqueológica, asume su estar fuera de época sin demasiado duelo, sin sensación de pérdida y sobre todo sin programa, en aquellos poetas recientes que ofrecen, no combativas tomas de posición, sino más bien aisladas y nada ideológicas decisiones de escritura. Tantas decisiones como poetas en una diversidad que no se cancela ni anula, que complica la reflexión que se le dirija, reduciéndola a una especie de pura aceptación de hechos, a una asunción nominal y no argumentativa de la "contradicción en coexistencia" que conlleva la selección, reconvertida o "customizada" para nuestra nueva era en lo que Milán califica de "catastro aformal" o de operación estadística, el desplegarse simultáneo de opciones escritas.
De hecho, ahí están conviviendo modos ni homogéneos ni intercambiables como el coloquialismo extremo de Roberto Appratto y la epopeya corrosiva de Diego Marquieira, junto al conceptismo sexuado de Laura Scarano o el laconismo en pareados de Enrique Baci; la intimidad e inclemencia del mundo en Edgardo Dobry, la religiosidad tonal de Francisco Magaña o la mitopoesía con regreso a las fuentes en Fernández Granados; las medidas construcciones de Magdalena Chocano frente al verso "por hacerse" de Reynaldo Jiménez; el poema de Josu Landa como tipología del éxtasis o como estabilidad desde la que articular mensaje en Eduardo Hurtado, en contraste con la palabra descarnada/desencarnada de Mauricio Medo -su inestable discurso loco- o ese lujo verbal a galope rapeado de Roger Santiváñez.
Este destiempo de la poesía última la coloca en una especie de pausa indiferente, una suspensión no tensada, algo que preocupa a Milán en tanto resultado en hueco del precipitado vanguardista: esa sensación de que el antiguo concepto de "sublime" o de "día logrado", que ponía al poema a funcionar en la búsqueda superior de un sentido, venga a ser sustituido por un trágico menos claro y consistente en lo que ya Burke intuía como la posibilidad de que "nada mayor ocurra" o que lo que ocurra sea en todo caso el flatus voci, el momento vacío. En eso consiste la orfandad de la escritura poética contemporánea: en que, bajo las anacronías a las que se acoge, insinúe en realidad una falta no de tiempo, sino "en el tiempo", que bajo sus experimentos con lo histórico y lo memorial esté hablando de una insignificancia irremediable del "ahora".
Para subsanarla, los poetas últimos acumulan habilidad retórica, increíbles sonoridades, sagacidad narrativa, potente representación metafórica, reconocimientos canónicos y reconversiones de la tradición, un saber eficaz -incluso un saber eficaz y perturbado-, serios esfuerzos de resistencia y una fortísima autoconciencia verbal que los aleja, según Eduardo Milán, de operaciones reductoras para las cuales cierta ingenuidad expositiva o cierta despreocupación metafísica equivaldría a "transmisión de vivencias". Los poetas jóvenes de Milán son sólidos y complicados, están altamente capacitados, participan de alguna oscuridad y tantean el misterio, lo que no les pone a salvo de la frustración. Es decir, son todo menos ilusos fingidos. Jóvenes pero desencantados, la suya es una tarea desértica, un banquete de despojos o, como quiere el título, un "pulir huesos". Todo ello no impide que se los lea con asombro, se les disfrute y celebre, porque son buenos poetas -la selección y el estudio de Milán son magníficos-, una colección amplia de decires amodales, amodélicos, radicales y atemporales, no por desacompasados, menos nítidamente actuales, menos ahuecados y dolorosamente presentes.

Algunas de Kafka

2008-08-13T21:19:00.000-07:00

Retomando con un poco de premura mis vagabundeos por la red encuentro una nota muy peculiar acerca de Franz Kafka. Al parecer el casto hombre de La metamorfosis no resulto tan casto como se pensaba. Algunos medios en lengua alemana como el weblog Zeit recogieron la noticia. Aparentemente, el investigador inglés James Hawe demostró en su libro Excavating Kafka, recién publicado en Inglaterra, que Kafka era pornógrafo y estaba subscripto a publicaciones eróticas de naturaleza para nada inocente o festiva sino más bien dura, que incluían imágenes de todo tipo ("algunas bastante desagradables", observa el investigador). Hawe especula incluso que la predilección de Kafka por la pornografía es evidente en La metamorfosis.

Premio Lorca de poesía.

2008-08-13T21:04:00.000-07:00

Los nombres de Mario Benedetti, Nicanor Parra o Juan Gelman vuelven este año a ser voceados para el premio internacional de poesía Ciudad de Granada Federico García Lorca. La lista sin duda es mucho más grande; 36 poetas de habla hispana (10 de ellos españoles) esperan el veredicto del jurado compuesto por representantes de instituciones como la Real Academia de las Buenas Letras de Granada, el Patronato de la Huerta San Vicente, la Fundación Federico García Lorca, la Residencia de Estudiantes, el Centro Generación del 27, la Casa de América y un catedrático de Literatura de la Universidad de Granada.
Es una lastima que este año no aparezca un poeta peruano en esta lista. Se recordará que el año anterior Blanca Varela fue la ganadora de dicho premio. De todas formas el plazo para presentar las candidaturas no finaliza hasta el 30 de septiembre. Las candidaturas pueden ser planteadas, según establecen las bases, por instituciones como embajadas, festivales de poesía o cátedras universitarias.
"Este galardón es un ejemplo de la especial sensibilidad que tiene Granada con la poesía", según el delegado de Cultura, quien añadió que con el premio, -dotado con 50.000 euros (74.500 dólares)-, "se quiere hacer justicia con la figura de Lorca" y "reconciliar a Granada con el nombre del poeta".
El fallo se dará a conocer antes del próximo 15 de octubre, según establecen las bases del premio.

Fallece Aleksandr Solzhenitzyn

2008-08-05T06:49:00.000-07:00

Premio Nóbel de Literatura, el autor de El primer círculo y Pabellón de cárcel, Aleksandr Solzhenitzyn falleció el pasado 3 de agosto en su natal Rusia a los 89 años de edad.
Solzhenitzyn como sus obra fueron producto de varios vetos y persecuciones por la KGB, servicio de inteligencia (esto sólo es un decir) de la URSS. Su vida transcurrió entre el destierro propiciado por sus ideas vertidas en contra de stablishment socialista y la escritura que depararía para él en el año 1970 el Premio Nóbel de Literatura, dicho sea de paso, premio que no recibió por sus temores a la represión del régimen y a su interés por terminar su novela El Archipiélago Gulag.
El Archipiélago Gulag, es una novela cuasi-histórica de la perversión incrustada en el régimen socialista, para escribir esta obra Solzhenítsyn había entrevistado a 227 supervivientes de los campos de trabajo soviéticos o gulags, cuyas identidades protegió con celo de tal manera y como era previsto e imaginado la obra desencadenó un vendaval de ataques al autor en la prensa y los medios soviéticos. Fue detenido y acusado de traición el 12 de febrero de 1974 y al día siguiente se lo expulsó de la URSS y marchó al exilio.
Aleksandr Solzhenitzyn será también recordado por sus criticas agudas al pensamiento de occidente. La gente en Occidente ha adquirido una considerable habilidad para usar, interpretar y manipular la ley, aunque las leyes tienden a ser demasiado complicadas de entender para un persona promedio sin la ayuda de un experto...
Es hora de que en Occidente se defiendan no tanto los derechos humanos sino las obligaciones humanas. A la libertad destructiva e irresponsable se le ha otorgado un espacio ilimitado.
La sociedad parece tener pocas defensas contra el abismo de la decadencia humana como, por ejemplo, el abuso de la libertad para la violencia moral en contra de los jóvenes, películas llenas de pornografía, crímenes y horror.
Se le considera parte de la libertad y teóricamente un contrapeso de los derechos de los jóvenes no mirar o no aceptar. De esta forma, la vida organizada de manera legalista ha mostrado su inhabilidad de defenderse a sí misma contra la corrosión del mal.

FIL 2008

2008-08-01T20:50:00.000-07:00

Salvaje Bolaño

2008-07-16T07:07:00.000-07:00

Este 15 de julio se conmemoró el quinto año de la muerte del narrador chileno Roberto Bolaño. Lo alejó de la literatura y de este mundo salvaje una enfermedad hepatica un julio del 2003 en España.

Había nacido en Santiago de Chille en 1953 y desde muy pequeño se había impuesto ser escritor. No le interesaba la escuela y a menudo se saltaba las clases para ir a bibliotecas o librerías donde pasaría valiosas e interminables jornadas que le ayudarían a aguzar la técnica para robar libros, un elemento que sería clave en su desarrollo intelectual.
En un principio, sólo podía robar los que estaban más a mano pero, afortunadamente, aquellos libreros del sur de Chile no entendían de marketing y se pegaban el lujo de tener ediciones peregrinas, extrañas, exquisitas y en vías de extinción. Así conoce a Pierre Louÿs y a otros escritores franceses de fines del siglo XIX y comienzos de XX.
A mediados de los sesenta su familia se traslada a Ciudad de México. Tenía 13 años y el viaje sólo le hizo encerrarse más aún en la lectura. La ascensión de Salvador Allende al poder emocionó mucho al joven Bolaño y en el 73, dispuesto a armar la revolución izquierdista que salvaría a América Latina, nuestro héroe se embarca en un interminable viaje (cerca de ocho mil kilómetros) desde México hasta Chile, en autobús, autostop y barco, con tan mala suerte que unas semanas después de su llegada a Santiago de Chile, Pinochet y sus hombres tomaban el poder. Allende se borra de un balazo y comienza la macabra cacería ideológica que se extendería durante 17 años.
A los 20 años, Bolaño ya estaba fuertemente empapado del estilo de la juventud mexicana de la época. Sus botas, el pelo largo y los ocho mil kilómetros que llevaba a cuestas eran sinónimo de guerrillero para cualquier militar con paranoia. Naturalmente, lo detienen y es encerrado en un campo de prisioneros en el sur de Chile. Esa experiencia lo inspiraría para el cuento Detectives, del libro Llamadas telefónicas y la novela Estrella distante.
No duró mucho en el campo. "¿Tú erís Roberto Bolaño?, ¡Hola poh huevón! ¿Qué hacís aquí encerrao?", le dijo probablemente aquel policía que custodiaba en centro de detención. Era un antiguo compañero de la escuela que lo reconoció y lo ayudó a salir de allí.
Al poco tiempo regresó a México y se juntó con sus amigos amantes de la poesía. Con la rabia del fracaso a cuestas, fundaron el Infrarrealismo, un movimiento artístico que se proponía como vanguardia, rechazando "la mafia de la literatura mexicana", encabezada por Octavio Paz, la vaca sagrada de las letras de México. Ese desprecio lo conservaría siempre y sus víctimas fueron notorias, desde "la escribidora" Isabel Allende hasta el mundo editorial español.
El manifiesto de los infrarealistas era tan delirante como intrascendente fue el movimiento, pero la frescura y la rabia que salieron de allí se pueden disfrutar en este extracto del 1er manifiesto (1976), firmado por Bolaño:
"La muerte del cisne, el último canto del cisne, el último canto del cisne negro, NO ESTÁN en el Bolshoi sino en el dolor y la belleza insoportables de las calles. Un arcoiris que principia en un cine de mala muerte y que termina en una fábrica en huelga. Que la amnesia nunca nos bese en la boca. Que nunca nos bese. Soñábamos con utopía y nos despertamos gritando...¡DÉJENLO TODO, NUEVAMENTE/ LÁNCENSE A LOS CAMINOS!".
De aquella experiencia, junto a su inseparable amigo el poeta Mario Santiago, correrían ríos de tinta en sus trabajos posteriores, llegando a su máxima expresión en Los detectives salvajes, donde Ulises Lima (Santiago) y Arturo Belano (adivinen quién) protagonizan una de las novelas más importantes del escritor. Los Detectives lo llevarían al más alto reconocimiento de las letras latinoamericanas, el premio Rómulo Gallegos, en 1999.
En su discurso de agradecimiento por el premio, Bolaño escribe un magistral y conmovedor pasaje sobre su propia vida y obra: "Todo lo que he escrito es una carta de amor o de despedida a mi propia generación, los que nacimos en la década del 50 y los que escogimos en un momento dado el ejercicio de la milicia, en este caso sería más correcto decir la militancia, y entregamos lo poco que teníamos, lo mucho que teníamos, que era nuestra juventud, a una causa que creímos la más generosa de las causas del mundo y que en cierta forma lo era, pero que en la realidad no lo era".
"De más está decir que luchamos a brazo partido, pero tuvimos jefes corruptos, líderes cobardes, un aparato de propaganda que era peor que una leprosería, luchamos por partidos que de haber vencido nos habrían enviado de inmediato a un campo de trabajos forzados, luchamos y pusimos toda nuestra generosidad en un ideal que hacía más de cincuenta años que estaba muerto, y algunos lo sabíamos, y cómo no lo íbamos a saber si habíamos leído a Trotski o éramos trotskistas, pero igual lo hicimos, porque fuimos estúpidos y generosos,como son los jóvenes, que todo lo entregan y no piden nada a cambio, y ahora de esos jóvenes ya no queda nada, los que no murieron en Bolivia murieron en Argentina o en Perú, y los que sobrevivieron se fueron a morir a Chile o a México, y a los que no mataron allí los mataron después en Nicaragua, en Colombia, en El Salvador. Toda Latinoamérica está sembrada con los huesos de estos jóvenes olvidados".

Comunicado de Aqpcultural

2008-07-11T10:58:00.000-07:00

Recibo y copio el comunicado enviado por los amigos de AQPCULTURAL en denuncia al trato recibido por una casa televisora local. Este nuevo golpe a la alicaída escena cultural arequipeña es un síntoma más del tipo de apoyo que se recibe de las instituciones publicas y privadas. No es una novedad que la mayoría de actividades culturales estén en manos de personas particulares que dan hasta lo que no tienen por llevar a cabo esta labor que por instantes (pequeños instantes) se torna ingrata. Ayer mismo conversaba con un editor del Grupo Editorial Dragostea y apuntábamos lo mismo: nadie apoya, y si lo hacen es de mala gana, por que de seguro se cansan de vernos las caras.
Esperemos subvertir esta situación haciendo más actividades, haciéndonos escuchar, publicando más libros y estando convencidos que esto lo mejor que podemos hacer por nuestra ciudad.

Comunicado

Estimados amigos suscritos a AQPCultural y ex-televidentes del programa ArteFacto: Tenemos el deber de aclarar lo siguiente:

- Hace dos meses que el programa ArteFacto fue sorpresivamente levantado del aire por el Canal 9 (Perú TV) donde era transmitido. Sin ninguna explicación ni aviso previo simplemente se dejó de transmitir en el horario acostumbrado.

- Al principio creímos que se trataba de un error o una descoordinación, pues pensamos que si el programa iba a ser retirado de programación se nos iba a avisar con un mínimo de anticipación para no seguir grabando y para cancelar los compromisos con las entidades que modestamente nos apoyaban, y al pedir una explicación se nos dijo que la programación del canal entraba en restructuración y que NO SE HABÍA TOMADO LA DECISIÓN DE SACAR DEL AIRE EL PROGRAMA ARTE-FACTO, sino que se estaba buscando un horario nuevo y adecuado para el tipo de contenidos que ofrecíamos.

- Ante esta explicación decidimos esperar para tener una respuesta concreta sobre el nuevo horario o, en su defecto, sobre la cancelación del programa, pero ante la demora de la decisión (más de dos meses) y ante la evidencia de falta de interés en el tema, sólo nos queda asumir, tristemente, la baja definitiva del programa en PerúTV.

- Sabemos (supimos siempre) que un programa de divulgación cultural no es precisamente un buen negocio para un canal comercial, ni mucho menos, y AGRADECEMOS el espacio que durante estos casi dos años nos brindó PerúTV. Pero hay que entender que quienes estuvimos detrás de la producción del programa también sacrificábamos tiempo y dinero, pues trabajábamos ad-honorem, por amor al arte (literalmente). Los aportes que logramos conseguir este año de parte de dos instituciones a las que también agradecemos: el Centro Cultural Peruano Norteamericano y la Escuela de Artes Carlos Baca Flor, cubrían muy ajustadamente los gastos de producción.

- Lamentamos que las cosas se hayan dado de esta forma tan nebulosa. Hubiéramos querido como respuesta un SI o un NO definitivo y -¿pedimos peras al olmo?- un GRACIAS, pero sólo obtuvimos "silencio administrativo", lo cual, para nosotros equivale a ser ignorados.

- Por el nuevo formato de trabajo, la suspensión de grabaciones del programa también supuso la suspensión de la redacción del boletín AQPCultural, que por economía de recursos hacíamos en forma paralela, de modo que el boletín era reflejo virtual del programa.

- La expectativa generada por el programa no sólo en Arequipa sino en ciudades como Huancayo, Cusco, Puno, Moquegua, Cajamarca, Lima, Huancavelica, Ayacucho, entre otras, nos hizo creer por un minuto que nuestra misión de divulgación cultural era posible en un país como el nuestro, deficitario en educación, magro en interés por el arte y con un sistema de televisión cada vez más superficial y nihilista. Nos equivocamos (nuevamente).

- Finalmente, el equipo de AQPCultural buscará la forma de retornar al aire o en su defecto volver a la mínima tarea de publicar el boletín virtual.Mil disculpas, y muchas gracias.

AQPCULTURAL

Más sobre José Ruiz Rosas

2008-07-11T08:30:00.000-07:00

El poeta arequipeño Oswaldo Chanove coloca en su blog Crónica del instante un excelente artículo acerca de sus primeras experiencias con el vate José Ruíz Rosas. Sin duda, el concurrido homenaje que se realizó en las instalaciones de la Municipalidad Provincial de Arequipa ha traído buenas consecuencias. Esperemos que se siga escribiendo más sobre el poeta semilla y recobre así el lugar que merece en el panorama de las literatura nacional.

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Hace miles de años, cuando yo era sólo un niño, entré a la librería Trilce, en la calle Palacio Viejo, muy cerca del cine Azul. Un joven empleado me atendió y luego de escuchar mis absurdas pesquisas me mostró, sin ocultar su impaciencia, la ruta hacia la calle. Cuando ya me disponía a abandonar tristemente aquel extraño local, observé como un sujeto barbado atravesaba raudamente la habitación. Era don Pepe, que por primera y única vez en su vida me confundió con un adulto, y que, para mi desconcierto, ocupó los siguientes treinta minutos mostrándome libro tras libro, no sólo sobre los extravagantes asuntos que me interesaban en aquellos tiempos, sino sobre otras cosas no desprovistas de interés. Fue así como aprendí que los libros eran máquinas de papel que, por medio de un proceso alquímico, daban forma humana al territorio desconocido del Espacio Exterior (e interior).

Para leer artículo completo haz click aquí

Presentaciones

2008-07-10T23:24:00.000-07:00

Este viernes 11 Arequipa se abarrota de presentaciones.
Aquí no Falta Nadie. Editado por Lago Oculto Editores, esta antología de poesía puneña hecha por Walter Bedregal Paz trae en sus páginas una buena selección de poetas que, sin duda, debieran pertenecer al canon de todo aquel a quien le interesa y goza con la poesía. Desde Alejandro Peralta y Oquendo de Amat, seguramente los dos poetas más emblemáticos y innovadores de la poesía altiplánica, hasta Darwin Bedoya y Luis Rodríguez, deudores de los primeros, quienes nos muestran una vez más la vitalidad de la poesía lacustre. Bedregal justifica su antología con estas palabras “Aquí no se ha seleccionado voces que necesariamente hayan publicado libros y libros carentes de rigor poético y, además, auspiciados por municipios o certámenes tribales. lo importante es saber que todo esta escrito para comenzar a crear una indiscutible poesía o saber perfectamente que todo lo inalcanzable se llama poema.”
La cita es en la Sala Polivalente de la Alianza Francesa a partir de las 19:00 p.m. Estarán a cargo de la presentación José Gabriel Valdivia y José Luis Ramos.
Revista Mitica. Luego de un largo silencio aparece nuevamente la revista Mítica. Esta interesante publicación de arte y cultura nació en los claustro de la escuela de literatura y llega de esta forma a su tercera entrega. Esperemos cubra las expectativas creadas.
Se realizará la presentación en la sala Guillermo Mercado (San Agustín 115) a las 19:00pm
La falaz posteridad. Presentada ya hace varios meses en la capital, la ganadora del Premio Juan Rulfo 1999 y finalista del Premio Herralde de Anagrama 1994 (España), Teresa Ruiz Rosas (1956) hija del reconocido poeta José Ruiz Rosas, presenta a sus coterraneos su última novela titulada La falaz posteridad (2007). "Dora Bakarel ha emprendido una lucha incansable por alcanzar el reconocimiento. No el de ella propiamente, sino por la memoria de su padre, el cineasta búlgaro Slatan Dudow, quien está obliterado de los libros de historia del cine. Dudow es el autor real del guion de la cinta ¿De quién es el mundo? (Kuhle Wampe, 1933), máximo ejemplo del cine “proletario” de la Alemania de entreguerras. Sin embargo, la historia atribuye al dramaturgo Bertolt Brecht la autoría de la película. La recuperación de un pasado perdido en la figura de Bakarel es el eje de la novela (...) La falaz posteridad propone una reflexión sobre los vínculos filiales. Pero también sobre la justicia y cómo nos enfrentamos a sus designios"
Esta última pesentación es en el Centro Cultural Peruano Norteamericano, también a las 19:00 horas.

90 años de Alí Chumacero

2008-07-10T14:32:00.000-07:00

Ya con 90 años de vida, Alí Chumacero (Acaponeta 1918, México) está convencido de varias cosas: de que morirá con un libro en la mano, de que no cambiaría por nada del mundo su trabajo.Y es que tras 58 años trabajando en el FCE, Chumacero es tal vez el corrector, redactor, tipógrafo y editor por cuyas manos han pasado las obras de los escritores más importantes de México como Octavio Paz, Alfonso Reyes, y el propio Juan Rulfo.A la titánica labor de hacer libros en toda la extensión de la palabra, se unen dos más: la lectura y la escritura cuya obra ha dado dulces frutos con obras como o Imágenes desterradas, 1948.Fue redactor de la revista El Hijo Pródigo y de México en la cultura, suplemento del periódico Novedades, así como director de Letras de México. Fue becario de El Colegio de México en 1952 y del Centro Mexicano de Escritores entre 1952 y 1953. Desde 1964 es miembro de la Academia Mexicana de la Lengua.
Su obra poética fue reunida en 1981 en Poesía completa. En Los momentos críticos (1987. Poseedor de una poesía fina y litúrgica, su vena poética inicia en sí mismo, para hurgar en el otro. Enhebra imágenes con las que arrastra y es arrastrado por una estela de palabras. Chumacero es una figura cultural sin la que no se pueden explicar los movimientos culturales de finales del siglo XX en México.Ha sido maestro de una importante generación de intelectuales y escritores dedicados a la producción editorial. Fue eje central para la consolidación del Fondo de Cultura Económica y de otras ediciones publicadas incidentalmente como la célebre colección SepSetentas. Para el ganador del premio Xavier Villaurrutia (1984), los 90 años que está a punto de cumplir deberían contarse multiplicados por tres, pues el vive cada día como si fuera el último, y cada minuto que pasa es como si fueran tres minutos en su vida. “He gozado de la vida, ha sido muy celebrada mi forma de ver las cosas; he procurado no pelear con nadie, le he dado por su lado hasta a mis hijos; he sido un hombre que, sin buscar el aplauso, ha vivido espléndidamente; porque, señoras y señores, es bien sabido que he sido un hombre pobre, pero tacaño”.Con más de 50 años dedicado a “hacer libros”, Chumacero se confiesa enamorado de su profesión, determinado a no renunciar a ella y prefiere ser recordado como un obrero de la literatura, no como un intelectual.

POEMA DE AMOROSA RAÍZ

Antes que el viento fuera mar volcado,
que la noche se unciera su vestido de luto
y que estrellas y luna fincaran sobre el cielo
la albura de sus cuerpos

Antes que luz, que sombra y que montaña
miraran levantarse las almas de sus cúspides;
primero que algo fuera flotando bajo el aire;
tiempo antes que el principio.

Cuando aún no nacía la esperanza
ni vagaban los ángeles en su firme blancura;
cuando el agua no estaba ni en la ciencia de Dios;
antes, antes, muy antes.

Cuando aún no había flores en las sendas
porque las sendas no eran ni las flores estaban;
cuando azul no era el cielo ni rojas las hormigas,
ya éramos tú y yo.

por Judith Rodríguez

Merecido homenaje a José Ruiz Rosas

2008-07-08T21:49:00.000-07:00

Con la participación del poeta Marco Martos, el profesor Ricardo Gonzáles Vigil y autoridades políticas de la ciudad, se llevó a cabo la ceremonia de reconocimiento e incorporación a la Academia Peruana de la Lengua del poeta arequipeño José Ruiz Rosas. De esta manera se reconoce a una de las mejores y más altas voces de la poesía peruana de la generación del 50, que por mezquindades típicas de la crítica capitalina y deficiencias de la nuestra, no ha tenido la apertura y difusión necesaria a nivel nacional.

José Ruiz Rosas, nacido por cuestiones de la vida en Lima, pero residente solitario de esta ciudad y de sus calles desde el año 1949, ha publicado más de 40 libros y vendido muchos más en “Trilce” mítica librería y cueva de la mejor poesía arequipeña de aquellas epocas. Desde Sonetaje (1951), la poética de Rosas se ha mantenido comprometida, enérgica e hipnotizante; llena de esas metáforas sencillas que hacen a las cosas más bellas. Tiene publicados, entre otros libros, Tienda de ultramarinos (1977); Arakné (1978); Vigilia del cristal y de la bruma (1978); Elogio de la danza (México, 1980); Silvas (Alemania, 1990); y últimamente Entre la flor de un cuento (Arequipa, 2005).

Al finalizar, y luego de unas palabras de agradecimiento a la Academia, el poeta semilla agradeció al publico asistente con la lectura de este poema.

Así escribo el poema. Doy un paso,
duermo, sonrío, lloro en mis adentros,
mastico la ancha hiel de los instintos
puestos a galopar, protones lúdicos
flotando sus latentes emociones;
miro la luz, que es el mirar más último
antes de penetrar en cada arcano;
oigo no sé qué cosas en los cantos
de las aves por un momento libres
y se me empuña el corazón sabiendo
su final de cautivas o de víctimas;
aspiro el aire altísimo que baja
a decorar de oxígeno mis huesos;
llego, me voy, distante en todo tiempo
de la meta final que no he fijado;
pulso la hora intacta que ha parido
el otoño de un ramo, atrapo el claro
destello de unos ojos fraternales,
miro los flujos que soporta el mundo
por pasos con sus callos melancólicos,
torno, vuelvo a mirar y abro los ojos
como un insomne búho en medio día
y fijo las pupilas como el gato
que pretendiera caza de aeroplanos,
subo la cuesta, bajo, y subo, y bajo
y conservo el imán del pavimento;
llego, con mi codicia a manos llenas
a regalarle el sol a todo el mundo
y la sombra, la luna y los luceros
como si todo yo fuera raíces,
ojas y savia para estar callado
como un laboratorio del abrazo;
así escribo el poema. Doy un paso.

A 20 años de Lihn

2008-07-06T10:07:00.000-07:00

Este 10 de julio se conmemora veinte años de la muerte del poeta chileno Enrique Lihn (1929-1988) una de las voces más lúcidas de la generación del 50 y ganador del Premio Casa de las Américas de Cuba por su obra Poesía de paso en 1966.
Sin duda, bajo la sombra casi mítica de Neruda, Huidobro y Mistral poetas como Lihn no han tenido la difusión y llegada necesaria a todos los lectores latinoamericanos, y eso es una deficiencia que el propio Enrique Lihn apunta “a mi me parece que hablar unilateralmente de poesía chilena, poesía peruana, poesía argentina como mundos aislados dentro del contexto cultural actual de Latinoamérica, es un error, una limitación que uno debe asumir conscientemente." Y en esa medida el interés que mostramos hacia autores de distintas latitudes es poco.
La entrega demostrada en este poema es conmovedora, dice lihn: “la poesía me sirvió para esto: no pude ser feliz, ello me ha sido negado, pero escribí. Escribí: fui víctima de la mendicidad y el orgullo mezclado, y ajusticié también a unos pocos lectores; una muchacha cayó, en otro mundo, a mis pies.”

Cartas de Valdelomar

2008-07-03T10:53:00.000-07:00

César Ángeles Caballero ha publicado en esto días un tentador libro donde reúne las cartas remitidas por el genial Abraham Valdelomar a distintos personajes de la época. La nota, publicada en la sección cultura del diario La Primera, antes que al epistolario publicado, hace hincapié en el trabajo de César Ángeles Caballero a favor de la critica y el saber literario nacional. Dice “Cada vez que César Ángeles Caballero publica un libro de investigación, reflexión, pedagogía y crítica, sus aportes tienen una vital importancia para la cultura peruana. Dotado de innato talento literario y visión pedagógica, así como de una sólida cultura, el día que se haga un balance de sus trabajos, se verificará que es uno de los peruanos que más se ha acercado a la realidad cultural, para descifrarla.

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IV CONCURSO DE POESÍA Prima Fermata Literaria 2008

2008-07-02T08:09:00.000-07:00

Por cuarto año consecutivo los alumnos de Literatura de la Universidad Nacional Mayor de San Marcos convocan al premio “Prima Fermata”. Excelente título para un excelente Premio que no busca sino promover a los noveles poetas de la escena académica nacional.

A continuacion las bases del concurso:

IV CONCURSO DE POESÍA
Prima Fermata Literaria2008

BASES

1. Pueden participar todos los estudiantes universitarios de pregrado y de institutos de educación superior del país. Los participantes deberán ser no mayores de 28 años hasta el cierre de la convocatoria.
2. Los géneros en los que pueden participar son poesía y prosa poética. El tema, metro y rima son absolutamente libres.
3. Los textos deberán ser inéditos, al igual que los autores. Esto quiere decir que no pueden participar aquellos autores que hayan publicado un libro a título personal hasta el cierre de la convocatoria.
4. Los trabajos deben conformar un grupo de tres (3) poemas como mínimo o cinco (5) poemas como máximo, que deberán ser presentados en Word, formato A4 y fuente Arial 12 ó equivalente.
5. Los trabajos podrán ser enviados mediante una de las dos modalidades, las cuales permitirán una total confidencialidad:
a. Al correo electrónico: concurso.primafermata@gmail.com adjuntando dos archivos, uno de ellos contendrá: nombres y apellidos, fecha de nacimiento, teléfono (o celular), D.N.I (u otro documento de identidad, según sea el caso), centro de estudios, seudónimo. El segundo archivo adjunto contendrá el trabajo del autor, indicando un seudónimo en la parte superior de cada una de sus páginas. Todo envío por correo electrónico tendrá acuse de recibo.
b. Al Celit (Centro de Estudiantes de Literatura) - Facultad de Letras de UNMSM en un sobre manila cerrado que consigne en su exterior Prima Fermata Literaria 2008 y el número de su D.N.I. (u documento de identidad según sea el caso). En el interior se colocará el trabajo del autor indicando un seudónimo en la parte superior de cada una de sus páginas, con tres copias simples; y un sobre sellado que contenga en su interior: nombres, apellidos, fecha de nacimiento, teléfono fijo o móvil, D.N.I. (u otro documento de identidad según sea el caso), centro de estudios y seudónimo.
6. Los participantes podrán enviar un sólo conjunto de poemas, anulando su participación en caso contrario.
7. No podrán participar los trabajos que tengan compromiso de publicación o estén pendientes de fallo de algún otro concurso. Si esto llegara a ocurrir este trabajo será eliminado inmediatamente del certamen.
8. Los seleccionados de las anteriores versiones del concurso (2005, 2006 y 2007) no podrán participar bajo ninguna salvedad.
9. El jurado estará integrado por dos jóvenes editores y tres integrantes de Prima Fermata Literaria designados por el Comité Organizador. Ellos se encargarán de dar el veredicto de textos y autores ganadores, entre los cuales no se establecerá jerarquía alguna.
10. El cierre de esta convocatoria y la respectiva recepción de trabajos será hasta el martes 30 de setiembre del presente año.
11. Los resultados serán publicados el día domingo 24 de octubre en el blog: www.prima-fermata.blogspot.com. Los textos enviados al Celit (Centro de estudiantes de literatura), que no resulten elegidos podrán recogerse hasta el sábado 24 de noviembre; luego de esta fecha serán incinerados.
12. Los autores que resulten elegidos participarán con la lectura de sus poemas en el Recital de poesía Prima Fermata Literaria 2008, que se llevará a cabo el viernes 7 de noviembre del presente año. Además, los textos de los autores elegidos serán publicados conjuntamente bajo la denominación Prima Fermata Literaria 2008, libro que será presentado el mismo día del evento.
13. La presentación de trabajos lleva implícita la aceptación de estas bases, no pudiendo retirarlos hasta el final del evento.
14. Cualquier eventualidad no contemplada en la presente será resuelta por el Comité Organizador.

Lima, junio de 2008
Comité Organizador.

Nueva eclosión de Odi Gonzáles

2008-06-30T09:45:00.000-07:00

Con agrado recibo la noticia que Odi Gonzáles (Cusco, 1962) ha reeditado Valle sagrado (1993) y Almas en pena (1998) bajo un solo libro y al cuidado de Ed. Santo Oficio. Sobre Valle Sagrado (Premio Nacional de Poesìa “Cèsar Vallejo” de El Comercio, y el de la Universidad de San Marcos) en una entrevista realizada por Roxana Chirinos para Agenciaperu dice el poeta cuzqueño “fue mi punto de partida para incorporar al discurso poético, elementos provenientes de la oralidad quechua, configurando con esto diferentes niveles de lenguaje”. Odi Gonzales se muestra comprometido con un discurso disminuido y ninguneado no sólo en el plano social, sino tambien en el poetico. La actitud, por cierto, no es nueva, como tampoco lo es su frontalidad y desparpajo ante esta situación.
Como se sabe Odi Gonzáles se formó académicamente en nuestra ciudad. De tal manera no es extraño que aparezca en distintas antologías y estudios de poesía arequipeña. En una entrevista realizada por Juan Yufra en La Boca del Sapo ambos poetas hablan acerca de la fecunda y díscola generación que junto con Luzgardo Medina, Rolando Luque Mogrovejo, Carlos Herrera, J. Maldonado, H. Álvarez, entre otros, formaron en los lejanos años 80. Al respecto dice “nos unía la amistad obviamente. Creo que teníamos una amistad por muchos lados. A Rolando Luque lo conocí por mis compañeros de Ingeniería, a Luzgardo Medina por otras vías…girábamos a través de dos padres espirituales de Arequipa: Guillermo Mercado y Pepe Ruiz Rosas.”
Sobre esta actitud o necesidad, en su libro Viva Voz Rolando Luque escribe “Los poetas en nuestra ciudad han resistido la inclemencia de los últimos tiempos, gracias a una antigua y renovada modalidad de convivencia: el grupo”.
“En la generación del 80 su importancia es vital. Aparece un poco irreflexivamente en torno al vacilón, la revistita y un gustito indefinible por ingresar en la historia. Esta variante algo ilustrada de la collera peruana, se presenta como alternativa al proceso individual o masivo. Cumple funciones de protección frente a las asechanzas del orden publico, de asistencia reciproca cuando de tragos, libros o hembritas se trata, de complicidad y reforzamiento de la aciaga inclinación, pero fundamentalmente crea un clima propicio para desatar las escrituras”.

A cC

2008-06-30T08:46:00.000-07:00

Juan Gelman (Buenos Aires, 3 de mayo de 1930) es el poeta vivo más
importante de la poesía Argentina. El 2007 fue galardonado con el premio Cervantes y su poesía, sin duda, es un claro ejemplo de sencillez y solvencia en la palabra.

de Ruiseñores de nuevo, Mujeres
Voz del autor

Mario Vargas Llosa: de escritor a actor

2008-06-27T00:46:00.000-07:00

La vocación que ha mantenido Mario Vargas Llosa por incluir dentro de alguna de sus novelas personajes que podrían ser emparentados con él mismo, (pienso en La tía julia y el escribidor) ha sido harto conocida y comentada, más nunca se pensó que el ganador del Premio Cervantes de Literatura llevara a otro nivel esta ansia. Así en conjunto con la actriz Aitana Sanchez-Gijón y el director Joan Ollé, Vargas Llosa pasara nuevamente de escritor a actor, no precisamente de un personaje ni novela suya, sino del más conocido clásico medieval árabe: Las mil noches y una noche (título original) obra que le permite nuevamente tocar sus inquietudes frente al papel de la ficción.
“Todo esto está siendo una experiencia maravillosa, pocos escritores tienen la posibilidad de vivir sobre el escenario fantasías y vidas simuladas, encarnar a otros seres y vivir esa transmutación que ofrece la lectura”. Declaró. Además de representar al Rey Sahrigar y en Sherezade, la pareja de actores interpretará... también a los múltiples personajes de las historias que ella le cuenta al rey para librarse del verdugo.
De esta manera, el arequipeño de setenta y dos años, que trabaja en una nueva novela basada en la vida del diplomático británico Roger Casement, demuestra su rotundo empeño y vigencia no sólo en las letras, sino en las tablas mundiales.

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Margaret Atwood gana el Príncipe de Asturias de las Letras

2008-06-26T23:46:00.000-07:00

"Es una gran emoción y un honor haber recibido este magnífico galardón. Los Premios Príncipe de Asturias son no sólo un gran tributo a la literatura, las humanidades y las ciencias, sino también al proyecto universal de construir una sociedad sensata y humana". Con estas palabras Margaret Atwood agradeció el premio otorgado por la fundación Príncipe de Asturias en Oviedo, España. La canadiense de esta forma se suma a Svetan Todorov que la semana pasada ganó el mismo premio en el área de ciencias socales.

Más sobre Margaret Atwood

Nacida en Ottawa-Canadá el año 1939 obtuvo reconocimiento internacional con la publicación de The Edible Woman (1969), libro en el que Atwood a través de Marian McAlpin explora las relaciones entre ella misma, la sociedad, los hombres y la comida, haciendo de este ejercicio... la forma única y vital de reconocerse. A esta obra, que le trajo a la autora algunas polémicas por sus filiación feministas, siguieron muchas otras, como Resurgir (1972), Lady Oracle (1976), Life Before Man (1979), Ojo de gato (1989), y The Robber Bride (1993).
En poesía ha publicado varios libros entre los que destacan Double Persephone (1961) The Circle Game (1964) - ganador del Governor General's Award en 1966 y Procedures for Underground (1970) libros que le han valido un notable respeto por parte de la crítica.
A continuación un poema de la reciente Premio Príncipe de Asturias:

Poema nocturno

No hay nada que temer,

es sólo el viento

que ahora sopla hacia el este, es sólo

tu padre..........el trueno

tu madre..........la lluvia

En este país de agua

con su luna ocre y húmeda como un champiñón,

sus muñones ahogados y sus pájaros largos

que nadan, donde crece el musgo

por todo el tronco de los árboles

y tu sombra no es tu sombra

sino un reflejo,

tus padres verdaderos desaparecen

al bajar la cortina

y quedamos los otros,

los sumergidos del lago

con nuestras cabezas de oscuridad

de pie ahora y en silencio junto a tu cama...

Venimos a arroparte

con lana roja,

con nuestras lágrimas y susurros distantes.

Te meces en los brazos de la lluvia,

el arca fría de tu sueño,

mientras aguardamos, tu padre

y madre nocturnos,

con las manos heladas y una linterna muerta,

sabiendo que somos solamente

las sombras vacilantes que proyecta

una vela, en este eco

que oirás veinte años más tarde.

Poesía y pensamiento

2008-06-23T18:52:00.000-07:00

Recojo del diario El País un interesante y bello artículo de Chantal Maillard acerca de la poesía y el pensamiento. Maillard nació Bruselas el año 1951. Ha publicado recientemente Hilos (Tusquets, 2007, Premio de la Crítica 2008) y, en colaboración con Óscar Pujol, Rasa: el placer estético en la tradición india (José J. de Olañeta, 2007).

***

La pregunta por la relación entre poesía y pensamiento ha llegado a ser uno de los tópicos de los encuentros poéticos. Aparentemente, el tema da para mucho, pero una termina preguntándose si no será ésta otra de tantas falsas dicotomías que se inventan, al nombrarlas, para poder hablar de algo, que de eso, al fin y al cabo, se trata.
Obtuve la respuesta de repente, mientras leía el Fiat umbra (Pre-Textos) de Isabel Escudero cuando, al darme cuenta de que levantaba los ojos del libro y me quedaba con la mirada perdida después de la lectura de uno de sus fragmentos, recordé un ejemplo que ponía Miguel Palacios en sus clases de Ética: el que lee filosofía, decía, levanta a menudo la cabeza, como hace un pájaro al beber. Así, lo leído se filtra, como el agua en la garganta del pájaro, y se asienta en el entendimiento. Pues bien, tomé conciencia, en ese instante, de que no estaba leyendo un ensayo sino unos poemas y que, sin embargo, hacía el mismo gesto; la misma necesidad había de dejar que el agua se filtrase y hallase su camino hacia el núcleo. Si, pues, para beber el verso hay que levantar la cabeza, ¿qué diferencia existía entre el poema y el pensamiento?
No obstante, fiel al principio de sospecha, volví a la pregunta: ¿era realmente el mismo gesto? ¿Acaso no había, en la recepción de un buen poema, además del placer del entendimiento, un cierto paladeo? Ciertamente, el verso se "saborea". Y esto, el sabor, al que los filósofos de la India llamaban rasa, es algo que viene dado por la buena elaboración, por la sabia combinación de los ingredientes. No otra cosa es la poíesis.
Pero si bien la poíesis es el arte de hacer poemas, el poema no es la poesía. El poema es algo más. Nos abre una ventana, a veces pequeña, a veces grande, sobre el mundo. Nos cuenta algo que, sin saber, sabíamos, y que reconocemos. El poema es una evidencia que nos asombra. Derrida lo comparaba con un erizo. Lo encontramos indefenso, hecho una bola en la autopista, y nos dan ganas de cogerlo, de protegerlo porque allí, muy a ras de suelo, murmura, dice algo muy bajito. Algo importante. Pero sin aspavientos. Y repetimos lo que murmura, nos lo aprendemos de memoria (par coeur) y el corazón, entonces, el corazón que no había, se hace.
Este hacerse el corazón no es cosa de artificio. Es tiempo de deponer las ansias, los poetas, y estar atentos. Caracol, mejor que erizo, el poema -y el poeta- es la más humilde de las criaturas. Indefenso pero ligero, lleva consigo su casa, su morada; la construye con su propia saliva a medida que va creciendo. Así ha de ser el poeta para los tiempos que vienen. Humilde, anónimo si pudiera. Porque lo que dice, lo dice para todos y es en boca de todos cuando halla cumplimiento.
Vuelvo al Fiat umbra. A medio camino entre el haiku y la sentencia popular o la métrica breve castellana, estos "farolillos" expanden su luz en mi penumbra. Brevemente, a modo de estampas para la imaginación o para la inteligencia, permitiendo ese sesgo de la mente que tanto abreva. Sirvan de ejemplo para lo dicho. Beber un sorbo y levantar la cabeza. Como el pájaro.

Convocatoria 2008 VII Muestra Documental Independiente Peruano

2008-06-19T14:28:00.000-07:00

En estos días me ha llegado la convocatoria del DIP para la VII Muestra Documental Independiente Peruano. El año 2007 tuve la oportunidad de ser invitado por las organizadoras en nuestra ciudad, Giuliana Gutierrez, Anita Salinas, entre otros, quienes en un fuerzo loable pudieron incluir a Arequipa dentro de las cedes de este evento que, entre otras cosas, ofrece al público espectador una mirada propia, subjetiva de la realidad, que no intenta convencer sino sólo cuestionar.

La convocatoria está abierta. Y para los que no grabamos ni los bautizos no nos queda otra que esperar hasta octubre. ¿Quizá un milagro?

La Muestra de Documental Independiente Peruano abre la convocatoria de su VII edición, que se celebrará del 3 al 11 de Octubre en la ciudad de Lima... en el Centro Cultural de España; del 6 al 11 de octubre en nuestras muestras paralelas: Arequipa, Ayacucho y Cuzco y del 20 de octubre al 21 de noviembre como parte de la IV Caravana Documental, en provincias (La Oroya, Pucallpa, Iquitos y Belén).
Podrán participar todos los realizadores extranjeros con temáticas relacionadas al Perú o peruanos de cualquier edad, que presenten sus trabajos en formato Mini DV o DVD, hasta el 5 de Setiembre del 2008, adjuntando la siguiente información:
• Título Original, año de producción, país.
• Formato de producción
• Formato de presentación
• Tiempo de duración del trabajo
• Especificar si ha participación en otras muestras o festivales
• Sinopsis (no más de 100 palabras)
• Nombres completos, correo electrónico, dirección y teléfonos
del director y el productor.
• Ficha técnica completa
• Una foto y/o afiche del Documental

- Con su participación, el realizador confirma ser el propietario de las licencias, copyrights y derecho de imagen, sonidos, tipografías, software y cualquier herramienta que utilice.
- La participación en la muestra implica que el autor declara que es el responsable del trabajo enviado y de lo que se incluya en él.
- El autor es el único y exclusivo propietario de los trabajos presentados. No obstante, por el hecho de participar en la Muestra, cede los derechos de comunicación pública a los organizadores y les otorga su autorización para cualquier tipo de proyección durante ella.
- La organización podrá elaborar folletos informativos sobre los documentales que se exhiban.
- El material enviado no será devuelto y será incluido en el archivo DIP (Documental Independiente Peruano).

ENVIO DE MATERIAL:
Lunes a Viernes de 9:00 a.m. a 5:00 p.m.
Dirección: Chamberi 150 miraflores (alt. de la Cdra.11 de Angamos oeste)
Consultas: dip@dipperu.com
Telef. 4224212 - 992550320

Bases del concurso literario de Poesía, Cuento y Ensayo Breve “El Búho” 2008

2008-06-19T07:38:00.000-07:00

Hace ya algunas semanas “El Búho” Semanario de política y cultura de nuestra ciudad, anunció su convocatoria para el II Concurso de Poesía, Cuento y Ensayo Breve. Sin duda los S/. 1,000 soles en disputa y la inclusión del género de poesía son alicientes más que necesarios para todo novato escritor.
Anoto las bases y el cronograma del concurso para todos aquellos que quieran hacerse conocidos en la pequeña escena literaria sureña.
Un hecho curioso, por segundo año consecutivo las bases dejan de lado a los inspirados escritores del Cusco. ¿Será porque ellos tienen un premio mucho más jugoso? Lo dejó a criterio del lector.

Bases Generales
El Búho, Semanario Regional de Política y Cultura convoca al II Concurso Literario de Poesía, Cuento y Ensayo Breve, presentando las bases generales:
Podrán participar todos los residentes en Arequipa, Puno, Moquegua y Tacna, que presenten obras originales, inéditas y escritas en castellano.
Cada participante podrá presentar más de un trabajo para cada una de las categorías, siempre que utilice distinto seudónimo para cada trabajo.
Los participantes deberán entregar cada obra en un sobre cerrado donde se indique la categoría del concurso en la que participa. El sobre debe contener:
Un original y tres copias del trabajo, firmadas sólo con seudónimo.
Otro sobre cerrado, rotulado con el seudónimo, que contenga una hoja escrita a máquina o en computador, con el nombre completo del autor, seudónimo, dirección domiciliaria, teléfono y su correo electrónico.
Una copia en soporte digital (diskette, disco compacto) de su obra.
Las obras se recibirán hasta las 18:00 horas del 31 de julio en las oficinas del Semanario “El Búho”, ubicado en Alvarez Thomas 107, oficina 208. Arequipa. En el caso de otras ciudades, el matasellos de correo dará fe de la fecha de envío.
No se aceptarán entregas a través de correo electrónico
Los trabajos presentados no serán devueltos. Los ganadores ceden los derechos de publicación de su obra.
El personal del Semanario “El Búho” y de la Dirección de Cultura de la Municipalidad Provincial de Arequipa quedan inhabilitados para participar de este concurso.
La sola presentación de trabajos a este concurso implica la aceptación de las bases del mismo.
Toda la información sobre el concurso será publicada en la página web:
www.elbuho.com.pe.
No se mantendrá correspondencia de ningún tipo durante el concurso.

Categoría Poesía
La temática es libre
La extensión máxima no debe pasar los 100 versos, distribuidos en uno o más poemas, escritos a máquina o computadora, en formato A4. La letra debe ser Times New Roman, tamaño 12, espacio interlineado de 1,5.
El jurado de la categoría Poesía, está compuesto por: Oswaldo Chanove, Luz Vilca y José Gabriel Valdivia.
El premio para el primer lugar será de S/. 1 000 (Un mil nuevos soles).

Categoría Cuento Corto
La temática es libre.
La extensión no debe sobrepasar las dos carillas, escritas a máquina o computadora, en formato A4. La letra debe ser Times New Roman, tamaño 12, espaciado interlineado de 1,5.
El jurado de la categoría Cuento Corto, está compuesto por: Willard Díaz Cobarrubias, Rosa Núñez y Misael Ramos.
El premio para el primer lugar será de S/. 1 000 (Un mil nuevos soles).

Categoría Ensayo Breve
La temática deberá estar relacionada con el desarrollo político, económico, social y cultural de la región sur del Perú.
La extensión no debe sobrepasar las cinco carillas, escritas a máquina o computadora, en formato A4. La letra debe ser Times New Roman, tamaño 12, espaciado interlineado de 1,5.
El jurado de la categoría Ensayo Breve, estará compuesto por: Óscar Barreda Tamayo, Teresa Arrieta de Guzmán y César Díaz del Olmo.
El premio para el primer lugar será de S/. 1 000 (Un mil nuevos soles).

Cronograma
Convocatoria :29 de abril de 2008
Recepción de sobres :Del 01 al 31 de julio
Publicación de resultados :7 de octubre